Er SHOW de la Bienve de bricAbrac Teatro en la Sala El Cachorro el próximo Viernes 27 de Enero, a las 21h

Bienvenida Gómez es la autentica dominguera. Ha convertido este hecho tan cotidiano en todo un arte, no hay camping que se le resista y es que Bienve es mucha Bienve, con un sentido de humor desbordante es capaz de transformar las conversaciones más cotidianas en situaciones delirantes. Un día de camping entre risas ca…ntos. Su filosofía de vida es “Con humor todo va mejor”. Este espectáculo lucha contra el estrés, los agobios económicos y las situaciones diarias. Ven a nuestra playa ríe, relájate y disfruta junto a Bienvenida Gómez, La autentica dominguera.

http://www.redescena.net/actualidad/ficha.php?id=4693

A través del debate de gestores y programadores en torno a cuatro temas específicos, el tercer número de esta publicación reflexiona sobre las prácticas y las herramientas de la gestión de públicos

La presencia de las artes escénicas en la sociedad y la necesidad de aplicar nuevas medidas para su fortalecimiento es uno de los principales aspectos abordados en el tercer número de ‘Abierto al Público’. Esta publicación, editada por la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública, supone un espacio para la reflexión de gestores y programadores en torno a las estrategias empleadas por los espacios escénicos públicos de todo el país en la gestión de sus públicos.

A partir de la formación de cuatro mesas de debate, ‘Abierto al Público’ analiza en su tercer número aspectos como ‘La programación como elemento básico de la gestión de públicos’, ‘Comunicación online, ticketing y marketing relacional’, ‘Formación de público infantil y juvenil’ y ‘El espacio escénico en su entorno social: participación ciudadana’. El debate suscitado entre los gestores culturales, además de analizar cada uno de los temas citados, ofrece algunas conclusiones generales. Entre ellas se encuentra la reivindicación del valor social que atesora el espacio escénico, lugar en el que se propicia un derecho básico como es el acceso a la cultura. En relación con esta misma cuestión se pone de manifiesto la importancia de que las artes escénicas aparezcan incluidas en los programas educativos, al igual que ya sucede en otros países del entorno.

A propósito de la actividad que realizan los gestores y los programadores, los profesionales que han participado en el último número de ‘Abierto al Público’ destacan la necesidad de conjugar el compromiso con la creación artística y las demandas mayoritarias del público, no siempre coincidentes. A su vez, ponen de manifiesto la necesidad de perfeccionar las herramientas de gestión cultural, como el marketing relacional, la gestión de las redes sociales y los protocolos de coordinación entre departamentos.

El primero de los temas abordados en el tercer número de ‘Abierto al Público’ es La programación como elemento básico de la gestión de públicos. En torno a este aspecto, los gestores destacan la importancia de la programación como un elemento decisivo a la hora de conceder una identidad al espacio cultural. Al diseñar su programación, el gestor cultural tiene una triple responsabilidad ante el espectador, el artista y la administración. En este sentido, es necesario para el programador valorar el entorno social en el que desarrolla su trabajo y mantener a la vez una inquietud ante el panorama escénico. Otra premisa que debe seguir es la de realizar un análisis crítico de su trabajo, lo que le permitirá detectar los aciertos y los errores de su programación.

El segundo capítulo de la publicación está dedicado a la Comunicación online, ticketing y marketing relacional. Sobre estos aspectos, los profesionales destacan la relevancia de la comunicación on line, un canal que abre numerosas posibilidades de relación con los públicos. Más allá de facilitar la venta de entradas a través de diversas fórmulas, las nuevas tecnologías permiten un contacto más personalizado con el espectador y abren valiosas opciones de comunicación. Su aprovechamiento, en todo caso, necesitará de la redistribución de los recursos y de los esfuerzos por parte de los gestores culturales.

Otro de los temas tratados en ‘Abierto al Público’ es la Formación del público infantil y juvenil. Los profesionales que abordan esta cuestión coinciden en diferenciar el panorama de las artes escénicas infantiles y juveniles. En el primer caso, aunque se detectan algunas carencias, existe una oferta especializada, amplia y de calidad. Un objetivo a lograr en torno al público infantil es que las campañas escolares no sean actividades aisladas para el menor, sino el primer paso que propicie la creación de públicos familiares que asimilen el espacio escénico como lugar de ocio y encuentro. El público juvenil, por su parte, es una de las asignaturas pendientes en el ámbito escénico actual, por lo que sería necesario un esfuerzo específico destinado a él.

La última cuestión debatida en la publicación de la Red es la de El espacio escénico en su entorno social: participación ciudadana. Sobre este tema se pone de manifiesto la necesidad de que el espacio escénico forme parte de la vida cotidiana de la ciudadanía. En tanto que las artes escénicas cumplen una labor social y educativa, el espacio escénico debe ser un lugar de cohesión y encuentro para la comunidad. Que los ciudadanos le consideren como algo propio es un paso indispensable para crear un flujo de espectadores fieles. Una fórmula para afianzar esta relación es la de concebir el espacio escénico como escenario en el que los ciudadanos puedan desarrollar sus propias necesidades creativas.

El primer número de Abierto Público recogió las experiencias impulsadas por una docena de teatros y auditorios de todo el país para atraer espectadores a sus salas. El pasado año la publicación puso su acento en la fidelización de espectadores.

Les Corbeaux, de Josef Nadj et Akosh Szelevényi

http://liveweb.arte.tv/fr/video/Les_Corbeaux__de_Joseph_Nadj_et_Akosh_Szelevenyi/

Description

Poursuivant la création de 2008 au Théâtre des Bouffes du Nord dans le cadre du festival Jazz Nomades – La voix est libre, Les Corbeaux est une conversation entre différents modes d’expression. Le saxophone d’Akosh Szelevényi, la danse de Josef Nadj et la peinture noire que le chorégraphe laisse libre.

Pour le chorégraphe Serbe Magyarophone et le musicien Hongrois, l’idée du corbeau est une allégoriquee de leurs origines, de leurs paysages. Le corbeau est l’emblème de Matthias 1er « Corvinus » de Hongrie. L’un des plus grand Rois du royaume, qui s’est éteint sans descendance à la fin du XVe siècle. Grand guerrier mais aussi despote éclairé. Il a notamment œuvré en tant que mécène auprès d’artistes italiens alors que s’opérait la révolution du quattrocento.

Née de l’observation des oiseaux, c’est l’instant précis où le corbeau se pose au sol, la mutation du majestueux maître des airs en terrien, qui a plus particulièrement inspiré la création.

“J’éprouve un plaisir fou à décomposer ces normes qui nous régissent”

Fabienne Darge / Le Monde / 13-01-12

A 68 ans, le Polonais Krystian Lupa fait partie du cercle étroit des maîtres du théâtre européen. Ce grand lecteur de Jung, disciple de Tadeusz Kantor et d’Andreï Tarkovski, ne cesse de développer sa conception du théâtre comme instrument d’exploration et de transgression des frontières de l’individualité. Après des adaptations – qui ont fait date – de grands romans européens comme Les Somnambules, d’Hermann Broch, ou Les Frères Karamazov, de Dostoïevski, il semble entré depuis Factory 2 et Persona.Marilyn dans une nouvelle période.

Pourquoi avez-vous choisi le texte de Lars Noren ?

Depuis quelque temps je cherche des textes qui traitent du groupe, du langage spécifique qui s’y développe. Le phénomène du groupe est, me semble-t-il, une énigme intéressante pour nous en ce moment. Chaque groupe est une forme hermétique, qui crée sa propre réalité. Alors, quand, avec René Gonzalès, le directeur du Théâtre Vidy-Lausanne, qui est à l’origine du projet, nous avons commencé à discuter du spectacle, dont le point de départ était de travailler avec de très jeunes acteurs, il m’a parlé du texte de Lars Noren, que je ne connaissais pas. Je savais juste qu’en Suède il y avait cet auteur-là, qui s’occupe de sujets assez bouleversants, qui va dans des zones où personne ne va : la prison, la marge, qui lui permettent justement de dresser le tableau d’enclaves de vie fermées, de groupes rituels où se créent d’autres sortes de communication humaine.

C’est ce qui vous a intéressé ?

Ce qui m’a fasciné, c’est le langage, la manière dont Noren nous montre des gens qui, sous l’effet de l’ivresse, de la drogue ou de la destruction psychique, sortent du devoir habituel de la communication rationnelle. Ce qui rend le texte si extraordinaire, c’est que Noren n’a absolument pas adopté une perspective de chercheur, d’observateur d’un phénomène social dangereux : parler de ces marginaux concerne sa propre vie, sa propre expérience.

Il n’y a donc chez lui aucun jugement…

Exactement : il n’est pas dans la perspective de la morale bourgeoise habituelle, de la “normalité”, qui consiste à se tenir soigneusement à l’écart de ces gens, de s’en protéger par un cordon sanitaire. Et son texte est extraordinairement suggestif : il vous contamine, en quelque sorte, il vous harcèle, il vous viole, il vous force à une identification. Cette langue sans aucune censure, cruelle, brutale, vulgaire même, devient belle parce que Noren nous communique à travers elle l’état d’âme de ces personnes, et nous amène ainsi à entendre ce qu’elles ont à dire, et qui peut être important pour nous, peut nous amener à une nouvelle perception de la réalité. Avec Catégorie 3.1, Noren propose une conception totalement différente du théâtre classique : il ne s’agit pas de raconter une histoire, mais d’être dans un espace humain dans lequel il peut arriver comme ne pas arriver quelque chose, mais dans lequel il faut passer du temps, éprouver ce processus durant lequel certains chutent, et d’autres vont vers une forme de salut.

On peut voir beaucoup de liens entre ce spectacle et vos deux précédents, “Factory 2″ et “Persona.Marilyn”, autour des figures d’Andy Warhol et de Marilyn Monroe : figures mythiques, motif de l’autodestruction…

Oui, c’est l’exploration d’une certaine perversion, celle de l’attirance humaine pour la chute. Ce motif de la chute est bizarrement lié au motif de la liberté, en un lien terriblement secret et dangereux. On ne peut pas l’analyser par un processus rationnel. Alors peut-être que notre art théâtral, qui travaille avec et sur la fonte du recto et du verso – “blanc” et “noir” – de notre âme, des articulations, des circulations entre les deux, peut apporter quelque chose, avec l’acteur au centre de ce processus.

Comment ces très jeunes acteurs ont-ils abordé ces zones de marge et de destruction ?

Les jeunes gens d’aujourd’hui sont évidemment très fascinés par ces marges humaines. Chacun d’entre eux, je pense, se sent proche d’une expérience de cette sorte, même s’il ne l’a pas effectivement vécue dans la réalité. Ces jeunes sont beaucoup moins dans le refoulement du versant destructeur de notre psychisme que les adultes, qui souvent font comme si celui-ci n’existait pas, ce qui est une erreur que l’on peut payer très cher. Et, surtout, il y a dans la pièce, et il y a eu dans le processus de travail, un paradoxe assez phénoménal, qui tient à l’énergie cathartique que contient le motif tragique. Comme l’avait éprouvé Lars Noren, nous avons eu le sentiment que la réalité de ces gens dégradés contenait une force spirituelle, sortant des schémas de la moralité. Ce n’est pas, je pense, chez Noren, une proposition de renversement des valeurs. Mais, en tout cas, il ne s’agit pas d’une réalité qui nous démoralise : plutôt une possibilité de révision de tous ces schémas dont on se sert tout le temps.

Quels schémas ?

Toutes ces normes qui régissent l’humanité, qui sont issues du XIXe siècle, qui décident de ce qui est beau et bon, et dont on voit bien qu’elles ne conviennent plus. En tant qu’artiste, j’éprouve un plaisir fou à décomposer tout cela, voire à l’exploser.

C’est ce qui explique le titre du spectacle, “Salle d’attente” ?

Oui. Dans le monde d’aujourd’hui, beaucoup de gens se rassemblent, dans l’attente de quelque chose, mais on ne sait pas quoi.

Web : www.krystianlupa.com

Grand fracas issu de rien au Théâtre du Peuple à Bussang

http://liveweb.arte.tv/fr/video/Grand_fracas_issu_de_rien_au_Theatre_du_Peuple_a_Bussang/

Soirée hypnotique emportée par des artistes insensés capables du merveilleux comme du rire ! Théâtre, chant, acrobatie s’amourachent et s’enlacent pour mieux nous faire vaciller. Ici un jongleur des mots, là une hystérique soprano, là-bas un athlète assez costaud. Tous s’en donnent à cœur joie, exhibent leur faconde, leur talent, leurs biscotos. Ils visent le vertige, cherchent les frissons, quêtent l’ébahissement, l’étourdissement. Seuls les comas ne sont pas garantis !

Avec des textes de Valère Novarina, des airs de Purcell, Gounod, Berstein… sur des anneaux, barre fixe et cheval d’arçon, ces artistes virtuoses vous promettent un cabaret fou et périlleux, un moment suspendu dans l’atmosphère enchanteresse du Théâtre du Peuple

Comunicado tras la celebración en Madrid esta semana de las jornadas ‘Cómo se aborda la crisis desde la gestión pública de la cultura’

La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública ha analizado esta semana en Madrid en el transcurso de unas jornadas bajo el título Como se aborda la crisis desde la gestión pública de la cultura, los modelos de gestión de los espacios escénicos públicos y sus retos de futuro. Con la participación de un centenar de programadores asociados a la Red, durante estas jornadas celebradas en el Ministerio de Cultura se ha presentado un informe análisis pormenorizado de los problemas que afrontan los espacios públicos españoles.

Tras la celebración del encuentro, la Red Española de Teatros ha hecho un comunicado donde expresa su más profunda preocupación por los problemas presupuestarios y económicos que afectan al sistema público de exhibición escénica y que, substancialmente, condicionan la sostenibilidad de las compañías de danza y teatro de nuestro país. Los continuos recortes en materia de cultura y las manifestaciones que, durante los últimos meses, se han sucedido en medios de comunicación nos invitan a reflexionar sobre un escenario que demanda políticas activas responsables y la unión solidaria de cuantos actores intervienen en el sector productivo de las artes escénicas.

1. Somos conscientes de que la crisis económica, las dificultades presupuestarias y la ―a veces― inadecuada definición de nuestro régimen jurídico y económico pone en cuestión la viabilidad del actual modelo de exhibición y convierte a los teatros públicos en estructuras particularmente vulnerables. Especialmente graves, por su impacto en el tejido empresarial y productivo, son las dificultades que afrontan algunas administraciones locales para hacer frente a la deuda contraída con empresas proveedoras de servicios. Este hecho no es ajeno al ámbito de los servicios culturales, como tampoco lo es respecto a las representaciones de artes escénicas y musicales contratadas por los entes locales con compañías, artistas y distribuidores.

2. La Red ha advertido con anterioridad de la escasa autonomía de gestión con la que operan los teatros y auditorios públicos. Su dependencia de voluntades políticas y de modelos administrativos poco flexibles impide a nuestras estructuras acometer reformas y estrategias que garanticen mayores niveles de eficacia y eficiencia en su funcionamiento. Ante esta situación, La Red ha promovido foros de debate y análisis para identificar las fórmulas jurídicas que permitan a los teatros públicos implantar procedimientos económicos y administrativos más ágiles. Los deseables procesos de transformación jurídica que deben acometer algunos teatros solo serán posibles con voluntad política y bajo el principio de que los poderes públicos deben tutelar y garantizar el acceso universal a la cultura.

3. Los teatros públicos, bajo un ejercicio de responsabilidad, actúan con la convicción de que las artes escénicas son un bien de interés general cuya accesibilidad en igualdad de condiciones debe garantizarse para el conjunto de la ciudadanía. En base a esto, los indicadores económicos deben servirnos como instrumento y apoyo en el desarrollo de estrategias innovadoras, competitivas y productivas. La gran mayoría de los teatros públicos está implementando, a gran velocidad, respuestas que intentan paliar sus problemas financieros y presupuestarios, asociados también a los que viven sus entidades locales. Al mismo tiempo, se están diseñando proyectos de futuro que no encorseten la actividad de exhibición escénica únicamente a las aportaciones de fondos públicos. En cualquier caso, la presencia de lo público en las artes escénicas es imprescindible para garantizar su diversidad y calidad.

4. Algunas voces han querido asociar los problemas de morosidad a los de un modelo de exhibición. Un gran número de los espacios asociados a La Red se hallan al corriente de sus pagos y los realizan en plazos que no exceden los 60 días tras las representaciones contratadas. El cierre de los teatros o la privatización de su gestión son dos escenarios que no deben afrontarse con falsas recetas fáciles. Debemos agotar otras posibilidades que maximicen la flexibilidad, rentabilidad y eficiencia de la gestión de los teatros sin extraer la misma del ámbito público o abordando, cuando se den las condiciones más favorables, fórmulas mixtas de colaboración con el sector privado.

5. Más del 75% de los espacios escénicos asociados a La Red son de titularidad municipal y operan bajo la gestión directa de una Administración Pública Territorial o de Entidades Públicas Dependientes de las mismas (Organismos Autónomos y Consorcios Públicos). Por tanto, comparten los actuales problemas financieros de la administración local y se hallan sujetos a un determinado régimen de supervisión financiera. En este sentido, el Procedimiento de Ejecución de los Gastos Públicos (ADOP) y la normativa sobre contratos (Ley de Contratos del Servicio Público) conllevan procedimientos burocráticos poco ágiles y siempre ligados a la intervención general. Por otra parte, la rigidez de la normativa presupuestaria y contable de las administraciones locales condiciona la gestión de un significativo número de teatros públicos. Su modelo de gestión de tesorería, que debe servir al principio de unidad de caja, ha demostrado ser insuficiente para hacer frente a una crisis que ha restado actividad a los teatros y volumen de trabajo a las compañías.

Determinadas experiencias, desarrolladas con el acuerdo de programadores, responsables políticos e interventores municipales, han demostrado que existen fórmulas para acortar la formalización de pagos si los teatros se gestionan mediante otro tipo de figuras jurídicas.

6. El actual sistema de exhibición teatral público ha garantizado la vertebración territorial en materia de cultura. Asimismo, ha conformado una red que ha dado cobertura a la producción escénica y musical de un significativo número de compañías periféricas, radicadas en comunidades autónomas y provincias alejadas de los tradicionales centros políticos y económicos del país. De los recintos escénicos y musicales de nuestro país, más de un 80% lo son de titularidad pública. Su labor ha articulado a un modelo de exhibición teatral que ha contribuido decisivamente a la democratización cultural del país, facilitando el acceso a la cultura a millones de ciudadanos.

La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública es una asociación sin ánimo de lucro constituida en el año 2000 e integrada por 141 socios, de los cuales 14 son circuitos y redes de artes escénicas, que en su conjunto suman alrededor de 700 espacios escénicos. También participan el Ministerio de Cultura y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM). La Red es la principal entidad asociativa de las salas de titularidad pública del país y tiene entre sus objetivos principales la creación y formación de espectadores en el ámbito de las artes escénicas y garantizar la calidad y estabilidad en la programación de los teatros y auditorios públicos.

JESÚS GARCÍA CALERO / ABC MADRID / 17.12.2011

Es la quiniela de moda esta semana: ¿habrá Ministerio de Cultura? ¿Puede la cultura sobrevivir sin un ministerio? Porque lo primero es diferenciar la política cultural y el hecho de que exista un órgano con rango ministerial al frente. Un político bromeaba ayer con el hecho de que Rajoy no dé pistas de sus intenciones: «Es malo para los periodistas (tan dados a especular) y para los candidatos a ministro». Y no aportan poca emoción las declaraciones de Pedro Almodóvar, que anteanoche prometió —con afán de congraciarse con el nuevo poder— «un beso en la boca» a quien sea designado ministro. Interesante panorama.

Pero la cultura está entre las grandes prioridades del PP. Porque su gestión y el potencial económico de las industrias culturales representan uno de los sectores en los que, si las cosas se hacen bien, puede haber un crecimiento importante. La estrategia anunciada durante la campaña electoral por José María Lassalle, responsable de cultura de los populares, tiene como objetivo sacar «pleno partido y rendimiento a la economía creativa en español. Si hoy representa un 4% del PIB, nuestra aspiración es conseguir que la cultura aporte como en EE.UU. el 12 % del PIB». Lassalle añadió en su conversación del pasado noviembre con ABC que «España tiene la gran suerte de compartir con el mundo iberoamericano la cultura en una lengua que utilizan 500 millones de personas hispanohablantes. Las posibilidades económicas que se abren para nuestro país requieren un trabajo muy ambicioso de impulso de las industrias creativas».
La clave, un gesto austero

Así que lo importante es cómo desarrollar esa estrategia. Todo apunta a que Rajoy tendrá un Gobierno de pocos ministerios, diez carteras a lo sumo. No tanto porque suponga un inmenso ahorro como por lo que tiene de mensaje de austeridad. Y se especula por ello con macrodepartamentos: muchos se inclinan a pensar en un gran ministerio económico sectorial (industria, comercio, innovación, energía…) y otro macroministerio del ramo cultural. De momento es pura especulación, pero…

Hasta hace poco había una opinión bien extendida y fundada sobre las bondades de llevar una subsecretaría de Cultura a la Moncloa, dependiendo directamente del presidente para subrayar el valor estratégico que el nuevo Gobierno le concede al sector. Hoy esa opción está casi descartada, por las complicaciones políticas que tendría. Pero a nadie se le escapa que Educación y Cultura no son, unidos, un macroministerio, ya que Educación tiene muchas competencias transferidas y Cultura no tiene un presupuesto de primer orden. Aun así, subsumir Cultura en otro departamento puede provocar el déficit político de visibilidad que ya produjo cuando de 1996 a 2004 el PP unió ambas carteras. ¿Merecerá la pena?
Acción exterior unificada

Sin embargo, Cultura sí se convertiría en un megaministerio si se le permite intervenir en toda la política cultural exterior. Desde el programa del PP se dice que la diplomacia cultural debe ser unificada, máxime en tiempos de recortes. Y Lassalle, en la citada entrevista, apostaba por el Cervantes: «Ha alcanzado la madurez que le permite interpretarse ambiciosamente. Tiene masa crítica como para ambicionar un papel mayor del que en estos momentos le corresponde. Ello requiere un trabajo transversal del Gobierno que implicará una apertura mayor a Iberoamérica».

Transversal, o es la reunión mensual de responsables ministeriales, poco operativa, o significa pasar la acción exterior a Cultura unificando en el Cervantes la Fundación Carolina y la sociedad estatal AC/E, como poco. Es probable que la misma persona sea designada para dirigir el organismo resultante, que sería un Cervantes más ambicioso, encargado de defender la marca España y las industrias creativas en el mundo.

Todo el mundo espera fricciones en ese cambio, si es que se produce, puesto que Exteriores mantiene su poder de decisión y gestión sobre muchas instituciones, como la Academia de España en Roma y las bienales de arte, además de nombrar a los consejeros culturales. ¿Regalará eso a Cultura? El éxito del modelo dependerá de cómo se realice el traspaso, de un modo que permita a Exteriores no sentirse amputado en sus competencias, involucrando o profesionalizando a los diplomáticos. En todo caso, la cultura seguirá siendo más grande y más libre que su ministerio.

Dos humoristas que se crecen

Alfonso Crespo / El Diario de Sevilla / 16.12.2011

Así como El Almendro, por Navidad, es ya tradición, también llegan los Síndrome Clown. Ellos a la Sala Cero, para hacer reír (bastante) a la poca audiencia que se atrevió ayer a asistir a su particular conferencia anti-crisis y anti-amargura. Mejor… es posible se ríe de casi todo y le saca punta hasta a la falta de público, un hecho que, indudablemente, la pareja de cómicos querrá revertir, aunque su práctica teatral obtenga parte de su éxito de una determinada intimidad (y una evidente interacción) con el respetable. Y no es que Síndrome Clown no puedan o deban actuar en el Estadio de la Cartuja o en Fibes, sino que lo que engrandece sus payasadas es que se ven nacer, elevarse, desde el frío y el silencio de la sala medio vacía, un espacio siempre difícil de calentar pero en el que las carcajadas se escuchan en su singularidad, como ayer, y se puede experimentar algo no muy fácil de ver en directo, cómo unos humoristas se agigantan.

Compaginando los resortes paródicos con el infalible humor directo, este híbrido de conferencia y sesión de coaching cumple el objetivo de hacer pasar un buen rato al espectador, dejándole, por el mismo precio, un no menos tradicional mensaje de fondo que desde la butaca se nota sincero: la risa puede ser una gran medicina.

Javier Paisano / El Diario de Sevilla / 16.12.2011

Compañía Manuel Monteagudo. Inspirado en la película ¿Qué fue de Baby Jane?. Guión y dramaturgia: José Troncoso, Mari Paz Sayago y Manuel Monteagudo. Dirección: José Troncoso. Intérpretes: Manuel Monteagudo, Mari Paz Sayago e Ignacio Ysasi. Iluminación: Guillermo Jiménez. Escenografía: José María Sánchez Rey. Vestuario: Carmen de Giles. Música: Santi Martínez. Peluquería y maquillaje: Manolo Cortés. Producción ejecutiva: Marina Rodríguez. Lugar: Sala La Fundición. Fecha: Jueves, 15 de diciembre de 2011. Aforo: Medio.

Cuentan que la película ¿Qué fue de Baby Jane? interpretada por Bette Davis y Joan Crawford se planteó como una producción de bajo presupuesto que, sin embargo, y gracias a su director, Robert Aldrich, y al trabajo de sus dos actrices, las dos rondaban los sesenta años, se convirtió en un éxito que relanzó la carrera de las dos divas.

Estamos, ahora, ante una situación paralela (salvo en lo que se refiere a las edades) en la que Manuel Monteagudo, uno de los actores imprescindibles para poder explicar el teatro andaluz contemporáneo ha unido sus fuerzas con Mari Paz Sayago, una actriz que lleva inoculadas en sus genes las claves de la comedia, para versionar el clásico cinematográfico. La esencia del filme está. El maquillaje exagerado, el histrionismo, el vestuario sin época, el escenario en dos niveles. Han cambiado la luz casi expresionista de la cinta por otra más almodovariana pero todo permanece al servicio de una historia de envidias, celos, locura y mentiras.

Troncoso dirige a estos dos fenómenos dejándoles hacer pero marcando la distancia entre el terror psicológico y la parodia cómica. La trama es conocida pero lo importante, ahora, es disfrutar del trabajo de estos intérpretes, incluido Ignacio Ysasi, en este divertido homenaje.

El director madrileño recupera al elenco de ‘La función por hacer’ en esta pieza que retrata el malestar social ante “un sistema podrido” · El montaje coloca al público a cuatro bandas, alrededor de la escena

Charo Ramos / El Diario de Sevilla / 17.12.2011

Maxim Gorki, el autor de La madre (1908) y Los bajos fondos (1902), imprimió a su obra una capacidad inusual para penetrar en el alma de los desheredados. De origen humilde, este escritor que soñaba con una revolución que mejorase la existencia del pueblo ruso también supo fijarse en las clases ociosas y desnudar las miserias de los más privilegiados. A ellas dedicó Veraneantes (1904), la pieza que ahora ha reescrito el director y dramaturgo del momento, Miguel del Arco, el hombre que consiguió el pequeño gran milagro de La función por hacer (descubierta en las sesiones golfas del Teatro Lara y ganadora de siete premios Max)y a quien una espléndida Nuria Espert confió la puesta en escena de La violación de Lucrecia, aclamada en su reciente visita al Lope de Vega.

El Teatro Central de Sevilla, fiel a su compromiso “de presentar a los principales nombres que están regenerando la escena española contando historias que interesan”, según su programador, Manuel Llanes, estrena hoy a las 21:00 (mañana domingo, a las 20:00) esta obra agitadora en su formato original.

El público estará situado a cuatro bandas, como en el debut en el Teatro de la Abadía, que coproduce Veraneantes con Kamikaze, la empresa fundada por Miguel del Arco y Aitor Tejada. “Aunque la hemos representado a la italiana, y también funciona, resulta muy atractivo montarla como fue concebida, con los espectadores alrededor de la escena, porque se barre la línea que los separa de la acción dramática. Aquí tratamos al público como si fueran unos veraneantes más que miran la vida de los otros”, explicó Del Arco ayer en Sevilla.

La propuesta, “que da la vuelta a un texto clásico y lo convierte en un lúcido diagnóstico de la España de hoy, algo sólo al alcance de los grandes dramaturgos”, valoró Manuel Llanes, cuenta con 11 intérpretes, de los cuales seis proceden del elenco de La función por hacer. “Aquél fue un grupo de trabajo excepcional y cuando eso ocurre hay que cogerlo al vuelo. Les propuse hacer Veraneantes, un reto enorme porque precisa un elenco amplísimo, algo imposible de asumir en solitario por Kamikaze Producciones. Pero llegó la oferta de La Abadía y se hizo posible”, agradeció Del Arco, que fue alumno de Rafael Álvarez El Brujo y le atribuye su “fuerte” relación con los dramaturgos rusos.

“Gorki estrenó Veraneantes en una crisis bestial, con una población en puertas de una Revolución inminente. Mi relectura no se centra, por supuesto, en la lucha contra los zares, sino en reflejar un clima de malestar social y mostrar cómo nos planteamos cambiar un sistema podrido, que no funciona”, desmenuzó el autor, que considera “una desgracia” el constatar que, un siglo después, el texto de Gorki “sigue de plena vigencia con estas situaciones de injusticia y desequilibrio, esta cosa del dinero que todo lo mueve y lo prueba, y que tanta indignación genera”.

Su versión radiografía lo corrosivo que puede llegar a ser el tedio y coloca en un lugar indeterminado de la costa mediterránea a una galería de sujetos que incluye a constructores, empresarios prejubilados, ninfómanas, músicos sensibles, chachas… Y así hasta llegar a 11, todos vinculados por lazos familiares o de amistad con los personajes de Israel Elejalde -que encarna a un político arribista- y Bárbara Lennie, su esposa, una musa infantilizada cuya evolución final suscitará el recuerdo de la mítica Nora de Casa de muñecas.

“Este grupo está ocioso pero sometido al imperativo social que dicta que el verano es tiempo para pasárselo bien. Sin embargo, con tanto tiempo de convivencia, acaban saltando chispas entre ellos y peleas de todo tipo”, avanza sobre su adaptación. “Yo escribo como actor y creo que mis textos son fáciles de poner en su boca. Pero cuando los intérpretes comienzan a cotejar el texto conmigo y veo que algo no suena bien soy flexible, me gusta incorporar sus matizaciones”, aclara Del Arco, que ha escrito y dirigido para otra de sus musas, Carmen Machi, el magistral monólogo Juicio de una zorra, que llegará en 2012 al Central.

“Cuando se recorta en sanidad y educación, la cultura pasa a un plano de figuración sin frase. Pero es alucinante: en estos tiempos de crisis las salas de teatro están llenas hasta las trancas”, defiende este responsable, en gran medida, de un fenómeno que ha devuelto al público a las salas “partiendo de buenos actores, directores y dramaturgias, sin grandes alharacas ni costosas escenografías”, glosó Manuel Llanes. Una proeza que, sin duda, se abordará en el encuentro que la compañía mantendrá hoy con el público tras el estreno.

El mundo de la escena lanza una protesta conjunta por los impagos de los ayuntamientos y los recientes recortes de las subvenciones por parte de las instituciones

PAULA CORROTO / El público / 15.12.2011

El mundo del teatro no aguanta más. Ha llegado el momento de salir a la calle y ejercer, al menos, el derecho al pataleo. Con tribunales de por medio si es preciso. Hoy, un grupo de afectados interpondrá una demanda al Festival de Mérida por impagos en la pasada edición. Son personas que llevan meses sin cobrar. Son actores, directores, músicos, figurinistas y demás personal teatral. Empezaron su trabajo en mayo y, a día de hoy, no han visto ni un euro.

No son los únicos que sufren por la falta de liquidez de los ayuntamientos y los recortes de las subvenciones acometidos en los últimos meses, que han terminado incluso con algunos festivales. Ayer, el colectivo de las artes escénicas de la Comunidad de Madrid se reunió con Amado Giménez Precioso, director general de Promoción Cultural, para exigirle el pago de las ayudas, aplazadas desde hace más de un año y cuya cantidad asciende a los 4,2 millones de euros. La Red Española de Teatros Públicos, que engloba a 141 socios y 700 espacios escénicos y que hasta ahora no se había pronunciado, también alertó el martes mediante un comunicado sobre la sostenibilidad de las compañías si no se acomete una “reflexión”. Ante tal descalabro, el teatro por fin ha dicho basta.

“Estamos ahogados, asfixiados, pidiendo créditos que no podemos devolver. Con una situación así, es mejor no trabajar, así que lo tenemos todo en manos de abogados”, señala la directora Laila Ripoll a Público. Ella, que también tiene su propia compañía, Producciones Micomicón, es una de las afectadas del Festival de Mérida junto al resto de compañeros que trabajaron en la obra La asamblea de mujeres. “Hemos trabajado mucho, a veces en condiciones no muy buenas, y todavía no tenemos nada”, añade.

Su compañero de profesión, Pepe Viyuela, tampoco ha recibido parte de sus honorarios por trabajar en la obra Antígona de Mérida. El actor, que forma parte del colectivo de afectados, reconoce sentirse agradecido por trabajar en televisión: “Así lo sobrellevas mejor, pero hay otros compañeros que lo están pasando mal. Es una situación difícil”, afirma. “Ya no nos podemos apretar más las cuerdas. El teatro ya está apretado de por sí. Pero ahora se están cometiendo muchas irregularidades, como no darnos de alta [en la Seguridad Social]. Alguien debe responder a esto ya”, añade la directora y empre-saria Amelia Ochandiano, quien, “de chiripa”, pudo cobrar su cheque en Mérida por el monólogo Asteroide 1583: “Me lo dieron el mismo día del estreno y me hice una foto con él, por lo inusual. Aunque a mí me pagó la Junta [de Extremadura]“, relata con humor.

El Festival de Mérida obtuvo un déficit el año pasado de 773.223 euros, una cantidad que se suma a la fuerte deuda que atesora este festival (las cifras no oficiales están en torno a los dos y cuatro millones de euros). Su mala situación económica provocó inclu-so que sus directoras, Blanca Portillo y Chusa Martín, dimitieran al final de esta edición. Y, con vistas al año que viene, la realización del Festival se encuentra en la cuerda floja. “Hasta ahora no se ha hablado nada de programación y ya es muy tarde. A estas alturas, ya sabíamos algo para empezar a hacer presupuestos”, afirma el productor José Recio, quien también recuerda que la mala situación económica de los ayuntamientos en Extremadura ha provocado la disolución de compañías como la suya, Samarkanda, que llevaba 16 años en activo: “Nos hemos separado por no cobrar, no porque no tuviéramos trabajo”, apostilla.

La cuestión, en estos momentos, va más allá de la nefasta financiación de los ayuntamientos. Miguel del Arco, director y autor, quien reconoce que sí cobró su trabajo en Mérida (el monólogo que hizo para Carmen Machi, Juicio a una zorra), denuncia a aquellos consistorios que, a pesar de ser morosos, aún siguen contratando a compañías de teatro. “A nosotros nos llamaron de León, donde no pagan desde hace tres años. En la cláusula del contrato habíamos estipulado que si la función era el miércoles, teníamos que cobrar el lunes. Y como no lo hicieron, decidimos no actuar. Por dignidad profesional. Pero es increíble que aún se puedan permitir el lujo de seguir contratando”, explica indignado.

A las fricciones con los ayuntamientos se suman las que las compañías tienen con los espacios escénicos (adeudados por los consistorios en una especie de pescadilla que se muerde la cola). Como recuerda Gerardo Ayo, director hasta ayer de la Red Española de Teatros Públicos, “la ley dice que el pago ha de ser a 50 días, pero es cierto, hay muchos espacios escénicos que no lo hacen, ni con las compañías ni con el material de oficina”. Santiago Sánchez, de la compañía L’Omprebís, reconoce la problemática con Teatres de la Generalitat de Valencia: “Es una situación muy grave porque puede conllevar que se desmantele la red de teatros que nos ha costado construir”. En un intento de cerrar filas con los grupos teatrales, desde la Red se asume que el mayor problema está en la gestión “nefasta” del teatro y del político que lo supervisa y es ahí “donde hay que meter mano”, porque “los teatros están buscando fórmulas imaginativas para abaratar costes”.

Pero ¿cómo puede sobrevivir el teatro ante unas circunstancias en las que los ayuntamientos no pagan y los espacios escénicos también tienen dificultades? Ante esta pregunta, se destapa otra problemática: las subvenciones. Las compañías reciben un porcentaje, en muchos casos, como dice Santiago Sánchez, ínfimo, ya que sólo llega al 20-25% de lo que generan en total. Aún así, en los últimos meses, ha sufrido un fuerte tijeretazo. “Las ayudas de la Comunidad de Madrid se han rebajado en un 70% para nuestra compañía, Teatro de la Danza. Eso significa que he tenido que cancelar la producción que ya tenía en marcha”, se queja Ochandiano.
Tijeretazo en Madrid

Precisamente, el colectivo de las artes escénicas de Madrid salas, compañías y asociaciones lleva meses luchando con la Consejería de Cultura, en manos del vicepresidente madrileño, Ignacio González, para que les adjudiquen las ayudas de 2011. “Nos llevan toreando con los plazos y, a día de hoy, hay mucha incertidumbre. Nos han dicho ahora que se aplazan a febrero”, comenta a este periódico Alberto García, de la Coordinadora de Salas Alternativas de Madrid. En total, la cifra asciende a 3.600.000 euros para las empresas teatrales y 700.000 para las asociaciones culturales. En total, 4,2 millones de euros. “Y es un dinero que ya viene muy recortado. Esto nos va a poner en la tesitura de tener que cerrar la mitad de las salas que hay en Madrid porque ya se han pagado los alquileres y las nóminas de 2011. Es una situación kafkiana”, añade García.

En una crisis económica como la que atraviesa el país, el tema de las subvenciones goza hoy de una enorme impopularidad entre la población. Sin embargo, el mundo del teatro no pretende plantearlas como si se tratara de “vivir de la caridad”, según apunta Laila Ripoll. “Además, ¿no recibe ayudas el campo, los bancos, los empresarios? El teatro es un bien cultural y una sociedad sin cultura no merece la pena”, añade esta directora, para quien, tal y como están las cosas ahora, “están condenando el teatro a los monólogos, porque no te vas a poder meter en obras de 14 personas”. Amelia Ochandiano se pone de su parte: “No es que la cultura esté subvencionada, sino que hay producciones artesanas que valen mucho dinero. Y, además, no se puede programar algo sólo para que el teatro se llene”.

En este punto se abre el debate del modelo de cobro de las compañías: ¿deben cobrar por el caché o por la taquilla? Para los trabajadores del teatro, esta fórmula supondría hoy una condena. “Siempre que he ido a taquilla he perdido dinero. Se llenan los teatros, pero pierdes, porque al precio que están ahora las entradas en muchos sitios, se está vendiendo el producto a la mitad de lo que cuesta. Con esta fórmula, sólo van a sobrevivir los grandes eventos y el teatro comercial que todos conocemos y que es lo que interesa a la política de derechas”, concluye Ochandiano.

Aterriza en Málaga bricAbrac Teatro y lo hace a lo grande, con su espectáculo C`est la vie, el principio…muy duro, que programa Espaciu, el jueves 8 de diciembre a las 20 horas.

Más de un centenar de funciones avalan la propuesta, que fue estrenada en 2005, como primera produc- ción de la compañía. Desde entonces, C´est la vie ha cosechado prácticamente una veintena de premios, ha poblado las carteleras de festivales de todo el país y ha salido, temporada tras temporada, en gira nacional para atesorar el aplauso de público y crítica. La propuesta mide cuánta ternura, diver- sión, fantasía, poesía caben en una hora, que es lo que dura el espectáculo: una niña en la preadolescencia llega a esa encrucijada en la que ha de decidir por sí misma, ese fundamental paso hacia la madurez. Situaciones delirantes que devolverá al espectador unos años atrás, cuando aún preservaba la ingenuidad en la mirada y el mundo brillaba con colores más vivos. Diriga por Alberto Roldan, Elena Bolaños, única intérprete del reparto y autora de los textos, ha recibido por C´est la vie innumerables pre- mios a la mejor actriz. Sola en escena, demuestra que el teatro pertenece a los únicos que puede pertenecer: a los actores y al público. A los actores y actrices que se fajan en el oficio como una artesanía y profesan sobre las tablas una fe sincera, y del público que se rinde a tanta verdad y, en su caso además, a tanta carcajada llena de luz. BricAbrac comenzó con C´est la vie, el principio… muy duro una afortunada tra- yectoria que, en muy pocos años, la ha situado como referen- cia en el panorama teatral andaluz. Aquí no hay trampas ni cartón: nada de padrinos ni varitas mágicas. El tesón y el amor al trabajo bien hecho, la entrega sin condiciones y el ardor necesario para no sucumbir a esta extraña época que hace sentir a sus artistas como hijos bastardos. Y como no sólo de C´est la vie vive bricAbrac, en 2008, la compañía estrenó Mundo Poubelle, que también recaudó algún galardón, y Las Queen de la playa, un espectáculo que, a día de hoy, cuenta con dos versiones: para sala y calle. Por último, en 2010 estrenaron Insomnio, Ne me quitte pas el Sueño, que le ha valido el Premio del Público y Premio a la Mejor Actriz en el XXIX Festival Nacional de Teatro de Vegas Bajas. Elena Bolaños y Matthieu Berthelot son los padres de la criatura. Ambos forman bricAbrac Teatro, una dupla que armoniza gestión y creación con una sensatez y un brillo francamente envidiables.

Representan esa forma nueva de compañía teatral: joven, humilde, talentosa y con una claridad de ideas fundamental. Gente así y apuestas como estas garantizan la renovación del tejido teatral andaluz, así como un aliciente para que el público, cada vez más reacio, vuelva a demandar sus butacas en las salas y teatros.

La Cenital diciembre 2011 – www.lacenital.blogspot.com

Jesús Cimarro, vicepresidente de Faeteda y director de la Pentación, explica cómo pueden las compañías de teatro presionar para que les paguen

Liz PERALES / El Mundo – El Cultural / 24.11.2011

El próximo 1 de diciembre las 400 empresas asociadas a la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza (Faeteda) decidirán si se publicitan los nombres de los Ayuntamientos morosos que no pagan a las compañías de artes escénicas. La organización dará a conocer a sus socios un exhaustivo informe sobre la deuda contraída de los municipios españoles por contratación de espectáculos y, en base a su contenido, propondrá a sus socios las medidas a adoptar.

Según informó Jesús Cimarro, vicepresidente de Faeteda y director de la productora Pentación, su empresa ha iniciado 50 procedimientos monitorios contra un número similar de ayuntamientos. “Es la manera que hay para que éstos reconozcan la deuda, el procedimiento se resuelve en tres meses, y si no se avienen a pagar entonces la opción es demandarles judicialmente”, explicó el productor. Esta última medida, sin embargo, no es del gusto del productor, ya que suele acabar en embargos judiciales de propiedades de los municipios: “Y ya me contará para qué me sirve a mí tener ordenadores o mobiliario o yo que sé”.

La medida no le ha ido mal, comenta, pues de los 50 procedimientos monitorios, la mitad de los municipios han pagado “aunque lo más probable es que no vuelva allí a actuar”, comenta. En total, los municipios le adeudan más de un millón de euros. Su empresa es sólida y puede aguantar el tirón de la falta de financiación, pero hay muchas otras, de menor entidad, compañías y pequeñas productoras, que se han quedado por el camino.

Algunas compañías, como Kamikace, dirigida por Miguel del Arco, dio a conocer ayer que ha cancelado funciones en León al comprobar que el ayuntamiento no le había pagado por adelantado, como establecía el contrato. El de León es un municipio famoso entre los teatreros, incluso ha sido demandado judicialmente por Focus, la mayor emprsa de espectáculos del país.

Sobre este asunto, Cimarro explica que él ha decidido no actuar en aquellas ciudades donde el pleno del ayuntamiento no haya aprobado el presupuesto para la función. “Si se ha consignado el gasto, entonces sí”. Y recomienda a las empresas que cuando vayan a taquilla “pidan a los ayuntamientos que el CIF de las entradas vaya a nombre de la compañía. Es la manera de poder llevarse el porcentaje de la taquilla que te corresponde sin esperar a que el Ayuntamiento decida liquidarte”.

Miguel del Arco suspende funciones en León y Angel Gutiérrez pide ayuda para no cerrar su sala

Liz PERALES / El Mundo – El Cultural / 23.11.2011

La deriva económica del país se cobra sus primeras piezas en el ámbito del teatro. La sala que dirige Ángel Gutiérrez en Madrid, Teatro de Cámara Chejov, ha enviado un “sos” a los medios de comunicación anunciando su inminente cierre. Por otro lado, Miguel del Arco, uno de los directores revelación de las últimas temporadas, ha cancelado la función que iba a dar en León con su compañía Kamikace Producciones porque el Ayuntamiento de la ciudad, con muchas deudas, no le ha ingresado por adelantado el dinero, tal y como establecía el contrato que había firmado.

“El Ayuntamiento de León, a través de su programador, nos llama insistentemente para asegurarnos que si vamos, nos pagará (tremendo que esto esté en tela de juicio, pero en fin…). Mi socio (Aitor), que ya lleva encima unas cuantas de éstas, le propone que si quiere que vayamos tiene que poner en el contrato una cláusula comprometiéndose a que el pago por la actuación sea ingresado en nuestra cuenta dos días antes de la fecha del bolo”, explica Miguel del Arco en su facebook. Y añade:” ¡¡¡¡NO HA SERVIDO DE NADA!!!!

Ayer martes, día marcado para que se produjera el ingreso, no hubo manera de localizar a los responsables. Hoy, Aitor ha hablado con todos ante nuestra negativa a desplazarnos a León debido a su incumplimiento de contrato. Nos juran por su honor que recibiremos el dinero. ¿Quién se puede fiar de su palabra cuando no han cumplido el contrato que habían firmado con nosotros?”

Por ello, La función por hacer, obra que iban a representar en León, ha sido cancelada y explica Del Arco que lo siente por los aficionados, pero que “cuando una compañía sale de bolo se producen infinidad de gastos: desplazamiento de los trabajadores, seguridad social, dietas, sueldos etc. La administración nos pide el IVA de esa factura aunque no la hayamos cobrado. Si esto lo vas sumando al número de ayuntamientos que se retrasa o que, directamente no paga, no es muy difícil llegar a la conclusión de que es una actividad insostenible”.

Por otro lado, la pequeña sala de teatro que Ángel Gutiérrez abrió en Madrid hace 32 años anuncia su “cierre inrremediable” si no mejoran las subvenciones del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, que han reducido éstas a la mitad durante 2011. Y eso que hace precisamente un año, la Comunidad de Madrid le otorgaba el Premio a la Tolerancia “por su contribución a la difusión de la cultura teatral en Madrid durante 30 años”. Según dice el comunicado, “nos niegan lo mínimo que permita la supervivencia” y recuerda que “somos una organización cultural dedicada a la divulgación del teatro, si dejamos que la crisis se lleve por delante todo el trabajo hecho durante años, habremos destruido el hábito teatral en el público de jóvenes, mayores o niños que buscaban otras alternativas al teatro comercial”.

Gutiérrez es director de escena y, sobre todo, pedagogo. Con él se han formado reconocidos actores. Niño de la guerra, vivió la URSS de Stalin, donde se formó en la tradición del teatro ruso, con discípulos del maestro del Teatro del Arte. Retornó a España durante la transición, donde dio a conocer entre la profesión teatral madrileña, o más precisamente a corregir, la idea distorsionada que se tenía de las teorías de Stanislavski.

Las compañías se hunden porque las Administraciones públicas les “estafan, adeudan y sobornan”

Rosana Torres / El Pais / 19.11.2011

Emilio del Valle (Madrid, 1961) es actor, director, y fundador de la compañía Inconstantes Teatro, en 1994, considerada entre las mejores del mundo de la escena en España. Un grupo en parte alternativo, aunque con vocación de trascender, cosa que logra cualitativamente, con sus montajes de dramaturgos españoles vivos, clásicos contemporáneos y autores del Siglo de Oro. Él y su grupo ejemplifican perfectamente la situación paradójica, enfermiza y disparatada por la que está atravesando el mundo de la escena. Por primera vez desde que el teatro naciera en la democracia griega, siglos antes de la era cristiana, son los cómicos, faranduleros, titiriteros, actores y todo un largo etcétera, los que están manteniendo con sus dineros a las administraciones públicas (sobre todo municipales y autonómicas) y no al revés.

Del Valle habla de “el virus incurable de la morosidad” para referirse a la situación crítica por la que están pasando la práctica totalidad de las compañías de teatro, como la suya, sin olvidar a los productores quienes arriesgan en una actividad que de poco les sirve que esté pasando por un claro éxito, como es el teatro.

La realidad de una compañía como Inconstantes Teatro pasa por llevar los números al día. De lo contrario se hunde el proyecto artístico. “Y la cuenta de resultados se equilibra mediante la aportación de capital propio, el apoyo institucional, la distribución y el sentido común; donde no llegue el dinero ha de aflorar la imaginación, nunca el gasto por encima de nuestras posibilidades. Sobre estas bases se han consolidado un buen número de proyectos artísticos reconocibles en los últimos 25 años”. El director menciona compañías como Micomicón, Meridional, Cuarta Pared, Factoría, El Zurdo, El Cruce, La Tartana, Animalario, Morboria, Kamicaze, Ur, Inconstantes y muchas otras. Todas justifican el dinero público que reciben, cumplen escrupulosamente con las administraciones públicas y sus complejas estructuras, atienden sus responsabilidades en materia impositiva y pagan la seguridad social de sus trabajadores. Pero el dinero ingresado en taquilla habitualmente no les llega o si cobran es como enormes retrasos hasta de años.

“Con la crisis económica como telón de fondo, la clase política, entiéndase el término en sentido marxista, incumple su responsabilidad contractual con las compañías de la manera más vergonzosa e inmisericorde. No hay un solo miembro de la clase política que haya dejado de cobrar su sueldo, mientras decidía no pagar nuestros contratos. Algún ayuntamiento, por ejemplo el de Illescas (Toledo), ha negociado con entidades financieras la concesión de créditos blandos a las compañías, pagando estas los intereses. Me pregunto por qué el Ayuntamiento no pide el crédito, nos paga la deuda, y paga los intereses del crédito. A Inconstantes se le adeudan contratos desde 2009 (Ayuntamiento de Pinto, en Madrid), y la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, unos 30.000 eurejos, limosna… Y así, ¡hasta 60.000 euros!”, señala desbordado Del Valle. El afamado grupo Animalario gana dinero, pero como no cobra pide créditos para pagar a actores y dietas y las ganancias son los intereses que se queda el banco.

Entre tanto, la Administración Central pide a las compañías que liquiden el IVA de facturas impagadas por la propia Administración pública: “Verán el truco: el IVA de 60.000 euros asciende a 9.000, es decir, que debo pagar a Hacienda 9.000 euros que no he cobrado, de manera que la Administración no paga mis facturas pero recauda el IVA de las mismas. Hay que redefinir el IVA: además del soportado y el repercutido, el adeudado/estafado/sobornado/impagado…. Podemos convivir con los recortes, y con el trato humillante que la clase política dedica a la cultura. Lo que es más dudoso es que podamos mantener nuestros proyectos con deudas que superan con creces el 50% de nuestros ingresos. Si algo no lo remedia la nuestra será una de las próximas compañías en desaparecer”. Entretanto, Del Valle propone una relectura de nuestra Constitución (preámbulo y artículos 9, 10, y 48) y acudir los días 1, 2 y 3 a la madrileña Sala Pradillo, donde Inconstantes Teatro representará uno de sus últimos e interesantes trabajos: Unos cuantos piquetitos, de Laila Ripoll.

ANÁLISIS: LA ALARMANTE SITUACIÓN DE LA ESCENA

MARCOS ORDÓÑEZ / El Pais / 24.11.2011

Querido amigo: Mal que bien, seguimos con la gira, cada vez más anémica. La verdad es que nos están dando por todos lados. El bolo en el sur se ha ido a hacer puñetas. Por lo menos el tío del Ayuntamiento tuvo el detalle de decirnos (o se le escapó, no sé) que allí no iba a cobrar ni el Tato.

-Es que no tenemos dinero. ¿Qué se os ocurre?

-Pues lo que se nos ocurre es no ir.

“No, tíos, no podéis hacernos eso, que nos dejáis sin programación… Mira, os haremos un contrato, pero para cobrar dentro de un año y medio”. “Vale, muy bien, aceptamos el contrato pero si nos llevamos una parte de la taquilla para cubrir gastos”. Y va y nos dice: “Huy, hijo mío, qué más quisiera yo, con la de agujeros que tengo que tapar”. O sea, que no fuimos. Parece que los cómicos, que hemos sido pobres de solemnidad toda la vida, ahora tenemos que levantar el país.

Sabrás que en las últimas temporadas se han producido en España unos 1.200 estrenos al año en más de 1.500 espacios. La mayoría son teatros públicos de provincia, lo que quiere decir que buena parte de la actividad de las compañías se produce en gira, no en las temporadas de las grandes ciudades. Desde que comenzó la famosa crisis, un elevado tanto por ciento de los teatros municipales no pagan lo que compran. Algunos, los más sensatos, no compran porque no tienen dinero. Y otros, como en el pueblo del sur, utilizan el dinero de la taquilla para pagar los contratos de la luz o los sueldos de los empleados del Ayuntamiento. Taquilla que, por cierto, tampoco es ninguna bicoca, porque las entradas se venden “a precios políticos”, o sea, muy por debajo de su precio real.

Durante una época, cuando de las arcas públicas manaba leche y miel, la baratura de las entradas no nos afectaba porque la mayoría cobrábamos unos cachés más que potables y unos pocos los cobraban potabilísimos, pero ahora ni cobramos cachés; ni la taquilla, cuando la cobramos, nos permite salir de apuros. Y ya veremos qué pasa con el público, porque se han acostumbrado a esos precios y no pueden subírselos de repente. Bueno, poder pueden, pero la gente se va a quedar en casa.

Así las cosas, muchas compañías no tienen funciones y han de echar el cierre, o no les pagan y han de echar el cierre también.

Tú calcula que un empresario de compañía o un promotor privado ha de costear todos los gastos del bolo (que van desde los viajes y el transporte de la escenografía hasta, a menudo, los programas de mano) así como los sueldos, Seguridad Social y dietas de actores y técnicos. Y lo más chocante de todo, el IVA, a menudo sin haber cobrado la actuación. No puede haber mayor paradoja: por un lado, la Administración no te paga y por otro te exige el IVA de un dinero que no has recibido. Hay empresarios que han ido a los Ayuntamientos con un notario para que levantara acta del impago, pero son los menos, porque eso supone perder más tiempo y más dinero.

Hace poco, una concejala de Cultura de un Ayuntamiento de Levante encontró la piedra filosofal para recortar presupuestos: “A partir de ahora”, dijo, “la programación la haremos con las compañías de aficionados de cada localidad”. Pensamos que era una salida de pie de banco, pero encontró eco. A los cuatro días, otro consejero de Cultura dijo que a partir de ahora los bolos se pagarían a 1.500 euros, que o lo tomaban o lo dejaban. Yo no tengo nada en contra del teatro amateur, pero la jugada está muy clara: miseria absoluta. No les importa que el teatro sea bueno o malo, amateur o profesional. Lo único que les importa es pagar a precios de derribo. ¿Qué puedes montar con esa cantidad? Claro, tendrán que ir ilegales todos, sin Seguridad Social, sin nada, con cuatro focos porque no puedes ni pagar al técnico de luces. Eso es volver a los días de El viaje a ninguna parte.

Dicen que la industria privada va a “entrar”, todavía no se sabe muy bien cómo, en muchos de esos teatros municipales. Puede que sea una buena idea, aunque pienso que si no nos han llamado nunca no veo por qué van a hacerlo ahora, ni sé si me va a convenir. A unos compañeros les contrataron la primavera pasada para actuar tres semanas en un teatro de empresa privada. Les dijeron que tenían que estar muy contentos porque aquello no pasaba todos los días. Y lo estaban, porque cada noche veían la sala bastante llena. La felicidad se acabó cuando comenzaron a llegar las liquidaciones: el promedio indicaba que entre ofertas, descuentos, promociones y jubilados (que no es que sea el mejor público) estaban vendiendo las entradas a nueve euros. O sea, que llenar llenaron, pero acabaron perdiendo dinero.

Lo peor es que se te queda cara de tonto cuando te dicen que el teatro español vive uno de los momentos más brillantes de su historia. Es cierto que sigue habiendo mucha creatividad y mucho empeño, pero con esa excusa están recortando a tajo. Yo digo que más que crisis hay caudales muy mal repartidos, porque con los presupuestos públicos se siguen haciendo espectáculos carísimos. Los teatros nacionales no han cambiado su estructura paquidérmica, con montajes grandes (que no es lo mismo que grandes montajes), casi siempre para lucimiento de sus responsables, escenografías inamovibles y, por tanto, escasa o nula posibilidad de gira: se ven uno o dos meses allá donde se hicieron y se acaba la historia.

Y luego se te pone todavía más cara de tonto cuando te dicen: “No te quejes, que con eso de las subvenciones vivís de la sopa boba”. Es como lo de los maestros, que no llegan a fin de mes pero tienen tres meses de vacaciones.

Hablando de subvenciones: ahora, en noviembre, están a punto de hacerse públicas las que pedimos, porque son anuales. Lo cual quiere decir que para poder cobrar has de estrenar antes del 31 de diciembre: por tanto, tienes un mes y pico para montar y presentar un espectáculo. Y antes no has podido prepararlo, obviamente, porque no tenías la pasta, y ya no te arriesgas a pedir otro crédito. Y tampoco puedes decirles a tus actores: “No cojáis esa serie o esas sesiones de doblaje, que un verdadero actor ha estar haciendo teatro aunque se muera de hambre: ya cobraréis una décima parte cuando llegue la limosna del ministerio o de la comunidad”. Porque eso es lo que es, llámale limosna o llámale pedrea. Y fíjate que, pese a todo, a muchas compañías les sale más a cuenta pedir una subvención y hacer un nuevo espectáculo que seguir con el del año pasado, porque no tienen dónde colocarlo: por eso también se hacen tantas funciones innecesarias y tienen una vida tan corta. Yo siempre he recelado de la cultura subvencionada, pero todavía desconfío más de la famosa ley del mercado. El mercado es una apisonadora que lo iguala todo. Lo primero que un programador te va a pedir son nombres: actores “populares”, mayormente de televisión. Es muy, pero que muy difícil, estrenar una obra con actores desconocidos. Y tanto si eres director como autor te van a pedir comedia, comedia por encima de todo, que la gente lo que quiere es divertirse y olvidarse de la que está cayendo, y si es con tres personajes mejor que con cuatro, y si es un monólogo con ese chico o esa chica que presenta un concurso, pues mejor que mejor. Y luego, a esperar, porque no hay bastantes salas. Un proyecto puede tardar dos años en estrenarse, y pilla tú a los actores pasado ese tiempo. Y los programadores quieren ver la obra en Madrid o en Barcelona antes de llevarla de gira, cuando antes era al revés: primero ibas de gira y luego “entrabas” en la capital.

Nosotros no es que hagamos un teatro raro ni difícil, pero en tiempo de crisis todo lo que no sea instantáneamente rentable pasa a ser raro y difícil.

Yo no sé cuál es la solución, porque no soy político ni empresario, pero sé que bajo el imperio de la rentabilidad inmediata nunca se hubiera estrenado Esperando a Godot ni muchas otras. Ni, ya puestos, se hubiera escrito el Ulises ni se hubiera rodado jamás Los Soprano.

Quizás todo lo que está pasando sirva para aguzar nuestro ingenio y encontrar nuevas formas de supervivencia. Quizás muchos nos quedemos en el camino y tengamos que dedicarnos a otra cosa. Corto y cambio, porque los temas son muchos y ya está bien de quejas. Mi padre, que es cómico viejo, dice que peores crisis vivió él, y que el teatro es como un corcho en mitad del mar: parece frágil y minúsculo pero no hay ola que se lo lleve al fondo. Ya se irá viendo. Recibe un fuerte abrazo.

“C´EST LA VIE” de bricAbrac Teatro estará el Jueves 8 de diciembre en la SALA ESPACIU (Bulevar Louis Pasteur, s/n – junto a la Facultad de Psicología) de Málaga, a las 20h00. Entradas 5 €

El Encuentro se desarrollará en Mairena del Alcor (Sevilla) del 5 al 9 de noviembre, acogiendo el trabajo artístico de creadores llegados desde Guatemala, Argentina, Serbia, Francia y España.

El evento está organizado por la compañía mairenera Cerrado Por Obra, Dos Lunas Teatro y ASAT (Asociación Andaluza Taraceas). Las colaboraciones de Teatro Habitado y de la Delegación de Igualdad y Servicios Sociales del Ayuntamiento de Mairena del Alcor también han sido fundamentales para la puesta en marcha de este proyecto.

Mairena del Alcor se convertirá durante 5 días en un punto de encuentro para el mundo de las artes escénicas, con una programación que le situará a la vanguardia con propuestas donde confluyen calidad teatral y un fuerte compromiso social.

La presencia de Las Poderosas Teatro de Guatemala se convertirá en el eje central del Encuentro. Este grupo de mujeres guatemaltecas sobrevivientes de violencia, que acaban de recibir la Estatuilla Glo en el XV Encuentro de Mujeres de las Artes Escénicas dentro del FIT de Cádiz, compartirán sus vivencias y experiencias con diferentes colectivos ciudadanos, no sólo de Mairena del Alcor, sino también con el grupo de Teatro Comunitario de Alcalá de Guadaíra y el grupo de teatro Porque Queremos de la Asociación de Mujeres “Nosotras” de Parque Alcosa.

Este Encuentro permitirá disfrutar de espectáculos de teatro, teatro de calle, talleres, exposiciones y charlas desde el sábado 5 hasta el miércoles 9 de noviembre.

Para más INFORMACIÓN, RESERVA de entradas o INSCRIPCIÓN en los talleres pueden escribir a ajtcerradoporobra@hotmail.com o llamar al 626 57 03 01.

“INSOMNIO, Ne me Quitte pas el Sueño” de bricAbrac Teatro estará el Viernes 4 Noviembre de 2011 en el XVI Festival de Teatro de Humor “El Perol” en el Teatro Cereza de Carmona

Se trata de una comedia que aborda, desde la amistad y la tragedia de dos personajes, una reflexión sobre la lucidez

ABC Sevilla / 27.10.2011

El director y actor Andrés Lima estrena en el teatro Lope de Vega de Sevilla su último montaje, “Elling”, que hoy ha definido como una comedia que aborda, desde la amistad y la tragedia de dos personajes, una “reflexión sobre la lucidez y la locura” y que protagonizan Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez.

Lima, que dirigió “Urtain”, entre otras obras, ha explicado en rueda de prensa que puso como condición para dirigir ésta que los actores participaran en un taller con enfermos psíquicos, una experiencia que, han señalado, les ha supuesto una “interesante” mezcla de “alegría y auténtica tristeza”.

“Elling”, que comenzará en Sevilla una gira que concluirá en enero en Madrid, está basada en la novela del autor noruego Ingvar Ambjornsen y ha sido adaptada para la versión teatral por David Serrano, que presentó hace dos años el guión a Gómez, ha informado el productor Coté Soler.

El reparto

Carmelo Gómez interpreta a Elling y Javier Gutiérrez a Kjell Bjarne, dos cuarentones que viven recluidos en un hospital psiquiátrico de Noruega aunque sin un diagnóstico claro, por lo que su gobierno decide trasladarlos a un piso de “adaptación”, donde puedan prepararse para la vida “normal”.

Gómez, que ha subrayado la “sencilla pero brillante” puesta en escena de la obra, ha dicho que el reto que se marca con la obra es que “la carcajada se corte en seco” porque abordan cuestiones cómicas y a la vez tristes por la dificultad de adaptación de los personajes al mundo “normal”.

Javier Gutiérrez, por su parte, ha indicado que su personaje es un hombre con instintos primarios “importantes” y que está obsesionado con el sexo porque tiene 40 años y aún no ha tenido relaciones sexuales.

Completan el reparto Rebeca Montero y Chema Adeva para una obra que incluye la música en directo del pianista Mikhail Stuydenov con piezas del romanticismo alemán y en cuyo cartel se afirma que los protagonistas están “preparados para la gran aventura… salir de casa”.

El director de la obra ha expresado su deseo de que la adaptación de esta obra sea el comienzo de la puesta en escena en España de teatro nórdico.

El productor ha resaltado que en esta obra han tenido en cuenta la Responsabilidad Social de la Empresa, una iniciativa voluntaria que incluye acciones para que las actividades de las empresas tengan repercusiones positivas sobre la sociedad y sus trabajadores

Ismael G. Cabral / El Correo de Andalucia / 27.10.2011

El Teatre Romea que dirige Calixto Bieito regresa a Sevilla con el inquietante montaje ‘Desaparecer’.

Cuando de lo que se trata es de poner en escena una ópera, Calixto Bieito se transforma en un indomable enfant terrible que golpea con su látigo el corazón burgués del espectáculo y pervierte Traviatas, Nabuccos o lo que se encarte. En Europa se lo rifan, en España aparece con cuentagotas y siempre llega aliado con la mayor de las polémicas.

La cosa cambia cuando Bieito se parapeta en Teatre Romea, compañía de la que es director artístico. Entonces la virulencia se tamiza, aunque no su marcada impronta. Quienes hoy y mañana se acerquen al Teatro Central (21.00 horas) podrán conocer la última criatura a la que ha dado luz el catalán, Desaparecer, montaje cuyos aliados resultan ser Juan Echanove y una cantante indie con infinitas pretensiones llamada Maika Makovski.

Sin embargo, ni Echanove ni Makovski son los líderes de la función. Porque sobre ellos sobrevuelan los textos, los estímulos y las vivísimas imágenes que convocan los inquietantes textos de Edgar Allan Poe. “Bieito ha diseñado un espacio blanco, diáfano, fantasmal, de líneas rectas, un lugar invadido por la niebla y moteado por luces tenues y en ocasiones espectrales”, afirmó ayer Juan Echanove.

Lo que ofrece Desaparecer es una “fascinante, grave y sublime” dramatización-concierto de relatos como El demonio de la perversidad, El gato negro o de la mítica composición lírica El cuervo, además de fragmentos de poemas menos populares.

Por su parte, Makovski, cantante mallorquina de padre macedonio y ascendencia andaluza, saludada como la PJ Harvey española, ha escrito una serie de temas expresamente para el espectáculo “llenos de belleza y sutilidad”. Su canción y su presencia dan el contrapunto para sumergir al público en la voz y el gesto de Echanove, que explora el abismo de Poe, el espíritu de la perversidad, llegando con El gato negro al punto climático de la obra, un largo monólogo punteado por los clusters pianístico de su partenaire y en el que la puesta en escena apenas sí deja ver a los dos protagonistas.

A medio camino entre el teatro, el concierto y un recital de palabra hablada (o spoken word) lo que es seguro es que Desaparecer -obra estrenada en el pasado Festival Grec de Barcelona- es “un concierto-poema en la niebla”, al decir de Bieito: “Es imposible no sentir un erizamiento de la piel al ver a ese personaje alcohólico preso de sus ataques de sádica demencia. Surge el demonio de la perversidad y da la impresión de que si en esos instantes de realismo interpretativo, le pusieras un cuchillo en la mano, el exhausto y sudoroso actor sería capaz de matar”, ha explicado el dramaturgo sobre una propuesta que ha cosechado por igual críticas tan entusiastas y agrios comentarios. En todo caso, para quienes admiren o sigan a Bieito, Desaparecer es un inequívoco producto con ‘marca de la casa’. Se podrá sentir fascinación o irritación ante la propuesta pero, al menos (…y no es poco), nadie saldrá indiferente de él.

cronicasdeunpueblo.es / Puebla de la Calzada / 22 octubre 2011

La compañía sevillana bricAbrac Teatro cubrió todas las expectativas del público que acudió a la representación de “Er show de la Bienve”, cuarto montaje que la compañía presentaba en Puebla de la Calzada y que consiguió llenar todo el aforo. La presencia de Elena Bolaños en el festival de teatro es una apuesta segura por el humor y el buen hacer de esta actriz tan querida en Puebla de la Calzada.

En esta ocasión, sobre el escenario no estaba sola, le acompañaban dos magníficos músicos, Míchel Suárez y Daniel Abad, que aparte de tocar magistralmente el Contrabajo y el teclado, dieron al espectáculo un punto de complicidad con la actriz.

Elena, por su parte, nos volvió a sorprender con su frescura y su creatividad. Ella necesita muy poco para meterse en el bolsillo a todo el público desde el momento que sale a escena. Su chispa y su simpatía convencieron a un público que ovacionó a la actriz, continuamente, durante todo el tiempo de la representación. Todos disfrutamos de “er show de la Bienve”, un divertido cabaret donde la participación y la carcajada del público formaban parte de espectáculo. De nuevo, Elena Bolaños y todo su equipo, volvió a brillar sobre el escenario de Puebla de la Calzada.

Er SHOW de la Bienve será acompañada por los músicos Míchel Suárez y Daniel Abad en el XXX FESTIVAL NACIONAL DE TEATRO “VEGAS BAJAS” de Puebla de la Calzada, a las 21h15.

Bienvenida Gómez es la autentica dominguera. Ha convertido este hecho tan cotidiano en todo un arte, no hay camping que se le resista y es que Bienve es mucha Bienve, con un sentido de humor desbordante es capaz de transformar las conversaciones más cotidianas en situaciones delirantes. Un día de camping entre risas cantos. Su filosofía de vida es “Con humor todo va mejor”.

Este espectáculo lucha contra el estrés, los agobios económicos y las situaciones diarias. Ven a nuestra playa ríe, relájate y disfruta junto a Bienvenida Gómez, La autentica dominguera.

E.P. / El Correo de Andalucia / 19.10.2011

El galardón está dotado con 30.000 euros. El iluminador Juan Gómez Cornejo ha sido galardonado por unanimidad este miércoles con el Premio Nacional de Teatro que concede el Ministerio de Cultura a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y que está dotado con 30.000 euros.

Esta distinción recompensa la labor del galardonado en el ámbito teatral, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el año 2010.

El jurado de este premio ha estado presidido por el director general del INAEM, Félix Palomero con Cristina Santolaria, subdirectora General de Teatro, como vicepresidenta y compuesto por Carles Alfaro, Ana Alvarez Wagener, Ignacio Amestoy, Natalia Menéndez, Rosana Torres y Paco Sánchez en representación de La Zaranda (Premio Nacional de Teatro 2010).

APUNTES BIOGRAFICOS

Gómez Cornejo nació en Valdepeñas (Ciudad Real). Trabaja profesionalmente en el mundo del teatro desde 1980, alternando labores como iluminador y director técnico en diferentes tettros y festivales.

Ha sido galardonado con el Premio Max a la Mejor Iluminación por ‘Panorama desde el puente’ en 2003, ‘Divinas Palabras’ en 2006 y ‘Barroco’ en 2009. Además ha recibido el Premio ADE 2005 a la Mejor Iluminación por ‘Infierno (La divina comedia)’ y por ‘El rey Lear’ en el 2008.

Tiene además experiencia en el mundo de la lírica, realizando la iluminación para ‘Macbeth’ de Giuseppe Verdi para el Teatro Real, ‘El retablo de maese Pedro’ y ‘Una noche en la zarzuela’ dirigidas por Luis Olmos, ‘La revoltosa’ y ‘Las Bribonas’ dirigidas por Amelia Ochandiano y ‘Verdugo, verdugo’ y ‘La ciudad de la avaricia’ dirigidas por Gustavo Tambascio, todas ellas para el Teatro de la Zarzuela.

Entre sus últimos trabajos cabe citar ‘Hamlet’ dirigida por Tomaz Pandur (Naves del Matadero), ‘Fedra’ dirigida por Miguel Narros, ‘Medea’ dirigida por Tomaz Pandur (Festival de Teaetro de Mérida), ‘Platonov’ dirigida por Gerardo Vera (Centro Drama?tico Nacional), ‘Doña Francisquita’ dirigida por Luis Olmos (Teatro de la Zarzuela) y ‘Madre Coraje’ a cargo de Gerardo Vera (Centro Dramático Nacional).

Juan Gómez Cornejo, tras saber la concesión del galardón, ha resaltado la trascendencia de este premio que por primera vez se concede a esa disciplina. En este sentido, el premiado ha hecho hincapié en que la luz “puede crear espacios, ambientes y una dramaturgia concreta”.

En declaraciones a Europa Press, Gómez Cornejo ha confesado su “satisfacción personal” por recibir este galardón que no sólo le premia a él personalmente sino que considera que supone un “reconocimiento” hacia este oficio “que desarrolla mucha gente”.

“Nuestro trabajo es más oculto, está entre bambalinas y no damos la cara al público pero también sentimos su respiración. Agradeces que la gente valore cada vez más aspectos como éste”, añade mientras ultima su trabajo en la ópera contemporánea ‘Yo, Dalí’ de Xavier Benguerel, que llega hoy mismo al Liceo de Barcelona y que ya se estrenó en el Teatro de La Zarzuela.

En este sentido, Gómez Cornejo ha aludido también al equipo que siempre está ahí realizando esta labor. “Siempre hay un equipo con el que trabajo y a cualquier teatro que vas el equipo técnico debe estar por ti, siguiendo tus planteamientos. Aunque sean más anónimos que los actores y los directores hacen una labor digna de valorar”, ha recordado.

MAS DE TREINTA AÑOS

Más de 30 años avalan a este profesional que asegura que actualmente la tecnología se ha impuesto en esta disciplina escénica. “Eso te obliga a estar constantemente informado, documentado, recibiendo nuevas técnicas, aparatos y controles. Si te gusta, como es mi caso, tienes que estar al día de las novedades y las posibilidades”, dice.

Algo esencial en su trabajo es realizarlo “recibiendo el espíritu del director de la función”. “Lo hago metiéndome en su piel para ver a través de sus ojos y formar equipo para que el resultado sea unánime y guste. Hay que ser un poco mimético con los directores y tratar de seguir sus impulsos y sus sentimientos aportando a la vez tu granito de arena”, señala.

Gómez Cornejo no sabría decir si ha aportado algo a esta profesión, pero sí tiene claro que la desarrolla “con pasión”. “Desde luego es un poco vocacional porque ni siquiera ahora se estudia formalmente. Te vas formando sobre el terreno, de manera autodidacta. Esta es una asignatura pendiente que tiene esta disciplina. En Europa hay muchos sitos donde estudiar esta carrera y está reglada pero aquí nos falta un poquito”, apunta.

En su opinión, la forma de iluminar desde que inició su carrera se ha visto especialmente modificada con la incorporación de nuevas tecnologías y el mejor equipamiento de los teatros que han exigido gente más especializada con el tiempo. “Esta disciplina debe convivir con el resto. Ha evolucionado mucho y sigue haciéndolo”, señala.

DESDE CROACIA

Juan Gómez Cornejo se siente especialmente orgulloso de uno de sus últimos trabajos que le han llevado a Croacia. Se trata de la adaptación de ‘Guerra y paz’ en colaboración con Tomaz Pandur estrenada en el Teatro Nacional de Zagreb. “Era una propuesta muy ambiciosa y ha sido duro pero he venido contento. En este país ha sido un acontecimiento”, afirma.

Su colaboración con conocidos directores de escena es una de las ventajas que tiene su profesión. “La riqueza de este trabajo está en que conocer a gente diversa, con puntos de vista muy diferentes y tú tienes que tratar de adaptarte a ellos para que el trabajo camine”, concluye.

La compañía La Rous Teatro, ha sido galardonada hoy con el Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud correspondiente a 2011. El jurado le ha concedido esta distinción por unanimidad por “su calidad artística, coherencia y originalidad de sus espectáculos”. El jurado ha destacado, igualmente, “la capacidad de emocionar, abordando temas tan difíciles para la infancia como la muerte o la guerra, tal y como queda reflejado en sus últimos espectáculos la casa del abuelo y El refugio”.

Este premio recompensa la meritoria labor en el ámbito de las artes escénicas para el público infantil y juvenil, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el año 2010. El galardón está dotado con 30.000 euros.
Biografía

La compañía La Rous Teatro fue creada en el 2008 en Granada por la directora y actriz Rosa Díaz Martínez-Falero. Ese mismo año estrena La casa del abuelo, una pieza que escribe, dirige e interpreta, en un juego de narración y teatro con pequeños objetos y títeres que acompaña a niños y niñas en la primera experiencia de la muerte de sus familiares mayores. El montaje recibió el Premio al Mejor Espectáculo de la Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas de Gijón (FETEN) en 2009.

En febrero de 2011 se estrena El refugio, un espectáculo sobre la guerra, premiado, igualmente en FETEN de 2011 como Mejor Espectáculo.

30 años de trayectoria profesional

Rosa Díaz cumple este octubre 30 años de trayectoria profesional. Tras unos años como actriz en la compañía Cambaleo Teatro, en espectáculos como Proyecto Van Gogh y Lorca de atar, funda la compañía Lavi e Bel, en Granada, y durante seis años (1992-1998) estrena cinco espectáculos para niños y niñas y público adulto; tres de ellos, en los que dirige e interpreta, son hasta hoy trabajos de un teatro de actores que integra el clown y el teatro gestual, el juego teatral y el teatro con objetos, en escenarios de un mundo contemporáneo distorsionado en el sueño y la pesadilla: A moco tendido, Paradisi y La luna, esta última con resonancias del Brazil de Terry Gilliam.

Los dos primeros convertían las fronteras y guerras de Los Balcanes en una aventura libertaria de payasos (A moco tendido) o en la tragicómica desolación de un ventrílocuo y su muñeco, aferrados a la utopía y varados en una frontera cualquiera de una Europa apocalíptica.

Con su nueva compañía La Sal, siempre en Granada, en el 2000, Rosa Díaz estrena como actriz y directora otros trabajos como Zapatos y El gran traje (Premiado en la Feria de Palma del Río).

Como actriz, ha trabajado además con las compañías Ur Teatro y Els Comediants, entre otras; desde 1985 ha dirigido una veintena de montajes con sus compañías y con otros colectivos, entre ellos, Niña Frida, para Karlik Danza Teatro (2006), Piedra a piedra, para Teatre del Home Dibuixat (2007), Violeta, para Axioma Teatro (2008), Vaivén circodanza (2011) y Arena en los bolsillos (2011).
El jurado

El jurado ha estado presidido por el director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Félix Palomero, y Cristina Santolaria, subdirectora general de Teatro del INAEM, ha actuado como vicepresidenta. Han integrado el jurado, Ignacio Juárez Montolio, Olga Margallo Martínez, José Luis Paraja Díaz, Idoia Otegui Martínez, Enrique Cabrera, representante de Aracaladanza (Premio 2010), y Rosa Díaz Martínez-Falero, que se ha retirado de todo el proceso de votación tras ser propuesta su candidatura para el Premio.

José Gallego Espina / El Correo de Andalucia / 13.10.2011

La muestra, que cumple su mayoría de edad, tomará el Metropol Parasol, los Jardines de la Expo’92, el metro y los teatros de la ciudad.

El Mes de Danza ha logrado algo de lo que pocas citas culturales de la ciudad pueden presumir: alcanzar su mayoría de edad. Este año celebrará, del 28 de octubre al 20 de noviembre, su XVIII edición bajo el lema 18 años calando. Esto es danza, con el que propone reflexionar sobre los límites de las artes del movimiento.

Durante el certamen, que cuenta con 173.000 euros de presupuesto, visitarán Sevilla 21 compañías nacionales e internacionales, que actuarán en 19 espacios públicos y privados. En cuanto a recintos cerrados -que cobrarán entrada, cuyos precios oscilarán entre cinco y 20 euros-, el Teatro Quintero se incorpora al Maestranza, el Central, el Alameda y La Fundición, albergando la fiesta de clausura, Ahora bailo yo!, un maratón de danza en el que el público podrá aprender samba, flamenco o contemporáneo. En la calle, y de forma gratuita, la muestra se esparce por los Jardines del Guadalquivir y el Jardín Americano -en la antigua Expo-, para acercar estas zonas recuperadas recientemente. También tomará el Metropol Parasol, el Pabellón de Perú, la Biblioteca Infanta Elena y las estaciones de metro del Prado y San Bernardo.

La directora de la muestra, María González, avanzó ayer la programación de 2011, que sigue su esquema habitual, manteniendo la estructura en bloques: Danza en espacios singulares -del 28 de octubre al 1 de noviembre para aprovechar la afluencia turística- y Programación en Teatros.

Además, vuelve el programa Creaciones en proceso, iniciado en 2009, en el que se presentan trabajos en construcción con la posibilidad de estrenarlo en la siguiente edición del Mes de Danza.

Este año el programa acoge al Colectivo Malab/Diego Ramos, con una propuesta de alto contenido tecnológico, y a Noemí Martínez Chico, que presentarán sus trabajos en proceso para estrenarlos en 2012. Con respecto a las participantes de 2010, se estrena el trabajo de Teresa Navarrete en el Maestranza y se presentan los avances del de Inmaculada Jiménez a lo largo de estos meses en forma de instalación tecnológica en la sede del Cicus -calle Madre de Dios-.

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) acogerá el acto inaugural del Mes con un propuesta del coreógrafo sevillano Víctor Zambrano, que contará con cinco alumnos del Centro Andaluz de Danza y tres bailarinas profesionales, Judith Mata, María Martínez Cabeza de Vaca e Inmaculada Corral. Habrá dos versiones, la inaugural, el 28 de octubre, y otra contemplativa los días 29 y 30, en los jardines del CAAC.

Además de propuestas locales y nacionales que traerán compañías como la granadina Date Danza, la vasca Ertza -con un trabajo que parte del baile tradicional vasco-, los madrileños Elías Aguirre y Manuel Rodríguez, con Escuálido Marsupial, o los gallegos Pisando Ovos, con su espectáculo Tres, el Mes de Danza sigue con su investigación en torno a la geopolítica, volviendo a mirar a los Balcanes. Países como Macedonia, con el solo Bug’s de Kire Miladinoski; Rumanía, con Paul Dunca y su pieza Fuimos con estos cuerpos tan lejos como pudimos; y Grecia, con Oktana Danza y Dressed Undressed, serán los protagonistas.

Siguiendo en territorio internacional, González destacó la propuesta israelí del coreógrafo Arkadi Zaides con su solo Sólo siento y el cuarteto de hombres Quiet, “una reflexión valiente sobre la relación entre palestinos e israelíes”.

La cubana afincada en Alemania Maura Morales presentará Ella, el 30 de octubre en la estación del Prado, mientras que San Bernardo acogerá una coreografía de Raquel Madrid y Laura Lizcano.

Como actividades paralelas, se ofertan un taller de crítica periodística, dirigido Omar Khan, director de la revista especializada Susy Q , y el Festival de Cine proyectará dos documentales, uno sobre Pina Bausch y otro sobre el Ballet Clásico y sus figuras.

Realidad aumentada y memoria colectiva

Esta edición del Mes de Danza ha recibido una subvención de 12.000 euros del Ministerio de Cultura para fomentar las herramientas 2.0. y las redes sociales. Por ello, el festival brindará múltiples posibilidades de interactuar. Por ejemplo, la web www.mesdedanza.es , que ofrece toda la programación e información de utilidad para el público, invita a los ciudadanos, en el apartado 18 años calando, a crear una memoria colectiva subiendo algunos de sus recuerdos sobre esta muestra cultural. Además, los móviles inteligentes -sea cual sea su plataforma- podrán descargarse la aplicación de realidad aumentada Laya, con la que se podrá llegar -cual brújula- a los escenarios de los espectáculos o descargarse información de las obras, sólo enfocando con sus cámaras los lugares que alberan -o albergaron- los montajes de ésta o pasadas ediciones.

El Correo de Andalucia / 13.10.2011

El homenaje a De Ory y el recital de Rosenvinge, los platos fuertes del día.
La IV edición de Perfopoesía, el Festival Internacional de Poesía de Sevilla , comenzó ayer jueves con la ya tradicional Cabalgata Perfopoética, que partió a las 17.00 del Ayuntamiento en dirección a Santa Clara y que este año contaba junto a los ya familiares gigantes y cabezudos, con los actores de la ESAD (Escuela Superior de Arte Dramático) y las iniciativas Picadura Poeta del Proyecto Gorrión, Cabezudos del Proyecto Ribete Bormujos y Refracción de María Luisa Viu.

Esta edición comenzó también con el recuerdo al recientemente fallecido Carlos Edmundo de Ory. Santa Clara fue el lugar elegido para el homenaje a la obra del gaditano en la que estuvieron presentes escritores y expertos en su figura como Juan José Téllez (que participó con un vídeo), Fernando Polavieja (que puso música a cuatro de sus poemas), Jesús Fernández Palacios, José Ramón Ripoll y Alejandro Luque, que leyeron algunos poemas de De Ory y otros tantos dedicados al poeta.

El Centro Cultural Santa Clara fue también el escenario del perfo-recital de Christina Rosenvinge, sin duda una de las estrellas de esta edición que ofreció, a los asistentes bajo invitación, alguna de sus composiciones musicales.

Como cierre de la primera jornada, también se inició una de las grandes clásicas citas del Festival como son las noches de Poesía Baretera en el Louvre Café a cargo de Siracusa Bravo Guerrero, Lola Crespo, Laura Rosal y David Leo García.

A lo largo de estos últimos 30 años, Puebla de la Calzada a través del Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas se ha convertido en un punto de encuentro para todos los aficionados a las Artes Escénicas. Nuestro Festival ya es un referente en Extremadura, hasta el punto de que nuestro municipio es conocido a nivel nacional por su labor continua en la exhibición teatral.

El 30 aniversario del Festival es un buen momento para analizar, hacer balance y evidentemente, seguir apostando por su futuro. Todo comenzó en el 1982, como certamen de teatro amateur hasta convertirse en lo que es hoy, un festival de teatro para profesionales a nivel nacional. El balance no puede ser más positivo.
Muchas han sido las personas que durante estos 30 años han estado vinculados a este evento cultural, a todos ellos, nuestra más sincera felicitación y nuestro agradecimiento porque de la aportación desinteresada de cada uno, hemos conseguido que el teatro, el buen teatro, se represente en Puebla de la Calzada, consolidándose la afición teatral en nuestra localidad.

Gracias a la Junta de Extremadura, a la Diputación de Badajoz y en especial, al ayuntamiento de Puebla de la Calzada por su apoyo, ellos, con su colaboración, han conseguido que este Festival sea una realidad cultural en beneficio de todos.

Bienvenidos un año más, a este festival que el próximo día 14 de octubre volverá a exclamar: ¡arriba el telón!

Las giras por los pueblos son un demoledor panorama de teatros vacíos y las subvenciones se han acabado. Las compañías de teatro sevillanas tienen que reinventarse para subsistir y han ideado cursillos, charlas e incluso jornadas de coaching (entrenamiento) para empresas que aún se lo pueden permitir.

“Las compañías teatrales ya no viven de su trabajo. Nosotros nos financiamos con cursos y conferencias y no nos acobarda, porque no podemos ir a los pueblos de gira: no nos pagan”, explica Víctor Carretero, de la compañía Síndrome Clown. Si antes de la crisis eran habituales largas giras por los 105 pueblos de la provincia con un precio por actuación pactado -caché, en el argot de los artistas-, ahora éste ha desaparecido, se trabaja a taquilla y además las actuaciones de hace meses se cobran con un retraso insoportable.

“Nadie se preocupó de crear público, sólo de inaugurar un gran teatro en cada pueblo. Qué más daba si a la función iban 40 personas. Y ahora no nos pueden pedir ir a taquilla porque no hay taquilla”, se queja la responsable de la distribución de esta compañía, Charo Sánchez. En su caso, las subvenciones se han rebajado un 30% con el descenso de público y se limitan a 64.000 euros para dos años, que deben dar para las nóminas de cuatro actores, los técnicos, la furgoneta…

“Tenemos que asegurarnos el cobro para sacarla a la carretera”, incide Carretero. A Síndrome Clown les debían 60.000 euros en noviembre de 2010. Un año después, y después de haber recurrido al abogado, sólo son acreedores de 6.000 euros. Si no han echado el telón es gracias a estas incursiones en cursillos y conferencias sobre expresión que Pepe Quero, de la compañía Los Ulen, llama “alimenticias”.

“Nosotros llevamos mucho tiempo, a través de nuestra productora Bis, trabajando en publicidad, en pasacalles para empresas automovilísticas, en animaciones de congresos”. Cita marcas como Renault, Rank Xerox, Hipercor o incluso la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), que también los ha contratado para algún bolo.

“Es ahora cuando esta diversificación alimenticia nos está fallando, porque si antes en un congreso daban jamón y lo cerraban con un espectáculo, ahora lo único que dan son cacahuetes”, resume. Al menos, las ganancias de esas actuaciones (y también lo que rebañan de su propia sala, la Sala Fli, junto al Cerro del Águila) les sirve para invertir en proyectos arriesgados como Uvi zona cero, una pieza que Los Ulen llevan escribiendo un año y que conllevará un montaje costoso.

“Sí que es cierto que ahora en las giras vamos a taquilla, y gracias a que la televisión nos ha hecho mediáticos a mí (Águila roja), a Paco Tous (Los hombres de Paco) y a Maite Sandoval (Doctor Mateo) pues los teatros se llenan. A pesar de eso los cuatro socios directivos llevamos cuatro meses sin cobrar para pagar los salarios de actores y técnicos”.

La última subvención pública a Los Ulen se eleva a 29.000 euros para dos años con el compromiso de que mantengan su sala abierta todo el año. El recorte, explica Quero, ha sido del 50%. Tres gobiernos autonómicos distintos y algún ayuntamiento les deben 70.000 euros y en algún caso llevan esperando cobrar actuaciones desde hace dos años.

Este recurso a las clases como pan ante la crisis no gusta tanto a una compañía con 17 años de presencia en Sevilla, Viento Sur, que apostó desde 1994 por crear una escuela de teatro, de la que vive. “La vocación pedagógica es una cosa muy seria”, insiste su codirector, Jorge Cuadrelli, quien presume junto con la otra codirectora, Maite Lozano, de no haber recibido subvenciones más que para levantar una escuela de teatro en Triana, un macroproyecto apoyado por el Ayuntamiento, que les cedió el suelo, que ahora está varado por la crisis.

“Nosotros tenemos más solicitudes que espacio para los alumnos, nos podemos autofinanciar”, sintetiza Lozano. Viento Sur da trabajo a 10 personas y, aunque se han caído las jugosas giras de la Diputación o Turismo, todavía representan obras pedagógicas en hospitales e institutos de Sevilla, o incluso para la Acnur, organismo de la ONU que todavía paga puntualmente. “Nosotros hemos creado una especie de banca propia, y con eso y los cursillos podemos presentar otra imagen distinta a la del artista llorón y víctima”, insiste.

Les deben unos 20.000 euros por actuaciones no cobradas, pero la losa que hace peligrar el futuro de Viento Sur sería la paralización de facto de la obra de su escuela , que les obligaría a devolver al Ministerio de Fomento 400.000 euros, de los cuales 200.000 se han invertido ya en la redacción de dos proyectos distintos para el edificio.

REINICIANDO EL SISTEMA

Después de casi 20 años haciendo ruido, Bosco Valero alias “BTheFAKE”, guitarrista en Nadiuska y Los Farsantes, decide grabar su primer trabajo en solitario de forma autoeditada y con licencia Creative Commons. Buenas melodías, hip-pop, rock indie y trasfondo electrónico y bailable en 8 cortes que van del pop luminoso y optimista, a oscuras canciones plagadas de replicantes y malvados pre-15M. Demasiado popero para los mestizos, demasiado funky para los indies: un fraude para todos. Inclasificable? Pues vale!

“La noche la abrieron Bthefake, el proyecto del ex-nadiuska bosco, que jugó a confundirnos con un pop electrónico que a veces derivaba hacia el indie-rock, otras hacia el funk y por momentos incluso colaba detalles de mestizaje que hacían difícil encuadrarles. Presentándose en directo en formato dúo, con guitarra programaciones y batería, demostraron que lo suyo es la energía e intensidad en el directo.”

crónica de Manolo Domínguez en “La Página de la Nadadora”

Javiera Mena + BTheFAKE en sala Obbio (Sevilla, 16-09-2011)

bcafterall.com

Con un poco de retraso y con un presupuesto mermado considerablemente por la caída de algunos patrocinadores, el 11 de octubre podremos asistir a la Inauguración de la Temporada de Artes Escénicas de Sevilla que, este año, como viene siendo costumbre, vuelve a cambiar de sede. Si en años anteriores había pasado por lugares tan emblemáticos de Sevilla como el Teatro Salvador Távora o el Centro Atalaya-TNT, este año el evento será acogido por el Teatro Duque La Imperdible, ubicado en la céntrica Plaza del Duque.

Organizada por la Asociación de Escenarios de Sevilla (responsable entre otros proyectos del feSt), la gala será un re-encuentro tras el parón estival entre los profesionales del sector de las artes escénicas. Compañías, programadores, responsables de espacios, patrocinadores y demás agentes culturales locales se darán cita en este día; una buena forma de empezar la dura temporada que se presenta. Además, y por tercer año consecutivo, durante la gala se entregarán los Premios Escenarios (Espectáculo de Teatro, Espectáculo de Danza, Intérpretes Masculino y Femenino de Teatro, Intérpretes Masculino y Femenino de Danza, Espectáculo Infantil, Creador y Premios de Horno). Todo ello bajo la batuta de La Maravilla Gypsy Band que hará que la noche, sin duda, sea inolvidable.

Hoy, “Autómatas” de la compañía El Souflé en la Sala La Fundición de Sevilla a las 21h.

En el año 1950, el matemático británico Alan Turing, propone el que desde entonces se conoce como el test de Turing, que consiste en un interrogatorio para distinguir a un humano de una máquina. Si una máquina pasa el test de Turing, se dice que es inteligente. Hasta la fecha ninguna máquina lo ha conseguido.

“Autómatas” hace una reflexión sobre la sociedad de la información, los efectos de los medios de comunicación masivos (la televisión, principalmente), y la pérdida de la identidad del ser humano contemporáneo, en un océano de información donde el sentido acaba por diluirse. La obra presenta máquinas con profundas dificultades para definir su verdadera esencia. Escaparates. Roles tradicionales, preestablecidos, que como viejos vestidos de otra talla, ya no se ajustan al mundo que nos rodea.

Ruido de fondo. El tema recurrente de las muertes de las mujeres por culpa de los hombres. La maquinaria donde se genera la información, que politiza, teledirige, mediatiza, y piensa por nosotros. Donde se utiliza la muerte como carnaza. Como reclamo. Como supermercado.

Dos actores. Una pareja de autómatas que se creen seres humanos. Seis personajes intentando pasar el test de Turing.
Autómatas

Dirección: José Luis de Blas
Intérpretes: Miguel López y María José Torvisco
Compañía: El Soufflé
Iluminación: David Carmona
Sonido: Daniel Abad

último dia del espectáculo de SÍNTESIS PROD. “La balada de los espías, (comedia con pianista y Gibraltar de fondo) en la Sala LA FUNDICIÓN de Sevilla.

Dolores Guerrero, El Correo de Andalucia / 30.09.2011

Obra: ‘Cinclown 3D’. Lugar: Teatro Lope de Vega del 4 al 11 de octubre. Compañía: Síndrome Clown. Dirección: Fernando Fabiani. Música: Jasio Velasco y Rafael Cañete. Intérpretes: Víctor Carretero, Práxedes Nieto y Anabella Hernández.

Últimamente parece que lo que prima es la representación mediática. De ahí el empeño de la tecnología por la reproducir imágenes en tres dimensiones. En medio de esa locura emerge la figura del payaso para recodarnos la existencia del teatro, una forma de contar historias que permite precisamente eso que busca la tecnología: una comunicación inmediata no mediatizada.

Este es el punto de partida de este montaje, un hermoso alegato al teatro y una deliciosa comedia de humor blanco que nos demuestra que, para divertirnos, no hay nada como tener un payaso cerca. Y es que, si algo tienen claro los integrantes de esta compañía sevillana es su absoluta devoción al clown, una figura que, aunque ligada al circo, ha estado presente desde hace siglos en los escenarios teatrales. Víctor Carretero y Práxedes Nieto recogieron esa herencia desarrollando un estilo propio caracterizado por llevar al payaso de nariz roja al terreno de la parodia que aquí se centra en los diversos géneros cinematográficos y algunas estrellas populares. Para ello la singular pareja cuenta con la divertida música de Jasio Velasco y Rafael Cañete y la colaboración de Anabella Hernández con la que, de paso, llevan a cabo su particular homenaje hacia los cómicos argentinos.

La falta de cohesión de sus diferentes registros otorga un ritmo irregular, pero la diversión está garantizada gracias al continuo contacto con el público, a la dramaturgia tan fresca como hilarante, y a la comicidad de los intérpretes que alcanza en Víctor Carretero momentos sublimes.

La Compañía bricAbrac Teatro presenta “Er Show de la Bienve“ en el municipio de los Corrales. Bienvenida Gómez es la auténtica dominguera que ha convertido étse hecho tan cotidiano en todo un arte, no hay camping que se le resista. Ésta obra con sentido del humor desbordante., es capaz de transformar las conversaciones más cotidianas en situaciones delirantes. Éste Show es un cabaret desde el principio hasta el final, donde la risa y la carcajada del público formará parte de éste espectáculo.

Yagüe regresa al teatro municipal prometiendo más variedad en la programación y obras más populares, marginadas por su antecesor. «No se puede vivir sólo de “teatro de autor”», dice

JESÚS ÁLVAREZ / ABC de SEVILLA / 02.10.2011

Titulado en Música, destacado concertista y técnico superior en dirección de empresas, Juan Víctor Rodríguez Yagüe vuelve a coger las riendas del Lope de Vega, teatro que dirigió desde 1993 a 2004 y al que vuelve ahora de la mano de la nueva delegada de Cultura, María del Mar Sánchez Estrella. Una de sus primeras decisiones ha sido mantener en la programación de esta temporada una obra de Antonio Álamo que el dramaturgo cordobés había incluido cuando él aún era director del Lope de Vega, antes de la llegada de Zoido a la Alcaldía. Rodríguez Yagüe anuncia en esta entrevista que el teatro abrirá sus puertas a partir de ahora a obras más populares y comerciales y no sólo al «teatro de autor» del que hizo bandera Álamo durante sus siete años al frente del coliseo municipal.

—¿Entraba en sus planes volver a dirigir el teatro?

—No, porque esto pasa una vez entre un millón. Pero me siento muy contento de estar otra vez aquí y le estoy muy agradecido a María del Mar Sánchez Estrella por la confianza depositada en mí.

—Usted dejó la dirección del teatro en 2004. ¿Qué destacaría de estos últimos siete años en los que dirigió el teatro Antonio Álamo?

—Si no le importa, preferiría no hablar del pasado.

—Algunas voces consideran que en estos últimos años el Lope de Vega, con festivales como el «Spoken Word» y otras propuestas muy alternativas, ha competido con el público del Teatro Central, mucho más cercano a lo contemporáneo, ¿está de acuerdo?

—Sí, aunque eso ya no se va a repetir. En Sevilla tenemos tres grandes teatros: el Maestranza, dedicado a la ópera y la música; el Teatro Central, dedicado al teatro y danza contemporánea y de vanguardia; y el Teatro Lope de Vega, que es un teatro a la italiana, dedicado al teatro de texto, de calidad, ya sea clásico o contemporáneo, pero que tiene que acoger también a otros espectáculos más populares, máxime en una ciudad en la que los grandes teatros privados han ido cerrando uno detrás de otro.

—¿Y el Lope de Vega no lo ha hecho en estos años?

—Creo que el teatro se ha quedado en estos años en una sola línea, más de autor, y que ha dejado fuera actividades teatrales y escénicas más populares o comerciales que no pueden ir al Central y que, por tanto, el público de Sevilla se ha quedado sin ver.

—¿A qué se refiere exactamente?

—Me refiero a comedias y a un teatro más popular o comercial que no tiene encaje en otro sitio en la ciudad. Y creo que ese público, que es muy significativo cuantitativamente, tiene derecho a ver esas obras porque también paga el mantenimiento de este teatro con sus impuestos.

—¿Y ese público que, según usted, se ha marginado, qué opciones tenía?

—En Sevilla, ninguna. Irse a Madrid, yo mismo lo he tenido que hacer para ver algunas obras que no llegaban aquí.

—¿El teatro ha perdido taquilla por esta razón?

—Sí.

—¿Apostar casi exclusivamente por este «teatro de autor», normalmente de calidad pero alejado de los gustos mayoritarios, es, en su opinión, no conocer Sevilla ni a los sevillanos?

—Me temo que sí, es no conocer Sevilla, porque un programador cultural debe saber en qué ciudad se encuentra y el público que tiene. Yo no puedo programar en Sevilla como si fuera Madrid o Barcelona, por muchas razones, entre otras, porque no hay ningún gran teatro privado en nuestra ciudad.

—Arturo Fernández decía en una entrevista con ABC, cuando vino al Teatro Quintero, que el «teatro de autor» le parecía una «gilipollez» y que un teatro público debe programar cosas que le interesen a un público amplio, ¿está de acuerdo?

—Creo que más que «teatro de autor», habría que hablar de «teatro de autores» y que el concepto que se debe aplicar en el Lope de Vega debe ser más amplio que el que se ha venido aplicando. Conmigo va a a haber naturalmente teatro de autor en el Lope, pero no exclusivamente. Para mí fue un error haber sacado estas obras del Lope de Vega y yo me propongo volver a introducirlas, siempre que sean de calidad. Eso no quiere decir de ningún modo que el Lope de Vega se vaya a convertir en un teatro comercial puro y duro.

—El famoso actor asturiano se quejaba también de que el Lope de Vega no le hubiera invitado nunca a venir en 17 años después de triunfar en Madrid y otras muchas ciudades con sus espectáculos. ¿Comprende su queja?

—Sí, pero sobre todo pienso en el público sevillano que no lo ha podido ver o ha tenido que irse a otra ciudad a verlo.

—¿Lo traerá, pues, usted?

—En los 9 meses que dura la temporada creo que hay tiempo para traer casi todo y también este tipo de obras, que tienen un público muy fiel. También hay que hacer más hueco al flamenco, que en mi opinión, debería estar más presente en el Lope de Vega de lo que lo está.

—¿La apertura del Teatro Quintero le quita un peso de encima para no tener que hacerle hueco a tantas comedias populares o comerciales que antes no llegaban a Sevilla por falta de un teatro privado enfocado a ellas?

—No exactamente, porque el Teatro Quintero es, por desgracia, pequeño, y no puede atender por sí solo a ese público. Pero hace unos días hablé con Jesús Quintero sobre este asunto y lo tranquilicé porque no pienso hacerle la competencia.

—¿Le dijo que no le piensa quitar a Verónica Forqué, con la que él abre temporada ?

—Claro que no se la voy a quitar, aunque esa obra podría venir perfectamente aquí.

—¿Los directores de los teatros públicos piensan tanto en la taquilla como los de los teatros privados?

—En mi primera etapa al frente del Lope de Vega dependía de la taquilla que obtenía un espectáculo para poder traer a la siguiente compañía. Para mí son fundamentales esos ingresos y ahora, con los recortes, mucho más. Tenemos que pensar mucho más en el público.

—¿Por qué cree que el público de Sevilla no es más exigente?

—Es agradecido…

—El «Drácula» de la semana pasada, con el que abrió la temporada el Lope de Vega, no daba miedo sino risa, pero al final todos los espectadores aplaudieron encantados… como siempre.

—Esta obra era estreno absoluto en España y los estrenos siempre son complicados. Los actores están más nerviosos y no funcionaron algunos elementos de la escenografía. Algunos recursos no pudieron utilizarse. Estoy convencido de que dentro de dos meses esa obra estará mucho más afinada.

—¿No somos demasiado indulgentes y tragamos lo que nos echen?

—El público de Sevilla aplaude un poco todo. Yo, que soy músico, he ido a algunos conciertos en los que los músicos no han estado bien y el público ha aplaudido igual. Es así…

—En Madrid o Barcelona no les hubieran aplaudido…

—Probablemente les hubieran abucheado y pateado. En Sevilla eso nunca ha pasado, pero yo creo que es cuestión de tiempo, de que la gente se vaya acostumbrando y de que se dé cuenta de que no tiene por qué aplaudir si no le gusta algo. Y también es una cuestión de formación, de ver mucho teatro y mucha música para tener más criterio.

—Se acaba de cancelar la Mostra de Cine de Valencia. Dicen que la primera víctima de las guerras es la verdad, pero la primera víctima de las crisis suele ser la cultura…

—Es injusto, pero es así, seguramente porque se considera algo superfluo, cuando para mí es algo básico para la formación de las personas, la convivencia y la democracia.

—¿Y no será porque un pueblo inculto es más manipulable y eso interesa más a los políticos que un pueblo más informado y crítico?

—Desgraciamente es así. Un elector menos crítico les va mejor. Me da envidia sana el respeto a la cultura en los gramdes países centro europeos.

M. DE LA FUENTE / ABC Madrid / 30.09.2011

Parece que el hábito de la crisis no hace al monje de la cultura. Así se desprende de la Encuesta sobre Prácticas Culturales 2010-2011 que ha elaborado el Ministerio de Cultura. Con anterioridad se redactó en el periodo 2006-2007. No es que hayamos dejado de irnos de cañas para jugarnos la vida por los libros y la pintura, pero estamos manteniendo el tipo a pesar de tener los bolsillos vacíos y las cuentas no ya corrientes, sino tirando a vulgares.

A pesar de las penurias, se observa, por ejemplo, un crecimiento en cuanto a asistencia a exposiciones, archivos, yacimientos y monumentos. El ballet y la danza también prosperan entre nuestros gustos, mientras que el teatro, la ópera, la zarzuela y los conciertos descienden ligeramente. Según Cultura, de ello se desprendería que “la crisis económica no ha repercutido en los hábitos de consumo de cultura de los españoles”.

En cuanto al propio procedimiento de la encuesta también hay algunas novedades. Así, en el sector de la lectura, por vez primera se ha investigado el formato que usa el lector español. En concreto, el 58,3 por ciento de nuestros compatriotas utilizó libros en soporte papel y el 6,5 libros en soporte digital. Incluso, hay un 4,1 por ciento de valientes que asegura que lee directamente en Internet. Y ya que pasamos por la red, conviene subrayar que más de un 20 por ciento de las entradas se adquieren por esa vía, cuyo uso para oír la radio, ver la televisión o vídeos se sitúa aún en cifras bajas: el 8,4, el 5,9 y el 6,8 por ciento respectivamente. Y si nos ponemos lúdicos, un 13,7 por ciento de nuestros paisanos se divierten con videojuegos, cifra que, evidentemente, aumenta en el segmento de población más joven.

Si vamos directamente a las cifras, el 84,4 por ciento escucha música; el 58,7 lee, y el 49,1 va al cine. A continuación se sitúan las visitas a monumentos (39,5 por ciento); la asistencia a museos (30,6) o exposiciones (25,7) y a conciertos de música popular (25,9). Asisten a bibliotecas (el 20,5 por ciento de españolitos); al teatro (el 19,0); a yacimientos arqueológicos (el 13,9); a galerías de arte, (13,6); a conciertos de música clásica (el 7,7); a la danza (el 6,1); a la ópera (el 2,6); a la zarzuela, (el 1,6).

Igualmente, la encuesta ofrece datos elocuentes sobre las actividades artísticas que practican los españoles, de manera que podemos saber que se dedican habitualmente a la fotografía un 29,1 por ciento de los ciudadanos, en tanto que a la pintura o el dibujo lo hace un 13,2. Vocación de escritor la tiene el 7,1 por ciento de los españoles que asegura que escribe con regularidad, en tanto que en lo que refiere a artes musicales un 8 por ciento toca algún instrumento y el 2,4 canta en un coro. Mutis por el foro lo hacen el 2,1 por ciento de los españoles que se dedican al teatro. El 3,9 hace lo propio con el ballet o la danza.

Evidentemente, las nuevas tecnologías han irrumpido con fuerza en este el mundo cultural. Un 22,8 por ciento de los españoles escucha música por ordenador, un 55,2 tiene móvil con reproductor de música, y un 25,2 utiliza el ordenador o aparatos conectados al ordenador para ver vídeos. En lo que se refiere a la compra de productos sujetos a propiedad intelectual los datos también son relevantes. La mayoría de quienes compran libros (34,9 cada trimestre) lo hace en establecimientos, y la descarga gratuita por Internet o las fotocopias, solo son practicadas por el 0,6 por ciento de la población. Igualmente, el 11,7 por ciento de los encuestados ha realizado compras de música grabada en el último trimestre, la mayor parte en una tienda del ramo. En ese mismo periodo de un trimestre, el 17,7 por ciento de los españoles se descarga música gratuita en Internet.

Por último, parece que el futuro no es tan negro como se pinta en cuanto a nuestros hábitos culturales, ya que, siempre según la encuesta de Cultura, “los jóvenes presentan las tasas de participación cultural más altas prácticamente en todos los ámbitos: visitan más museos, monumentos, etc.; asisten más a espectáculos escénicos o musicales, leen más, van más a bibliotecas, compran más; realizan más prácticas culturales activas”. Que cunda el ejemplo.

Ismael G. Cabral / El Correo de Andalucia / 01.10.2011

Puede que Cirklas, el Museo del Circo, que por tercera temporada -cierra en verano- ha abierto sus puertas en Umbrete sea un lugar modesto. Es posible incluso que hasta la palabra museo, tan solemne ella, le quede un poco grande. Louvres, Prados y Bellas Artes aparte, este es un espacio en el que la expectación se mezcla con la alegría y la risa. Y no creemos que nadie se lo haya pasado bomba admirando Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya. Por eso y por otro buen puñado de razones -como lo pintoresco del lugar- Cirklas bien merece una visita.

“Llevamos 18 años trabajando para los niños”, asegura su máxima responsable, Lola Barrera, presentando las principales credenciales de una vida -la suya y la de su familia- ligada a los más pequeños a través de la pionera compañía Imagínate y, ahora también de este contenedor que resume, actualiza y vivifica las constantes vitales del mundo del circo.
Hace unos años tomarle la tensión al género daba para poco alborozo. Parecía un enfermo en franca recaída, “la gente ya no se identifica con un espectáculo que parecía tener algo de caduco”. Menos mal que, rápidamente, el Circo del Sol y otras tantas compañías más modestas comenzaron a limpiarle el polvo y a presentar esto como lo que es, “otra forma de cultura”.

“En el siglo XXI el circo ha vuelto a sus orígenes, a ser un lugar interactivo donde cualquier cosa es posible y en el que los niños y los que no lo son tanto vienen con una expectación altísima de probar cosas nuevas”, dice Lola Barrera al respecto del objeto de sus desvelos.

Porque en Cirklas hay no demasiado que mirar y mucho donde participar. “Lo que más espera un niño cuando viene es pasárselo bien y demostrarse a sí mismo que es capaz de hacer cosas que ni imaginaba”, explica. Y aquí, en el escenario, a todo el mundo -pequeños, papás, maestros- se le da la oportunidad de probar su pericia con los malabares o hacer sus primeros pinitos en el alambre.

“Somos una sala de actividades, de espectáculos, antes que un lugar estático, el circo no podría entenderse si no hay acción”, dice. Y vaya si la hay. Basta contemplar el aforo cualquier día de función para verificar que aquí el que no se lo pasa pipa es porque no quiere. Ojo, no hay fieras, ni falta que hace, porque en Cirklas como en tantas y tantas otras compañías actuales están convencidos de que los animales tienen su sitio en la selva, no en una jaula o cruzando un aro en llamas. “Poco a poco la gente va cambiando la mentalidad y demandando otro tipo de show”. Porque el circo también evoluciona, “aunque la esencia permanece”.

Rondan por estos 260 metros cuadrados trapecistas, payasos y buena parte de la prole que ha hecho de estos recintos un lugar parcialmente tocado por la magia. Una vez abierto el telón, todo puede suceder. “Pero lo mejor es comprobarlo”. Y como los buenos tesoros, este está un poquito escondido, siga la pista de la A-49.

DE UTILIDAD

Qué: Cirklas, el Museo del Circo.
Dónde: Se encuentra en Umbrete, en la calle Dolores Ibárruri, 7.
Cuándo: El centro está orientado a la visita de grupos escolares. Pero si es particular también puede concertar una cita para acudir a través del e-mail cirklas@cirklas.com.
Para quienes: Fundamentalmente para niños entre 3 y 12 años (las funciones y presentaciones se adaptan según el rango de edad de los visitantes). Pero también hay padres y profesores que se lo pasan igualmente bien cuando acompañan a los peques.
Más información: En Cirklas podrá conocer la historia de un espectáculo que se remonta al legado cultural dejado por algunas de las civilizaciones más antiguas de la Humanidad, desde el Lejano Oriente (China, Mongolia, India) hasta Occidente (Grecia, Roma, Egipto). La parte didáctica se combina con la magia que siempre rodea al circo. Diversión, risas y conocimiento son los tres ingredientes -que aseguran estár presentes los responsables de Cirklas- y que hacen del lugar un sitio multimedia donde se combinan distintas disciplinas para hacer más amena la inmersión total en un universo donde todo es posible.

Síndrome Clown llegan hoy al Lope con ‘Cineclown’, una obra en la que Anabella Hernández debuta con la compañía y en la que rinden un homenaje a la emoción del teatro, “que nunca será superada por la tecnología”l ‘Cineclown 3D’. Síndrome Clown. Desde hoy hasta el domingo (todas las funciones a las 20:30, excepto la del domingo, a las 19:30), en el Lope de Vega. Entradas de 3 a 18 euros.

Francisco Camero / El Diario de Sevilla / 29.09.2011

En Cineclown 3D las gafas que los espectadores recogen a la entrada son antifaces de cotillón y el asombroso relieve, el increíble dinamismo, lo ponen tres actores subidos en un escenario. Así de sencillo. Esta noche, después de 12 años curtiéndose en las salas independientes, la compañía local Síndrome Clown da “un salto importante” con su octava producción, que podrá verse hasta el domingo en el Teatro Lope de Vega.

Se trata de “un doble homenaje: al cine y al teatro”, explica Fernando Fabiani, director del montaje, interpretado por Práxedes Nieto y Víctor Carretero, los dos cómicos que han integrado siempre la sociedad, a los que se suma en esta ocasión, y con visos de continuidad, la actriz argentina afincada en Sevilla Anabella Hernández. “Nos ha aportado muchas cosas nuevas e interesantes. Y además para nosotros es un orgullo haber creado, tal como están las cosas, un puesto de trabajo en España. ¡Y además payasa!”, bromea Carretero.

El encargado de un cine antiguo y por descontadovenido a menos (Nieto), el empleado del ambigú (Carretero) y una limpiadora de la sala que aún sueña con llegar a ser actriz (Hernández) son los personajes enamorados de las películas, las pantallas grandes y los espacios a oscuras sobre los que pivota la obra. Desde El resplandor a Rocky, pasando por La tentación vive arriba, los tres recordarán y recrearán “escenas que todo el mundo ha podido ver”, y de todos los géneros, incluyendo el terror y la ciencia ficción, “pero dándoles siempre la vuelta y llevándolas a nuestro terreno”, explica Nieto.

Los gags se sucederán durante alrededor de hora y cuarto y la veterana compañía, que cierra con esta propuesta su llamada trilogía de las artes -después de Este circo no es normal y La prematura muerte de un viajante-, llega al histórico teatro con ganas de arrasar. “Si conseguimos que todo el Lope de Vega se ponga las gafitas [las falsas gafas 3D que repartirán a la entrada, en el vestíbulo, donde de hecho arrancará la función en medio de una exposición sobre imágenes y objetos emblemáticos relacionados con títulos célebres], yo creo que directamente paramos y nos vamos todos de fiesta”, bromea Carretero.

“Defendemos el cine y el teatro”, dice Fabiani, que vuelve sobre el apasionado discurso implícito (o no tanto) del espectáculo. “Los defendemos de la abrumadora tecnología que nos invade en los últimos tiempos. Pero el teatro va a estar siempre ahí, no va a morir nunca, de eso estoy seguro, porque la tecnología no va a poder superar nunca al teatro”, dice. “De hecho, un espectador de teatro es un auténtico privilegiado. Nosotros lo pensamos de verdad: ¿o es que no es un privilegiado alguien que ve algo único, irrepetible? Porque seguro que la noche siguiente al estreno no sale igual, seguro que Práxedes se equivoca en algún momento de la función”, apunta por su parte Carretero, arrancando de sus compañeros unas carcajadas, las mejores razones, estas últimas, por las que todos ellos, dicen, se dedican a esto.

La librería acoge mañana este acto, durante el cual leerán sus poemas varios de los autores

Tamara García / El Diario de Sevilla / 29.09.2011

No hay gaditano que no conozca su nombre. Desafortunadamente, no todos conocen el alcance de su vida y de su obra. Juan Alarcón y José Luis Gutiérrez Molina lo saben. Y no abandonan. No dejan su trabajo, que nace del profundo amor por ese alargado en el tiempo, enjuto y generoso perfil, y, una vez más, se ponen manos a la obra para difundir la figura de Fermín Salvochea. El político, el hombre, el poeta. Versos, esta vez le toca a los versos del más recordado alcalde de Cádiz. Los suyos y los de más de medio centenar de poetas que colaboran en el nuevo libro coordinado por estos dos guardianes de su nombre y su legado. 65 salvocheas, una obra que se presenta mañana a las 21:00 en la librería La Fuga de Sevilla, en el número 4 de la calle Conde de Torrejón.

“La idea surge cuando José Luis y yo nos ponemos a darle vueltas al aniversario de la muerte de Salvochea. Pero, esta vez, celebramos la vida, así hemos contado con 65 autores como un guiño a los 65 años que Fermín Salvochea vivió”, explica Juan Alarcón con la pasión que siempre jalona cada proyecto que enfrenta abanderado por el nombre del presidente del Cantón de Cádiz, de cuya muerte se cumplieron este martes 104 años. Una labor que comenzó en 2007 con la edición en castellano de Un anarquista entre la leyenda y la historia y que continuó en 2009 con 102 razones para recordar a Salvochea.

La pasada primavera los artífices del proyecto comenzaron a dar forma a 65 salvocheas con la colaboración de distintos autores escogidos “bien porque conocíamos su obra, su afinidad con los ideales de Salvochea y teniendo en cuenta también la distribución geográfica”, enumeran los coordinadores de un libro en el que participan escritores de toda España excepto del País Vasco. “No es una exclusión intencionada. Es porque no conocíamos a nadie de por allí y cuando ya nos pusimos en contacto con alguno era muy tarde”, argumentan.

Un conjunto de escritores en el que pesa más la procedencia gaditana (cerca de una treintena) y que van desde la primera línea (Gerard Brey, Antonio Hernández, Manuel Pérez-Casaux, Jesús Fernández Palacios, Rafael de Cózar, Juan José Téllez…) pasando por la actual generación que empuja fuerte (Luis García Gil, Alejandro Luque, Miguel Ángel García Argüez, David Franco Montiel…) a escritores más desconocidos.

Los poemas de estos autores, “cada uno con su estilo, muy diferente unos de otros”, aseveran, y que se centran en diferentes aspectos de la vida y la obra de Salvochea (también a través de poemas gráficos y prosa poética), componen “la parte central de un libro editado por Quorum que se puede dividir en tres partes”, cuentan.

En la primera, Gutiérrez Molina inserta una introducción al papel de la poesía como instrumento didáctico. “La poesía -explica- fue en aquel tiempo un elemento central de la vida popular andaluza y aún hoy lo es aunque no en un grado tan fuerte como en ese final del XIX y principios del XX”. Es el uso de la poesía que utilizaba Fermín Salvochea “pegada al terrero y a la transmisión popular”, dice. De hecho, la tercera parte de 65 salvocheas está formada por una buena muestra de los poemas del anarquista nacido en la plaza de las Viudas.

“INSOMNIO, Ne me Quitte pas el Sueño” de bricAbrac Teatro será el próximo Viernes 4 de Noviembre de 2011 en el XVI Festival de Teatro de Humor “El Perol”, en el Teatro Cerezo de Carmona, a las 21h30.

Más info aqui

M.J. Casal / El Correo de Andalucia / 26.09.2011

El PP advierte que el teatro Riberas del Guadaíra, que ha supuesto hasta la fecha un gasto de 479.000 euros, se clausura por falta de presupuesto.

Siete meses después de su inauguración, el nuevo auditorio Riberas del Guadaíra cierra sus puertas para no volverlas a abrir. Así lo aseguró ayer en un comunicado la portavoz del PP María del Carmen Rodríguez. La edil popular indicó también que previsiblemente estará cerrado en lo que resta de temporada, “ya que a día de hoy no existe programación”, según contestó el equipo socialista a la pregunta del Partido Popular al respecto.

En este sentido los populares reconocen que “no es de extrañar que con la crítica situación económica que padece el consistorio, se retrase su apertura lo máximo posible por el lastre que supone para las arcas públicas cada una de las actuaciones. Pero además indican que “hay que tener dinero no sólo para la construcción, sino también para el mantenimiento y su actividad”. “Como las cuentas no salen”, el Partido Popular ha propuesto al gobierno socialista la gestión del auditorio por parte de una empresa privada a través de un concurso público, ya que hasta la fecha, y sólo con cuatro meses de actividad, el edificio ha supuesto un gasto a los alcalareños de 479.000 euros.

Evidentemente el auditorio es un edificio de carácter social y como tal el Partido Popular, en palabras de su portavoz, María del Carmen R. Hornillo, no pretende obtener una rentabilidad económica, es por ello que el único objetivo que se pretende al ceder la gestión del mismo a una entidad especializada, es el de evitar costes innecesarios a la ciudad.

El teatro auditorio Riberas del Guadaíra fue inaugurado el pasado día 11 de febrero con el Ballet Nacional, desde entonces el recinto ha albergado importantes espectáculos como el musical como Mamma Mía, pasando por óperas como Tosca a actuaciones musicales de artistas como David Bustamante y Pastora Soler, entre otros muchos. El edificio, obra de los arquitectos César Portela, Julia Molino y Antonio Barrionuevo, cuenta con una extensión de 6.700 metros cuadrados distribuidos entre la sala principal y el edificio anexo para albergar conferencias, exposiciones, ruedas de prensa, salas de ensayo, cursos de formación, El aforo total es de 920 localidades.

Síntesis Producciones. Autor: Juan Alberto Salvatierra. Dirección: Javier Ossorio. Intérpretes: Asunción Sanz e Íñigo Núñez. Pianista: Michel Suárez. Escenografía: Rafael Jímenez. Iluminación: Ada Bonadey. Fondos sonoros: Michel Suárez. Vestuario: Isabel Arias/José A. Serrano.Peluquería: Manolo Cortés. Lugar: Sala La Fundición. Fecha: Viernes, 23 de septiembre. Aforo: Mitad

Cada día se hace más evidente la renovación que el espectáculo teatral está experimentando. Mientras otras artes, sobre todo las cinematográficas y las musicales, se transforman ante las nuevas tecnologías el teatro se hace más fuerte y vigoroso. Se experimenta y al mismo tiempo se adentra sin complejos en terrenos casi vedados en los últimos tiempos. Ayer asistíamos a una obra indudablemente de género como Drácula . Hoy, la sorpresa viene de Síntesis Producciones, que nos sumerge en una historia de espías que, como la anterior, pertenecía, casi obligadas, al mundo cinematográfico.

El teatro se deshace de sus ataduras liberándose al mismo tiempo que acoge en sus salas a todo tipo de públicos.

La historia de los espías en Algeciras que nos cuenta Juan Alberto Salvatierra -de nuevo se nota el buen pulso en su literatura- saca a la luz un mundo ajeno y al que sólo le poníamos el escenario.

Javier Ossorio y Salvatierra han creado una elegante comedia basada en tres puntales: el texto del algecireño que combina a partes iguales la intriga y el juego, incluido el inestimable juego de palabras que provocan los cambios de idiomas; la música en directo interpretada por Michel Suárez que convierte la obra en un delicioso recital de melodías reconocibles y amadas; y el inestimable trabajo de Asunción Sanz e Íñigo Núñez, que dan vida a cuatro personajes de dos épocas distintas y que demuestran una fantástica versatilidad en el uso de los idiomas y los acentos.

Algún día se hará justicia con el trabajo que desarrollan Síntesis Producciones y Javier Ossorio. Su decisión de llevar a escena autores contemporáneos es la mejor manera de demostrar su confianza y amor por el teatro y su continuidad.

La balada de los espías es teatro de género, alta comedia, teatro para todos los públicos.

La compañía Teatronomía vuelve a Madrid, los días 15 y 16 de octubre en la Sala Delicias con la obra ‘Aventuras de Lázaro de Tormes‘

LE MONDE / 19.09.11

Toute une vie avec La Douleur ? Depuis bientôt quatre ans, Dominique Blanc poursuit une aventure de théâtre hors normes avec le texte de Marguerite Duras : une aventure qui a de grandes chances de s’inscrire dans l’histoire du théâtre à l’égal de celle de Madeleine Renaud avec Oh les beaux jours, de Samuel Beckett.

Au fil des ans, la comédienne a emmené le spectacle, mis en scène par Patrice Chéreau et le chorégraphe Thierry Thieû Niang, partout en France, en Europe, et jusqu’au Japon et au Vietnam. Même émotion, partout.

Dominique Blanc se voit bien jouer La Douleur, qui lui a valu le Molière de la meilleure comédienne en 2010, toute sa vie. “Tant qu’on me le demandera, je le ferai”, dit-elle, dans l’écrin du Théâtre de l’Atelier, à Paris, où elle reprend le spectacle jusqu’à la mi-octobre.

Au départ, pourtant, il y a eu une simple lecture, que l’on a vue à Reims, en décembre 2007.

Patrice Chéreau, avec qui Dominique Blanc travaille depuis trente ans (la première fois, c’était dans Peer Gynt, d’Ibsen, en 1981), avait proposé à la comédienne de se lancer dans des lectures en duo, pour changer un peu des petites formes qu’il crée en solitaire depuis déjà plusieurs années.

Le très durassien Thierry Thieû Niang leur a proposé La Douleur, que ni l’un ni l’autre ne connaissaient. “J’ai eu un coup de foudre absolu pour le texte, qui a provoqué chez moi un véritable bouleversement physique, raconte la comédienne. Je me suis tellement reconnue dans cette phrase que Duras écrit au début de son livre :”La Douleur est une des choses les plus importantes de ma vie…”"

L’aventure a donc commencé avec un livre lui-même hors normes, à l’histoire mystérieuse. Marguerite Duras prétendait avoir retrouvé ce journal, qu’elle n’a publié qu’en 1985, par inadvertance, dans les armoires de sa maison de Neauphle-le-Château. “Je n’ai aucun souvenir de l’avoir écrit”, note-t-elle au début de La Douleur.

Elle y raconte, au moment de la Libération, en avril 1945, l’insupportable attente de son mari Robert Antelme, l’auteur de L’Espèce humaine, déporté en 1944 à Buchenwald puis à Dachau, et dont elle ne sait pas s’il est vivant ou mort. Puis son retour, véritable mort-vivant, et sa résurrection.

On sait aujourd’hui que Duras a extrait La Douleur de ses Cahiers de la guerre, qui ont eux-mêmes été publiés en 2006. Ces quatre petits cahiers recouverts d’une écriture serrée, Dominique Blanc est allée les consulter à l’Institut mémoires de l’édition contemporaine (IMEC), à Caen, où ils sont archivés. “Jean Vallier, le biographe de Marguerite Duras, pense qu’elle a écrit La Douleur en 1946-1947, en un troublant mélange entre réalité et fiction”, raconte la comédienne.

“Le récit du sauvetage par François Mitterrand (alors “Morland”, dans la Résistance) de Robert Antelme à Dachau a visiblement été “arrangé”, et reconstruit a posteriori, notamment lors du fameux entretien croisé Mitterrand-Duras à L’Autre Journal, en 1986. Mais tout ce qui concerne le retour d’Antelme, et la manière dont Marguerite l’a arraché à la mort, est vrai.”

La Douleur, donc, a d’abord été lue sur scène, par Dominique Blanc et Patrice Chéreau, ensemble, avant que la comédienne ne demande au metteur en scène d’en faire un vrai spectacle, où elle serait seule, “parce que c’est vraiment l’histoire d’une solitude”. “Ce qui me pèse souvent, dans ce métier de comédienne, c’est la manière dont on dépend du désir des autres”, explique-t-elle. “Pour échapper à cette passivité, j’avais depuis un bon moment déjà l’idée d’un spectacle en solo, avec lequel je pourrais voyager longtemps, reposant sur un texte fort dont je ne me lasserais pas. La Douleur a été l’occasion rêvée.”

Restait à faire de ce texte au statut étrange un objet de théâtre, ce qu’il est devenu en novembre 2008, à Girone, en Espagne, où le spectacle a été créé. “Il n’était pas question d’incarner Marguerite Duras, ni de centrer le spectacle sur sa vie, mais d’aller vers la dimension beaucoup plus universelle du récit”, analyse l’actrice. “Patrice Chéreau, dans son adaptation, a coupé beaucoup de ce qui concerne la vie privée de Marguerite – le fait qu’elle était déjà avec Dionys Mascolo à l’époque, par exemple. Il a aussi mis en avant la force de vie inouïe de cette femme, son combat, sa façon d’aller vers la lumière en dépassant la douleur et la peur. Il s’agissait notamment de faire oublier le personnage que Duras s’est construit à la fin de sa vie, qui atant brouillé la réception de son oeuvre.”

A rebours des productions classiques, Dominique Blanc, Patrice Chéreau et Thierry Thieû Niang ont travaillé seuls, avec le petit coup de pouce financier d’une société de production privée, Les Visiteurs du soir. Cette Douleur, en filigrane, “s’est aussi bâtie sur nos histoires à nous”, constate la comédienne.

Lors des premières improvisations avec Chéreau, elle est venue avec ses propres vêtements, une jupe, un corsage et des chaussures intemporels, qui jettent un pont entre les années 1940 et aujourd’hui. Ils sont restés dans le spectacle. Lors des répétitions dans l’appartement de Patrice Chéreau, le metteur en scène lui a fabriqué un porte-clés : “Je n’en connais pas tous les secrets”, s’amuse Dominique Blanc. “Mais je sais qu’il y a glissé les clés du Théâtre de Sartrouville, où il a débuté…” Thierry Thieû Niang, qui est d’origine vietnamienne, a sa propre relation avec Duras, et les folies de l’Histoire.

Dans sa loge, où qu’elle soit, Dominique Blanc a toujours avec elle les Cahiers de la guerre de Duras, L’Espèce humaine de Robert Antelme et La Libération des camps de Christian Bernadac. “On est tous comptables de cette histoire-là, fait-elle observer. Toutes les familles françaises ont encore dans leur chair les répliques de ce séisme.”

Le soir de la première du spectacle, Janine Berdin, qui fut sa première professeure d’art dramatique, quand elle était jeune fille, à Lyon, est venue la voir : “Elle m’a rappelé que le premier texte qu’elle m’avait fait travailler était Le Journal d’Anne Franck”, souffle Dominique Blanc, songeuse.

Elle a joué au pied du mont Fuji – “trois jours avant Fukushima…” -, au théâtre Dramaten de Stockholm, “dans la petite salle qui servait de laboratoire à Ingmar Bergman”, à Porto Alegre, à Châteauroux, à Boulazac ou à Limoges. Mais là, après Paris et Bruxelles, elle va arrêter quelques mois, pour d’autres projets, au théâtre et au cinéma.

“Même si le spectacle, comme le texte de Duras, tient le tragique et le pathos à distance, je ne peux pas le jouer tout le temps : c’est un engagement énorme, sur tous les plans. Quand je suis dedans, je ne peux rien faire d’autre. Pas question de baguenauder. Mon entourage trouve que ça déborde un peu trop…”

Une pause, donc. Mais après, elle reprendra le voyage. “Je me vois très bien, vieille dame sur les routes, avec La Douleur pour viatique.”

El Correo de Andalucia / 19.09.2011

El XXI Ciclo El Teatro y la Escuela llevará al Teatro Alameda un programa de teatro de calidad para el público infantil y juvenil, que ofrecerá 20 espectáculos desde el 5 octubre de 2011 al 18 de marzo de 2012, con el objetivo de “generar públicos desde la infancia hasta las edades adultas, y que no tengamos festivales estancados sólo dirigidos a un tipo de población por edades”.

Así lo expresó ayer la delegada de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla, María del Mar Sánchez Estrella, durante la presentación de este ciclo, en el que intervendrán 19 compañías de muy diversa procedencia: Italia, Líbano, Cataluña, Madrid, Comunidad Valenciana, Castilla La Mancha y Andalucía -cuatro de ellas sevillanas-, que ofrecerán 138 representaciones -118 funciones escolares y 20 para público familiar- de 20 espectáculos diferentes, y a las que se estiman que acudirán 45.000 espectadores.

El ciclo lo abrirá la Compañía de Laura Vital, del 5 al 9 octubre, con su Flamenco School Musical,_en la que una profesora enseña a sus revoltosos alumnos a través del flamenco.

Búho & maravillas llegarán del 13 al 16 de octubre con El mago de Oz, en la que teatro de títeres y flamenco se dan la mano.

Del 19 al 23 de octubre Uroc Teatro representará Cyrano de Nueva Orleans, un hombre enamorado de la música, de la vida y del verso, pero sobre todo de Roxana. Humor y jazz se dan la mano en esta obra.

La Barroca actuará del 26 al 30 de este mes, con Mozart !!… y la flauta mágica.

La compañía P.T.V. Clowns representará Enamorirse, del 2 al 6 de noviembre. Se trata de una nueva aventura de la payasa Hula y el payaso Piojo que, de nuevo en la escuela de la Seño, se enfrentarán a un exigente reto: representar la trágica historia de amor de Píramo y Tisbe, a partir de El sueño de una noche de verano de Shakespeare.

Da.Te Danza pondrá en escena Río de luna, del 9 al 13 de noviembre. Esta obra recibió el Premio Especial del Jurado al Mejor Espectáculo de Danza en FETEN 2011 de Gijón.

Del 16 al 20 de noviembre le llega el turno a Lasal Teatro con Soy solo, que reflexiona sobre la soledad.

Teatro Necessario representará Nueva Barbería Carloni, del 23 al 27. Se trata de una historia entre el surrealismo y lo absurdo que transcurre en una peluquería.

Pa Sucat llegará del 30 de noviembre al 4 de diciembre con Maravillas de oriente, primer premio del I Concurso de Juglares de la Leyenda de St. Jordi de Montblanc. Un juglar musulmán, experto romancero, y un soldado recién llegado de las Cruzadas, noble caballero venido a menos, han traído de las tierras de Oriente el arte de manipular títeres.

Del 14 al 18 Ara Malikian Ensemble representará Cuentos del mundo, la historia de un hombre feliz, un nuevo espectáculo de Ara Malikian que busca inculcar el amor y el gusto por la música de los más pequeños. Y de los grandes también.

Esto es sólo el arranque de una programación que llega a marzo de 2012. El gasto aproximado del ciclo es de unos 249.546 euros, al que se hará frente con los ingresos que se conseguirán por taquilla, 179.432 euros, más el gasto asumido por el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla (ICAS) que es de 70.114 euros. En este sentido, la delegada constató “el esfuerzo del Instituto que, a pesar de las estrecheces a las que obliga la crisis económica que sufrimos a nivel mundial, mantiene un año más el grado de calidad que caracteriza a las programaciones del Teatro Alameda”.

Como novedades “destacadas” de la presente edición está la vuelta al Teatro Alameda de la Orquesta Barroca de Sevilla que, tras el éxito obtenido en las dos ediciones precedentes, lo hace con un nuevo concierto para escolares. Habrá también flamenco para los pequeños, con los espectáculos de Laura Vital y Búho y Maravillas.

Y como en años anteriores, estará presente el Mes de Danza, que colabora con el ciclo con el mencionado Río de luna.

Como en ediciones precedentes, las funciones matinales para grupos de escolares en horario lectivo se complementan con representaciones familiares en las tardes de los domingos.

Desde su puesta en marcha en 1991, este ciclo ha ofrecido 289 espectáculos, con un total de 2.358 representaciones que han disfrutado 776.105 espectadores.

Las funciones escolares tienen un precio de cuatro euros, mientras que las familiares cuestan cuatros euros para los niños y siete euros, adultos. Los abonos de tres espectáculos suponen un diez por ciento de descuento, el del primer trimestre un 15 por ciento, y el del ciclo completo, un 20 por ciento. No obstante, están fuera de abono el espectáculo de la Orquesta Barroca de Sevilla y el espectáculo del Mes de Danza.

El centro de la calle Torneo acoge una nueva sesión de los encuentros ‘#Redada’
R. C. / El Diario de Sevilla / 20.09.2011

El centro I+CAS (Torneo, 18) acoge hoy a las 19:30 un foro de debate sobre Cultura y derechos de autor: más allá de los modelos de gestión. Moderado por Susana Serrano, e integrado en la iniciativa #Redada -que desde su primera convocatoria el año pasado en Madrid se dedica a analizar el impacto de los cambios tecnológicos en la sociedad contemporánea-, el encuentro contará con una mesa de invitados compuesta por el abogado y especialista en propiedad intelectual David Bravo, Antonio Delgado, Olga Beca (El Rancho), Pedro Jiménez (Zemos98), Miriam Blanch (Tension Co.) y el periodista de Diario de Sevilla Blas Fernández.

No sabes que hacer este otoño-invierno? No sabes coser ni un boton, y te cojes los bajos de los pantalones con grapas!! Te gustaria saber como hacerte una falda, una blusa…….Algo para regalar a los Amig@s!!!

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RECITAL POÉTICO de Nerea Riesco

Ediciones En huida, sello especializado en poesía y cuento, convoca este recital de Nerea Riesco, autora de la obra poética Desnuda y en lo oscuro, que será acompañada por la poeta Ana Atalaya, componente de la Asociación Fahrenheit 451, Las Personas Libro de Sevilla

Se desarrollará hoy, día 16 de septiembre, a partir de las 20h30, en la librería Un gato en bicicleta, C/ Regina 8A, Sevilla.

Una obra que auna la voz cálida y fértil de la autora y las hermosísimas ilustraciones de Juan Antonio Flores Navarro. Partierndo de los versos del poeta Mario Benedetti, que da título a la obra, Nerea nos habla de la intimidad y erotismo femenino desde el gusto exquisito y refinado de su palabra poética en un canto que cautiva, embelesa y enamora.

Productores privados e instituciones públicas dan el pistoletazo de salida a la temporad

JULIO BRAVO / ABC MADRID / 15.09.2011

«En los momentos de crisis, sólo la imaginacion es más importante que el conocimiento». Fue Albert Einstein quien pronunció esta frase, citada ayer por Alicia Moreno, delegada de las Artes del Ayuntamiento de Madrid, en la presentación de la temporada escénica madrileña.

Un año más, el sector teatral privado y las instituciones públicas —Ministerio de Cultura, Comunidad de Madrid y Ayuntamiento de la capital— escenificaron su unión para dar el pistoletazo oficial de salida de una temporada cuyo lema es: «Que vuele la imaginación, ven al teatro». El acto, celebrado en el teatro Lara y con la escenografía de la obra «Venecia bajo la nieve» como fondo, contó con la introducción del actor Paco León. Jesús Cimarro, en representación de las asociaciones profesionales del sector, apeló también a esa palabra como remedio: «No hay crisis que detenga la extraordinaria imaginación de nuestros creadores y el esfuerzo de todas las compañías».

Tanto Cimarro como los representantes públicos —Alicia Moreno (Ayuntamiento), Ignacio González (Comunidad) y Félix Palomero (Cultura)— insistieron en la necesidad de que los sectores público y privado colaboren; Cimarro abogó por que el Gobierno que surja de las urnas el 20-N mejore la ley del mecenazgo, mientras que Palomero aseguraba que las dificultades de contratación por parte de los Ayuntamientos y las deudas de estos con el sector proviene no sólo de la crisis, sino también de una excesiva dependencia de las Administraciones y de la permanencia de un modelo que relaciona la cultura con la fiesta y la gratuidad. Alicia Moreno presumió de que la asistencia a los teatros municipales se había duplicado desde 2003, e Ignacio González aseguró que la oferta cultural de Madrid, de primer orden, es básica para que el turismo sea uno de los sectores que se mantenga.

Un buen número de actores y profesionales de la escena, con caras conocidas como José María Pou, Charo López, Remedios Cervantes, Pastora Vega, Gemma Cuervo, Rosario Pardo o Javier Gurruchaga, estuvieron presentes en el acto, una buena ocasión para el encuentro de las gentes del teatro.

José Gallego Espina / El Correo de Andalucia / 14.09.2011

En total se podrá disfrutar de 74 espectáculos de los que se desarrollarán 144 funciones, con precios “un poco más elevados”.

Harold Pinter, Maximo Gorki, Valle-Inclán, Camus o Edgar Allan Poe son algunos de los autores cuyas obras serán versionadas sobre las tablas del Central en esta temporada 2011-2012, en la que este espacio consagrado a la vanguardia y las nuevas tendencias escénicas se abrirá, aún más, a propuestas de países emergentes, en lo que a creatividad dramática se refiere. El teatro dependiente de la Consejería de Cultura en la ciudad de Sevilla beberá este año de producciones venideras del Mediterráneo, Iberoamérica y África, que se suman a las compañías internacionales ya fijas en el cartel del Central.

La programación, que arrancará el 8 de octubre con el concierto de la banda británica Kitty Daisy & Lewis -que presentará su nuevo disco Smoking in Heaven-, ofrecerá este año diez producciones nunca antes vistas en España. Por un lado, los dos estrenos absolutos del Centro Andaluz de Teatro (CAT), otros cinco estrenos nacionales y otros tres compartidos con otras ciudades.

La primera de la producciones de la compañía pública andaluza, con Carlos Álvarez-Novoa, llegará el 14 de octubre, y se trata de La noche de Max Estrella, una relectura de Luces de Bohemia, de Valle-Inclán, realizada por el director del CAT, Francisco Ortuño.

Ya en enero de 2012 se estrenará la segunda, Estado de sitio, de Albert Camus, una obra que se fija en el Mediterráneo como cura para los males del espíritu de Occidente. José Luis Castro dirige la representación y regresa así a los escenarios sevillanos. Ayer en la presentación de la programación, el director del Central, Manuel Llanes, y el consejero de Cultura, Paulino Plata, destacaron alguna de las propuestas, como Desaparecer, espectáculo basado en textos de Allan_Poe, interpretados por Juan_Echanove, que llegará a escena el 28 y 29 de octubre.

Desde México llegará el 29 y 30 de octubre Lagartijas tiradas al sol, que representará El rumor del incendio. Uno de los habituales del Central, Teatro de la Abadía vuelve con tres producciones: Veraneantes, el 17 y 18 de diciembre, sobre un texto de Máximo Gorki; En la luna, el 20 y 21 de enero, con texto y dirección de Alfredo_Sanzol, y Grooming, el 16 y 17 de marzo, dirigida por José Luis Gómez, con texto de Paco Becerra, Permio Nacional de Literatura Dramática 2009.

Animalario también presentará su nuevo espectáculo El Montaplatos, sobre un texto del Nobel Harold Pinter, que interpretarán Guillermo Toledo y Alberto Sanjuán, el 13 y 14 de abril.

Y El Velador llegará el 10 y 11 de marzo Augusto, con dirección de Juan_Dolores Caballero.

La producción andaluza tendrá también presencia esta temporada con el estreno absoluto de la nueva producción de danza de Juan Luis Matilla y la compañía MOPA, Mala suerte o Falta de talento, que podrá verse en la Sala B el 21 y 22 de octubre.

Asimismo, los granadinos Histrión Teatro presentarán Traición, también de Harold Pinter, el 11 y 12 de febrero.

En el apartado de danza internacional, estarán presentes la compañía canadiense La La La Human Steps, la británica Random Dance o los argelinos de Abu Lagraa, coreógrafo que llega de la mano del novísimo Ballet Contemporáneo de Argel.

Además, el Central será sede este año del Mes de Danza, durante noviembre, y recibirá el 24 y 25 de febrero a la compañía de Israel_Galván con su espectáculo La Curva.

La Tarasca pondrá en escena un montaje de danza para la familia, de 20 a 23 de diciembre: Amnesia, 13 negritos.

Como novedad, y para crear nuevos públicos, el teatro organizará dos ciclos musicales y escénicos dirigidos a escolares. Por un lado, Kids Rock, un programa en el que artistas de la talla de Christina Rosenvinge adaptarán su repertorio a la música infantil.

Por otro, La noche de los tiempos, una serie de cuentacuentos interpretados por Fernando Masilla y Amparo Marín, que contarán con música en directo de pinchadiscos.

El Ciclo de Jazz continúa en noviembre contando nuevamente con la actuación conjunta de Dave Holland y Pepe Habichuela en su espectáculo Hands, una colaboración que arrancó en 2007 en el Central y que supuso la entrada de Holland en el flamenco.

El cantante Albert Pla presentará el 18 y 19 de noviembre Somiatruites, una creación que combina teatro, música y títeres.

En total, el Central ofrecerá 74 espectáculos de los que se desarrollarán 144 funciones. Para elaborar esta programación, así como la de los teatros Cánovas y Alhambra de Málaga y_Granada, respectivamente, la Junta ha invertido 2,5 millones de euros. Y los precios de entradas y abono han subido una media de dos euros por obra.

«Metamorfosis en el cielo» es el tercer libro del particular universo creado por el francés

INÉS MARTÍN RODRIGO / ABC de Sevilla / 14.09.2011

El universo literario de Mathias Malzieu es mágico y real al tiempo. El escritor francés ha logrado construir un mundo lleno de fantásticos personajes que sienten amor, sufren enfermedades y se enfrentan a la muerte. Si sus dos libros anteriores, «La mecánica del corazón» (con el que logró vender en España 350.000 ejemplares y que será llevado al cine por Luc Besson) y «La alargada sombra del amor» (basado en la muerte de su madre), le convirtieron en un extraño híbrido literario a medio camino entre Tim Burton y Roald Dahl, con «Metamorfosis en el cielo» se confirma como creador de historias con carácter propio… y qué carácter.

En su tercera novela, que Mondadori publica ahora en España, el francés se atreve a darle una vuelta de tuerca al mito fáustico con la historia de Tom «Hematoma» Cloudman, un joven que sueña con volar, pese a ser el peor acróbata del mundo. Para hacer realidad su sueño (y de paso salvar su vida) tendrá que someterse a la mayor de las metamorfosis, la del amor. «Es un personaje que tiene sueños demasiado ambiciosos. Pese a ser realista y saber que hay una distancia enorme entre sus aspiraciones y la realidad, no ceja en su empeño», explica Malzieu sobre su protagonista. Un personaje que, como el escritor reconoce, «es una versión exagerada de mí. Lo mezclo con Buster Keaton y Charlie Chaplin y puedo hacer realidad mis sueños. Es la magia de los libros». No obstante, Mathias Malzieu ha vivido de cerca el cáncer que padece «Hematoma» Cloudman, ya que tuvo que afrontar la hospitalización de un ser querido. «Me replanteé muchas cosas y me rebelé contra esa inmovilidad, ese aburrimiento para el que parece no haber solución. Quería que la solución fuera posible pero que, para ello, hubiera que pagar un precio. Sobre todo es el relato de una liberación», cuenta Malzieu.

Y es que, pese a ser «melancólico y frágil», el francés se describe también como una «persona alegre convencida» y cree que «el ánimo puede cambiar muchas cosas». Según Malzieu, «cuando uno tiene un sueño, ve la luz al final del túnel y puede llegar a salvarse. En el libro he querido trabajar con esa luz para que tuviera una épica más enloquecida». En ese equilibrio entre la fragilidad y la vitalidad es donde se siente más cómodo Malzieu, pues «si ignorara por completo mi parte más sombría no estaría siendo sincero, pero si no me inventara cosas me deprimiría tanto que no podría hacer nada».

La «chispa» que Mathias Malzieu necesita para «existir» surge de esa dualidad y el francés la refleja en sus libros y sus canciones, pues es vocalista del grupo Dionysos. Aunque no escucha música mientras escribe, el libro tiene su propia banda sonora y en él suena «rock and roll, Johnny Cash, Elvis Presley y cosas muy físicas que generen júbilo». Es la literatura de autoayuda según Malzieu.

Dicen que los periodos de vicisitudes económicas son momentos de auge para la creatividad y la producción artística, aunque generalmente los efectos positivos de estas coyunturas se aprecian pasados los años. Aquí, por el momento, el único ingenio que se está observando desde las filas culturales es el que gastan las administraciones -con independencia de su color político- a la hora de presentar los enormes recortes que están aplicando a programas, festivales e instituciones ya consolidadas, siempre con el argumento de que la situación actual obliga a recurrir a la tijera.

El pasado martes, el presidente de la Junta de Andalucía, José Antonio Griñán, presentaba por todo lo alto, en una gala en el Teatro Central, culTUra , la nueva marca de la consejería del ramo. Todo un despliegue de medios, con varias proyecciones, 400 invitados relacionados con el sector e incluso presentadores para lanzar un mensaje sobre la relevancia que tiene la cultura para el Ejecutivo autonómico. La ceremonia sirvió para la puesta de largo de una nueva estrategia de comunicación y para anunciar una página web que aún no funciona y que servirá para publicitar la agenda cultural de la región y para poner en contacto a los profesionales del gremio.

Pero tras este solemne acto, la realidad cultural de la región, al igual que la de Sevilla, vive momentos duros. La crisis parece haber llegado para quedarse en los departamentos que gestionan Cultura en las administraciones y si 2011 está siendo profuso en recortes, los responsables de la Junta y el Ayuntamiento ya adelantan que 2012 será aún peor.

Tanto el Consistorio de Sevilla como la Consejería de Cultura están ajustándose el cinturón, lo que ya están notando tanto los programas culturales, como los artistas -que ven escasear el trabajo- e, incluso, las instituciones que se daban por consolidadas y que actualmente están siendo redefinidas, si no directamente eliminadas.

En el plano puramente municipal, a los numerosos recortes que asestó el anterior equipo de gobierno durante 2010 y principios de 2011, se suman los que ahora está llevando a cabo la nueva delegada del ramo,_María del Mar Sánchez Estrella, con el argumento del mal estado de las cuentas heredadas.

De momento, se ha cancelado el ciclo Alamedeando, un amplio programa de actividades que se desarrollaba en la Alameda de Hércules y que contaba con una subvención de 20.000 euros, suprimida. Desde que se creó en 2008, se desarrollaron tres ediciones por las que pasaron más de 500 artistas, con 350 actividades gratuitas en 100 espacios implicados y en las que participaron más de 50.000 asistentes, según la organización.

La reducción de gastos ha obligado también ha obligado a condensar en dos días el Festival de Perfopoesía, que solía durar una semana. En este caso, el Consistorio le ha retirado una ayuda de 40.000 euros prevista para 2011, pese a lo que la organización sacará la edición adelante tirando de la “buena voluntad” de los poetas.

Pero la tijera también ha alcanzado a una de las grandes citas anuales de la cultura sevillana, el Festival de Cine Europeo. La octava edición del certamen, que se celebrará del 4 al 11 de noviembre, contará con una subvención directa del ICAS de 700.000 euros, un 41,6% menos que en 2010, aunque se aspira a que el presupuesto total ronde los 1.200.000 euros, mediante subvenciones del Ministerio de Cultura, del programa Media de la Unión Europea y de patrocinadores privados.

Para afrontar esta brutal rebaja, el festival durará un día menos que otros años y reducirá sus premios un 20% de media, según informó la Andalucía Film Commission, que organiza la cita para el Ayuntamiento.

La Bienal de Flamenco, que no se celebra hasta 2012, no se ha visto afectada en su presupuesto de momento, si bien se han recortado costes de personal, contratando a una directora que no estará en plantilla indefinidamente, sino que ejercerá su labor durante unas fechas concretas y para una edición, lo que supone un cambio de modelo con respecto a las tres décadas que suma ya este certamen.

La lista de recortes sería interminable si se incluyeran los que ya se aplicaron a principios de este año, recortando un 20% de media las aportaciones municipales a todas las actividades sustentadas por parte del_Ayuntamiento.

Y esto sin contar con el inédito cierre “por vacaciones” durante agosto de los dos principales espacios culturales dependientes del Consistorio, los monasterios de Santa Clara y_San Clemente -sede del_Centro de las Artes de Sevilla-.

Otra reducción presupuestaria ha sido la causante de que el proyecto para trasladar a Sevilla el_Archivo de Rafael_Cansinos Assens peligre . Si el anterior gobierno local prometió 90.000 euros al año para su fundación, con el apoyo del_PP, ahora la delegada ha limitado a 25.000 euros esta ayuda.

Y a todo esto habría que sumarle los impagos de subvenciones concedidas en 2010 a las salas de teatro -un total de 200.000 euros- y de contratos a compañías de artes escénicas, que arrastran deudas desde hace meses.

Lanzar una mirada a la otra gran administración, la Junta, tampoco invita al optimismo, aunque todavía el ciudadano no ha percibido tan directamente los recortes aplicados por la_Consejería de Cultura, ya que estos están afectando más al modelo de gestión. Desde la llegada de Paulino Plata a la Consejería de Cultura con la encomienda de reducir el gasto de este departamento, las rebajas han sido continuadas.

La primera, el cierre del Espacio Iniciart e, ubicado en la desacralizada iglesia de Santa Lucía, ahora convertida en un almacén. A pesar de los intentos por mostrar que el programa de apoyo al arte emergente continuaba en la sala Santa Inés, lo cierto es que el espíritu de este proyecto ha quedado relegado a lo anecdótico. De hecho, la Junta llegó a ofrecer esta sala a Mariano Bellver para que albergue temporalmente su colección de arte.

También se descartó el proyecto ya aprobado para convertir la Casa Murillo en un museo, con la idea de ahorrar costes usándola como sede administrativa.

Luego vino una oleada de replanteamientos conceptuales. El Centro Andaluz de Danza, la Orquesta Joven de Andalucía o el Ballet Flamenco han dejado de tener director, para depender de unos consejos de asesores, que no cobran y se reúnen varias veces al año para tomar decisiones sobre el futuro de estas instituciones.

El caso más llamativo ha sido el del Ballet Flamenco , que ha pasado de ser una compañía pública de danza a una convocatoria de subvenciones para producir propuestas de espectáculos de compañías privadas. Ni director ni cuerpo de baile, sólo espectáculos.

Y es que en el campo del flamenco, la bajada de la inversión de todas las administraciones ha sido enorme, llegando a cancelarse numerosos festivales municipales, como el de Tomares, con décadas de historia. Esto ha motivado que las contrataciones hayan caído hasta el punto de que los propios artistas, algunos de la talla de Pansequito, Calixto Sánchez, José de la Tomasa o Aurora Vargas, se han plantado y convocado manifestaciones para protestar por la política de reparto de contratos y ayuda de la Junta de Andalucía.

Y lejos de atisbarse una mejora, la situación irá a peor en 2012. Las administraciones ya preparan sus presupuestos para el próximo ejercicio y, a tenor de lo visto hasta el momento y lo que se anuncia desde los departamentos de Hacienda, todo parece indicar que la cultura va camino de quedarse en eso, en culTUra, una bonita marca con poco contenido.

LA BALADA DE LOS ESPÍAS (comedia con pianista y Gibraltar de fondo)

Autor Juan Alberto Salvatierra | Con Asunción Sanz, Íñigo Núñez y Michel Suárez | Dirección Javier Ossorio

En el mundo del espionaje, suelen ser difusas las fronteras. Incluso las de la realidad y la ficción. Hay mucha realidad en lo que se imagina y mucha imaginación en lo que es real.

Juan José Téllez GIBRALTAR EN EL TIEMPO DE LOS ESPÍAS.

El piano-bar de un hotel en Algeciras como zona de juegos, cuatro personajes o lo que es lo mismo cuatro espías, dos historias similares solo que espaciadas en el tiempo y un pianista; estos son básicamente los elementos que planteamos en esta Comedia.

Una doble trama que nos paseará alternativamente desde el año 1944 en plena 2ª Guerra Mundial, al año 1982 en plena Guerra de las Malvinas entre Gran Bretaña y Argentina y con el Mundial de Fútbol celebrado en España como trasfondo de la historia.

Desde un humor cercano a la alta comedia, esta Balada nos descubre el fascinante mundo de la estrategia, del subterfugio y del engaño, de las medias verdades o medias mentiras, nos invita a participar en esta trama, nos invita en definitiva a descubrir ¡el fascinante mundo de los espías!

“INSOMNIO, Ne me Quitte pas el Sueño” de bricAbrac Teatro vuelve en Noviembre … muy pronto, más noticias ……….

Blas Fernández / El Diario de Sevilla / 08.09.2011

La vuelta a los escenarios del guitarrista flamenco Rafael Riqueni protagonizará el próximo jueves 15 la apertura de la temporada 2011-2012 en el Teatro Lope de Vega, que su director, Juan Víctor Rodríguez Yagüe, ha definido hoy como “abierta a todos los sectores de la ciudad”. Rodríguez Yagüe sustituye desde el pasado mes de julio al dramaturgo Antonio Álamo al frente del espacio escénico, plaza que ya rigió entre 1994 y 2004. Y avisa que la suya “no será sólo una dirección artística, sino también técnica y administrativa”.

“Estos diez años han sido como un lapsus -afirma-, cuando me senté a trabajar era como si lo hubiera dejado el día antes”. Sus palabras quedan corroboradas por la programación presentada, tanto en la oferta dramática -”no circunscrita al teatro de autor”, dice- como en la musical -repleta de viejos conocidos como Víctor Manuel y Ana Belén-. “Quiero recuperar a ese público que ya no venía al Lope de Vega o venía poco”, explica en lo que pudiera entenderse como una velada crítica a la línea emprendida por su antecesor.

Teatro

Las propuestas dramáticas arrancarán el próximo día 22 con la puesta en escena de Drácula, la novela de Bram Stoker, según la adaptación teatral realizada en 1927 por Hamilton Deaene. Dirigida por Eduardo Bozo y Jorje de Juan, cuenta entre sus protagonistas con Emilio Gutiérrez Caba, Ramón Langa y Amparo Climent. Permanecerá en cartel hasta el día 25.

Entre el 29 de este mes y el 2 de octubre, el Lope de Vega acogerá el estreno absoluto de Cineclown 3D, de la compañía sevillana Síndrome Clown, mientras que del 28 al 30 de octubre contará con otro estreno, en este caso, nacional, el de Elling & Yarne, adaptación de la novela de Ingvar Ambjornsen dirigida por Andrés Lima e interpretada por Carmelo Gómez, Javier Gutiérrez, Rebeca Montero y Chema Adeva.

Con dirección de Pepa Gamboa, y con Ana Fernández, Joserra Muñoz y Moncho Sánchez-Diezma en el reparto, del 17 al 20 de noviembre habrá oportunidad de ver una obra del anterior director del teatro, el mencinonado Antonio Álamo, Veinticinco años menos un día. Finalizando el mes, entre el 24 y el 27, el turno será para Por el placer de volver a verla, texto de Michel Tremblay dirigido por Manuel González Gil y con Miguel Ángel Solá y Blanca Oteyza como protagonistas. Para despedir el año, entre el 1 y el 4 de noviembre el teatro recibirá a Nuria Espert con La violación de Lucrecia, de Shakespeare, dirigida por Miguel del Arco.

Ya en 2012, la programación dramática arrancará entre el 12 y el 15 de enero con Madame Bovary, de Flaubert, montaje dirigido por Magui Mira y protagonizado por Ana Torrent y Juan Fernández, entre otros. Con dirección de Luis Luque, y con María Adanes y Cristina Marcos como protagonistas, del 19 al 22 del mismo mes llegará una nueva cita con el teatro clásico: La escuela de la desobediencia.

El avaro, de Moliere, llegará de la mano del Centro Dramático Nacional con Juan Luis Galiardo bajo la dirección de Jorge Lavelli (del 24 al 29 de enero), mientras que ya en febrero, del 1 al 5, la compañía local Los Ulen presentarña Uvi-Zona 0.

Ernesto Alterio, José Manuel Seda y Yoima Valdés, entre otros, protagonizan Yo, el heredero, de Eduardo de Filippo, otra producción del CDN con dirección de Francesco Saponaro. Tambien repite, es un decir, William Shakespeare, de quien se representará, entre el 15 y el 19 de febrero, Noche de Reyes, montaje de Noviembre Compañía de Teatro dirigido por Eduardo Vasco.

Al final del arco iris, de Peter Quilter, se presentará entre el 1 y el 4 de marzo de la mano de Natalia Dicenta, Miguel Reyán y Jorge de Juan, bajo dirección de este último y Eduardo Bazo. El mismo mes, entre los días 7 y 11, se contará con la presencia de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, con la que Rodríuez Yagüe confía en rescatar la relación especial mantenida durante su primera etapa como director del Lope. Será con un texto tan conocido como El perro del hortelano, de Lope de Vega, bajo dirección de Eduardo Vasco. En un registro diferente se intuye La avería, de Frierich Dürrenmatt, dirigida por Blanca Portillo y con Emma Suárez en el reparto (del 23 al 25 de marzo). De ratones y hombres, de John Steinbeck (del 28 al 31) completa la programación del mes.

Ya en abril, TNT, con dirección de Ricardo Iniesta, presenta su Celestina (del 12 al 22), mientras que en mayo el Lope reserva diez días para recibir una vez más a Els Joglars, en esta ocasión con el rescate de El nacional (del 3 al 13). La sonrisa etrusca de José Luis Sampedro, con Héctor Alterio y Julieta Serrano (del 16 al 20 de mayo) cederá el testigo a La otra habitación, obra de Sarah Ruhl dirigida por José Maria Pou y con Maribel Verdú y Aitana Sánchez-Gijón en el elenco (del 23 al 27).

Ya en la recta final de la temporada, Concha velasco presentará Yo lo que quier es bailar -montaje de tintes biográficos dirigido por José María Pou (del 31 de mayo al 3 de junio); Charo López y Javier Gurruchaga traerán La carcajada salvaje (del 6 al 10 de junio), mientras que The Hole, con Paco León, echará el cierre a la oferta dramática entre el 12 y el 14 del mismo mes.

Flamenco

La programación de toque, cante y baile flamenco acapara un importante porcentaje en la nueva oferta del Lope de Vega. Como ya se ha mencionado, este apartado será abierto por el guitarrista Rafel Riqueni, quien presentará Parque de María Luisa en un concierto que será filmado para su posterior uso en el documental que sobre su figura y obra prepara Paco Bech, autor del muy recomendable A la diestra del cielo, en torno a Silvio Fernández Melgarejo. Un espectáculo de carácter gratuito al que sólo se podrá acceder previa retirada de invitación (dos por persona) a partir de mañana en las taquillas del teatro.

Tras la apertura, se sucederán actuaciones de María Toledo (Del origen a la unión, 14 de octubre); la compañía de Antonio El Pipa (Danzacalí, 15 y 16 de octubre); Diego Amador con Jorge Pardo como invitado especial (21 de diciembre); Juan Carlos Romero (Agua encendida, 24 de febrero); Gerardo Núñez (13 de marzo); Carmen Cortés (Piezas únicas, 14 de marzo), Argentina (Un viaje por el cante, 15 de marzo); José Antonio Rodríguez (Gira anartista, 16 de marzo) y La Moneta (19 de marzo).

Música

Tras la tímida apertura a géneros como el pop y el rap experimentada durante la etapa de Antonio Álamo como director, la programación musical del Lope de Vega retorna de forma evidente al ámbito de los cantautores con ocasionales incursiones en aquello que hace décadas algunos, sin demasiado rigor, denominaron nuevas músicas. Así, Víctor Manuel dará el pistoletazo de salida el 18 de octubre con Vivir para contarlo, cediendo el turno el 14 del mes siguiente al belga Wim Mertens con Instrumental.

Ana Belén y la pianista Rosa Torres-Pardo ofrecerán un recital poético-musical con guión de Luis García Montero y dirección escénica de José Carlos Plaza (Música callada, la vida rima, 21 de noviembre) y el exMadredeus Rodrigo Leao presentará Música instrumental (29 de noviembre).

Pedro Guerra (16 de enero), Rosario Flores, Javier Ruibal y la Canalla, Casto Domínguez y Noa completan a lo largo de febrero una oferta sonora no caracterizada precisamente por las propuestas de riesgo. Y como guinda, copla: Joana Jiménez (20 de marzo) y Laura Gallego (15 de mayo).

Circo y residencias

Junto a las fechas reservadas para el Festival de Cine Europeo (del 1 al 12 de noviembre) y el Festival Internacional Escena Mobile (25 y 26 de febrero), el Lope de Vega ofrecerá en la nueva temporada un par de llamativas citas, al menos en referencia al espacio en que se presentarán. El lago de los cisnes sobre hielo convertirá el escenario del venerable teatro en una pista de patinaje entre el 4 y el 11 de octubre, mientras que el campeón olímpico Alexei Nemov, acompañado por la acróbata Olga Sidorova, pondrán en escena el espectáculo circense Storm entre el 7 y el 18 de octubre.

Septiembre levanta el telón. Los teatros madrileños —el corazón de la escena española— abren de nuevo sus puertas con la esperanza de seguir resistiendo el temporal. Jesús Cimarro, presidente de la Asociación de Productores y Teatros de Madrid, se muestra prudentemente satisfecho y cifra en un 5 o un 10 por ciento la caída de espectadores la pasada temporada. «Con la que está cayendo, se puede decir que el teatro sigue resistiendo la crisis». Esto ocurre en ciudades como Madrid o Barcelona, porque la situación en las giras es mucho más preocupante, por la falta de contrataciones. «No es —sigue Cimarro— un problema de espectadores; Lola Herrera en Bilbao está ahora con un 90 por ciento de ocupación». Y una última reflexión: «El público ahora selecciona más lo que va a ver, y nosotros vamos a seguir apostando por la calidad para despertar su interés».

A ella aspiran los espectáculos —más de una treintena— que acaban de levantar el telón o lo harán de aquí a que concluya el mes. Ya se pueden ver «La asamblea de mujeres», de Aristófanes (Gran Vía), «Burundanga» (Maravillas), «Carcajada salvaje» (Bellas Artes), «Cayetana, su pasión» (Canal), «Julieta y Romeo» (Español), «La caída de los dioses» (Matadero), «Las siete vidas del gato» (Galileo), «Momentum» (Coliseum), «Toc Toc» (Príncipe-Gran Vía), «Una noche con Gabino, ocho años después» (Amaya), «Venecia bajo la nieve» (Lara) y «Zoo» (Alfil).

El mes arrancó ayer con una batería de estrenos: Els Joglars de Albert Boadella celebra en el Nuevo Alcalá su medio siglo de existencia con la recuperación y actualización de uno de sus grandes éxitos: «El Nacional»; en el mismo teatro, pero en su sala dos, vio la luz «La reina de belleza de Leenane», un crudo texto de Martin Donagh dirigido por Álvaro Lavín; el Canal ha recuperado «El pisito», la versión teatral de la película de Marco Ferreri con guión de Rafael Azcona; también tiene aroma cinematográfico «Crimen perfecto», en el que Víctor Conde entrelaza el texto teatral de Frederic Knott con la película de Alfred Hitchcock; y en la sala AZarte se ha puesto en pie la comedia de Paco Mir (uno de los vértices de Tricicle) «No es tan fácil».

A la espera del desembarco, en octubre, de musicales como «El rey león» —el más esperado—, «Más de cien mentiras» o «Hair», el género, uno de los grandes revitalizadores de la escena madrileña en los últimos años, está representado por «Shrek», versión española de una producción que pudo verse en Broadway y que hoy está en Londres, y «Ojos verdes», musical de pequeño formato que la compañía catalana La Barni Teatre ha dedicado a una de las leyendas de la copla, Miguel de Molina.

Entre los montajes que llegarán en los próximos días se puede destacar «Traición», de Harold Pinter, un fascinante triángulo amoroso relatado de una manera muy singular —en orden cronológico inverso— por el Nobel británico. José María Pou abre la temporada de La Latina con un clásico del teatro de suspense, también de origen británico: «Llama un inspector», de J. B. Priestley. A Pou, director y protagonista, le acompañan , Carles Canut, Victòria Pagès, Ruben Ametllé, Paula Blanco y David Marcé. Otro inglés, Noël Coward, estará representado por «La alegría de vivir», con la dirección de Francisco Vidal.

De otro registro totalmente distinto es «Cambalache», una obra escrita y dirigida por Álvaro Sáenz de Heredia, que llega al Arlequín con un reparto encabezado por Emma Ozores, Santiago Urrialde y Ferran Botifoll.

«The hole», con la dirección de David Ottone (Yllana), se ha colgado la etiqueta de provocador y seguro que dará que hablar; Jardiel —con su casi inédita «Las cinco advertencias de Satanás»— regresa de la mano de Gustavo Pérez Puig y Mara Recatero; Arturo Fernández, uno de los iconos incombustibles de nuestra escena, tiene nueva comedia, «Los hombres no mienten», donde está acompañado por Sonia Castelo y Carlos Manuel Díaz.

Y más ofertas en una lista inevitablemente incompleta: Los Ballets de Montecarlo en el Real y el Ballet Nacional de Cuba, en el Canal; el «Tartufo», de Molière, dirigido por Hernán Gené; «Product»,de Mark Ravenhill, con dirección de Julio Manrique; y «Queipo, el sueño de un general», en el Español. Y en octubre, más.

La XXX Edición del Festival Nacional de Teatro “Vegas Bajas” que se celebrará del 14 al 30 de octubre, ya tiene su cartel anunciador. Un diseño de Pablo Melara manteniendo la línea de años anteriores y creado a través de una fotografía realizada por Diego Cabezas.

Para su realización, sobre un fondo negro, el diseñador ha empleado colores tierras mezclados con azul violeta, obteniendo un contraste armonioso que se completa, en la parte inferior y superior con una imagen de una mujer, correspondiente a la obra: “Quelques femmes”, la cual se representará dentro de la programación del Festival Nacional de Teatro “Vegas Bajas” 2011.

Este diseño, empleado para el cartel, será el que ilustre también el libreto con la programación y las entradas del festival.
Los carteles podrán verse anunciando el Festival a partir del mes de Septiembre.

A Rubalcaba se le viene encima una buena… Rajoy parece que no tiene mucha idea de dónde se mete… Y la ‘Spanish Revolution’ tomando Europa. ¡Vaya panorama! CríaCuervos imagina un futuro en clave de farsa, en el que las hienas del poder se han devorado las unas a las otras, los ciudadanos se han quedado sin Sol, y hay una única opción… la que ya tenemos.

España, 2032 d.C.: Pepe Luis sigue en La Moncloa, tras las sucesivas ‘muertes accidentales’ de todos los secretarios generales de su partido. La oposición tuvo durante años un líder obsesionado con convocar ‘elecciones anticipadas’, que obviamente no despertó la confianza de los ciudadanos. Y ahora, la ‘niña de Rajoy’ desempeña las funciones de ‘bulldog’ de los populares en el hemiciclo… aunque secretamente esté enamorada de Pepe Luis.

Todos los políticos acuden a la consulta de Monseñor Cloa, confesor y psicólogo, a llorar sus penas parlamentarias. Pepe Luis, en crisis por la sempiterna crisis, no puede más, y decide proponerle a la niña de Rajoy un pacto de estado: que ocupe su puesto en La Moncloa, sin elecciones ni nada. Un pacto que se tuerce porque los políticos no llegan a ponerse de acuerdo. ¿Cómo reaccionarán a todo esto los ciudadanos? ¿Habrá alguna acampada espontánea…?

‘Pacto de Estado’ es la carta de presentación de CríaCuervos, compañía madrileña que irrumpe en el panorama teatral derrochando humor inteligente y compromiso con la realidad, en un espectáculo que sigue actualizándose al hilo de la actualidad política y ciudadana.

Más de 5000 espectadores y una gran acogida en prensa avalan ‘Pacto de Estado’, que tras su paso por el Nuevo Teatro Alcalá y la Sala Tarambana, presenta en la Sala Triángulo la tercera temporada de una farsa implacable sobre el sistema político que tenemos y que, como ciudadanos, parece que nos merecemos.

Hora: 20:30h | Días: Del 18 de agosto al 11 de septiembre, de viernes a domingo | Precio: 13€ |

Reservar | atrapalo.com | entradas.com

R. C. / El Diario de Sevilla / 17.08.2011

El Teatro Central de Sevilla, que gestiona la Consejería de Cultura, ha acogido durante la temporada 2010-11 un total de 25.807 espectadores en 103 funciones de todas las disciplinas escénicas, como la danza, el teatro, la música, las nuevas tecnologías aplicadas a las artes escénicas, los títeres o el teatro visual. Así, según una nota de la Consejería de Cultura, el índice de ocupación de la sala durante este período ha sido del 82% y muchos de los espectáculos representados han alcanzado el 100% del aforo. Son los casos del espectáculo La función por hacer y de las compañías La Abadía, Teatre Romea o Animalario en teatro; Australian Dance y Akram Khan Dance Company en danza; Charles Lloyd Quartet en el ciclo de jazz; La Farruca en flamenco y La Tarasca dentro de la programación infantil, así como los conciertos de Nacho Vegas y Luar Na Lubre.

Respecto a la procedencia de las compañías, el Teatro Central mantiene la línea de fomentar la presencia de grupos andaluces con 20 programados durante esta temporada; 19 de origen nacional y 23 extranjeros. En este sentido, Cultura destaca como “hitos artísticos” de esta última temporada la presentación de 11 estrenos, cuatro de los cuales tuvieron carácter absoluto por parte de compañías andaluzas y los siete restantes fueron estrenos en España. Igualmente, valora la recuperación del Ciclo de pop-rock, que ha vuelto a este escenario de forma renovada y con proyecto de continuidad en el tiempo, abarcando 12 conciertos en los ocho meses de programación.

De otro lado, y por primera vez, se ha llevado a cabo una colaboración entre los ciclos de Danza Contemporánea y Flamenco Viene del Sur para la presentación conjunta de dos innovadoras propuestas: Tripolar de Marco Vargas y Chloé Brûlè y Quescequetude-viens? de la Compagnie 111.

Sin duda, uno de los grandes aciertos de la temporada fue la programación íntegra de la trilogía de uno de los grandes fenómenos teatrales: el autor y director Alfredo Santol, cuyas tres obras -Risas y destrucción, Sí, pero no lo soy y Días estupendos- se representaron en una misma noche. También, como en temporadas anteriores, el Central ha continuado con la Escuela de Espectadores, proyecto que acogió actividades como los coloquios con creadores de la talla del propio Sanzol, Goyanes, Álex Rigola o los actores de Animalario, así como exposiciones sobre la creación escénica andaluza.

El festival de teatro alternativo más importante del mundo, el Edimburgo Fringe, comenzó a todo vapor. La muestra, que se celebra en la capital escocesa hasta el 29 de agosto, tiene un total de 2.542 espectáculos, con la participación de 21.192 actores repartidos en 258 escenarios, que van de teatros a plazas públicas y casas. «El Fringe es lo que la gente y los artistas quieren que sea. Por suerte, la propuesta sigue suscitando el interés de personas de todo el mundo que aportan su enorme creatividad al festival», señaló en el estreno Kath Manland, directora ejecutiva del Fringe.

En 1947, ocho compañías teatrales acudieron a la capital escocesa decididas a actuar, a pesar de que no habían sido invitadas al recién inaugurado Festival Internacional de Edimburgo. Siete lograron presentar sus obras en la ciudad. La octava representó «Everyman», una obra medieval, en la Catedral de Durnfermline.
La aventura del 59

Ese embrión cobró forma en los años siguientes cuando más y más grupos se sumaron a la aventura. En 1959, el éxito era tan evidente que se formalizó con la propuesta de una muestra anual para enseñar el teatro alternativo mundial: el Fringe Festival. Hoy, sesenta países participan y se venden dos millones de entradas para los distintos espectáculos que se presentan.

Por su naturaleza misma, el Fringe tiene muchos espectáculos gratis. Este año es el que más ha tenido en la historia: 677 producciones son en lugares públicos. En el Fringe conviven la comedia, el cabaret, los musicales, la danza y la ópera, los famosos, los alternativos y los aspirantes. El actor norteamericano John Malkovich presentará su homenaje al dramaturgo Harold Pinter dirigiendo una de sus obras, «Celebración», con su «viejo amigo» y coprotagonista de «Los gritos del silencio», Julian Sands, en el papel principal. El prestigio del Fringe es tal que una actor de los quilates de Malkovich estuvo repartiendo invitaciones de la obra por la calle y quejándose de que mucha gente ni se molestaba en mirarlas.

La presencia de Pinter puede hacer pensar que el Fringe se dedica a obras alternativas y oscuras. En realidad, la oferta más amplia es la de los comediantes que constituyen el 37 por ciento de los espectáculos mientras que las obras teatrales son un 30 por ciento y la música y danza constituyen el catorce, incluyendo también dos espectáculos de flamenco.

El Cuarteto Maravilla se reencuentra con el público sevillano

El Cuarteto Maravilla será el encargado de amenizar las calurosas noches sevillanas de hoy y mañana con su representación de Luces de Variedades, una historia para todos los públicos de farándula, música y humor, que se incluye en la tercera edición de las Noches de Verano en el Palacio de la Buhaira.

Luces de Variedades es una obra de clown fresca y cómica, donde tres veteranos personajes del espectáculo más que diestros en las variedades harán que sus espectadores olviden durante algo más de una hora el calor y otros males de verano, según la información del portal web de la Compañía Maravilla, recogida por Europa Press. Del mismo modo, esta comedia con música en vivo atractiva para toda la familia será presentada por primera vez en Sevilla.

Así, Luces de Variedades presenta a una trouppe de faranduleros venida a menos que llega a la ciudad para realizar sus viejos números de variedades. “Una mini-compañía de artistas de estómago vacío, que se alimentan a base de recuerdos pasados por gloria, se arrastran de un pueblo a otro propulsados por el halo falsamente romántico de su profesión, pero que saben divertir, hacer reír, sonreír y emocionarse a aquellos que estén dispuestos a verlos en acción”, resalta el grupo.

Durante el espectáculo, los tres integrantes de este atípico cuarteto representarán a peculiares personajes como el Rey de la Música Ligera, Vito El Mentalista, el Forzudo Zamburdo o al bailarín Fred. “Todo esto sazonado con la rifa de una paletilla, un tanto ibérica, que hará las delicias de quien le toque”, indican.

Según explican desde la compañía, la obra es “un canto a la libertad y el orgullo de los artistas que iban trillando las piedras de los caminos hasta llegar a las plazas populares para distraer del hambre a las escuálidas barrigas de las niñas y los niños, y a los endurecidos espíritus de los adultos de la tristeza de los tiempos difíciles”.

Telefono: 902 02 19 52
(de lunes a viernes de 10 a 14 Horas)
EN LA TAQUILLA DEL TEATRO
(los días de función de 19:30 a 22 Horas)

CH. RAMOS / El Diario de Sevilla / 18.07.2011

José Luis Castro y su talento para la escena regresan a Andalucía para quedarse. Tras encadenar distintos trabajos aislados en diversos teatros de España, el que fuera director del Maestranza y el Lope de Vega se pone ahora al frente de un proyecto escénico con el que la Junta de Andalucía se dispone a apoyar la celebración del Bicentenario de las Cortes gaditanas. Se trata de la puesta en escena de El estado de sitio, el drama que Albert Camus ambientó en el Cádiz de 1812 y que será uno de los principales proyectos de la próxima temporada del Centro Andaluz de Teatro (CAT), que también conmemorará el 75 aniversario de la muerte de Valle Inclán con el montaje La Noche de Max Estrella.

Estado de sitio, que será el título definitivo de la versión que el CAT gire por toda Andalucía, era una reivindicación de la intelectualidad gaditana y hasta del grupo socialista de esa capital, ya que se trata de una obra en la que Camus convirtió a la ciudad en protagonista y musa de libertades.

Aunque no se trata de la adaptación teatral de La peste, Camus introdujo en este drama numerosos aspectos de su célebre novela. En la obra dramática, que combina monólogos líricos, coros clásicos, pantomimas y otros motivos dramáticos, Camus recrea un Cádiz mítico donde un pueblo simpático y pintoresco sufre el arbitrio de la opresión y el azote de la Peste y La Muerte (su secretaria), enemigos a los que los gaditanos se atreverán a derrotar gracias al ejemplo y sacrificio de Diego, el héroe de la obra.

José Luis Castro, que acaba de dirigir el espectáculo inaugural del Festival de Danza de Itálica y recuperará su versión de Las bodas de fígaro en la próxima temporada del Maestranza, conoce bien la realidad de la provincia gaditana por haber trabajado con frecuencia para la Fundación Teatro Villamarta y pasar numerosos veranos en la Bahía. Esos aires marítimos se filtrarán sin duda al texto de Camus, que encontró en la naturaleza aislada un motivo inspirador para su ciudad sitiada. Como resaltaron en 1971 los traductores al castellano de la obra, Pedro Laín Entralgo y Milagro Laín Martínez, en un breve prólogo, “los españoles debíamos gratitud a Albert Camus porque decidió elegir a Cádiz como contorno teatral de su ensueño, de su gran esperanza y porque en un mozo gaditano quiso encarnar la figura del héroe que con su muerte hará posible la realización histórica de ese ensueño y esa gran esperanza”

Atín Aya “Marismas del Guadalquivir” from elciclopemecanico on Vimeo.

REFLEXIONES DE UN PICAPORTE from Reflexiones de un Picaporte on Vimeo.

P. G. / El Diario de Sevilla / 10.07.2011

La Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Consejería de Cultura ha alcanzado un principio de acuerdo con el sector de las artes escénicas por el que se prevé unificar en una sola Muestra Andaluza los actuales certámenes de teatro de El Puerto de Santa María (Cádiz) y de danza de Málaga (MUDA), de cuya supresión informó ayer este medio. En las conversaciones, que aun no están cerradas, se ha acordado que la Muestra Andaluza de Artes Escénicas, como se llamará la propuesta, tendrá como sede principal el Teatro Central junto a los distintos escenarios de las salas privadas e independientes de la ciudad y se celebrará en enero del próximo año.

En este proceso de diálogo y negociación entre los representantes empresariales y la Junta se trabaja por diseñar una hoja de ruta que plantee una Muestra que no solo acoja proyectos finalizados sino que también impulse trabajos en proceso y embriones de espectáculos. Asimismo, la Muestra se completaría con conferencias y seminarios sobre la gestión cultural y la dirección artística.

Esta cita única, según informó el departamento de Paulino Plata en una nota, complementaría “otras ofertas para el sector como la Feria de Palma del Río (Córdoba), principal referente andaluz en este tipo de convocatorias”, aunque pretenden seguir teniendo reuniones con ésas y otras asociaciones para “aunar esfuerzos y celebrar una gran muestra andaluza dedicada a las artes escénicas” para poder realizar “una actividad que se ha convertido en absolutamente relevante para compañías, programadores, distribuidores y para muchas empresas” auxiliares de estas actividades.

En estas reuniones participaron la Asociación de Escenarios de Sevilla, la Federación Andaluza de Empresas Cooperativas de Trabajo Asociado, la Asociación de Profesionales Andaluces de la Danza y la Asociación de Compañías de Teatro Andaluzas (ACTA).

Las conversaciones están enfocadas a “revitalizar” la programación de las salas independientes y a la propia cita cultural. “Era lógico que si se trata de una muestra para profesionales de las artes escénicas, sean ellos mismos los que tengan un peso más decidido en la dirección. Además, unificar las muestras en Sevilla abarata costes porque es aquí donde se concentran un mayor número de escenarios”, explicó un representante del sector escénico a este medio que también apuntó que la convivencia en el calendario con la cita de Palma está garantizada. “La Feria de Palma del Río tiene muchos años de historia y está perfectamente asentada. Su calendario da para programar unos 30 montajes, pero al año Andalucía tiene una oferta mucho mayor, por lo que se trataría de citas complementarias”, declaró esta fuente.

R. Armas · R. C. / El Diario de Sevilla / 09.07.2011

El epígrafe por motivos económicos parece presidir las decisiones de la administración pública en los últimos años, y el apartado cultural está siendo uno de los más castigados. Si la Junta de Andalucía decidió en 2010 prescindir por este motivo de la subsede de la Filmoteca en Málaga y este mismo año del ciclo La Música contada, ahora se cobra una nueva víctima con la supresión, al menos el próximo año, de la V Muestra de Danza de Andalucía (MUDA), el único encuentro entre profesionales del sector y las compañías, que se viene celebrando en el Teatro Cánovas -como principal escenario- con carácter bienal desde 2006.

La decisión se dio a conocer ayer a través de una notificación que difundió el alcalde de El Puerto de Santa María, Enrique Moresco, en la que lamentó la suspensión de la Muestra de Teatro Andaluz, que se venía celebrando en la localidad gaditana desde hace cuatro años durante el mes de noviembre. El regidor portuense criticó la decisión “unilateral” de la Consejería de Cultura y añadió que esta supresión va a repercutir “de una forma muy negativa tanto en la economía local como en la propia industria y la cultura” de la comunidad.

En este sentido, la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, el órgano gestor de las políticas de este ámbito en el departamento de Paulino Plata, comunicó a los responsables de estas citas que la intención de la Consejería es unificar ambas muestras en una localización diferente a las actuales y en un único encuentro de profesionales y programadores para “abaratar costes”.

Happy Birthday, Miss Monroe de Teatronomía en la Sala de teatro La Usina de Madrid, del 15 al 17 de julio.

Al Edgar Allan Poe Psychiatric Hospital llega una extraordinaria paciente que provocará una revolución entre el hastiado personal del centro no sólo por su sorprendente identidad, sino por la magia que la envuelve.

El texto (Premio Arniches 2006) original del joven dramaturgo asturiano y miembro de Konjuro Teatro Jorge Moreno, convierte la mente humana en espacio dramático. No sólo habla de la delgada línea que separa la locura de la cordura sino que, además, se adentra en temas como la libertad, la ambición, la cobardía, el miedo, los principios, la solidaridad… Un espejo para el espectador, en el que la comedia se viste de drama y viceversa, donde la identidad y la razón se cuestionan para llegar a la paradoja: todos cuerdos-todos locos.

Cierren los ojos y repitan con convicción: Todos podemos ser -o no ser- Marilyn.

Más info en www.teatronomia.com

“Er SHOW de la Bienve” de bricAbrac Teatro estará en el Teatro Municipal de Cazalla de la Sierra, a las 20h

Me encuentro con un escenario cuidado del color de la calma y la serenidad… y aparece una actriz … también vestida de azul. Me dirigía a otra comedia, de nuevo en la agradable Sala Fundición de Sevilla. Al llegar observo entre los espectadores, apelotonados en cola, cierta algarabía e impaciencia (la obra volvía a petición).

“El boca a boca también funciona” era una opción de uno de los cuestionarios más escuetos y efectivos que he respondido jamás. Jocosa y próxima, la franco-española compañía BRICABRAC TEATRO se refleja en una triple ELENA BOLAÑOS. Triple por actriz-autora-directora que no da tregua entre la triple Irene-SoniaDora-Jenifeeeer (intentad pronunciar la última consonante entre R y G).

Ésta bien, podría ser la historia de una simple cama que, en manos de la actriz, ejerce la mayor parte del tiempo de cualquier cosa que no sea una cama. ¿Realmente lo es? ¿Realmente qué somos?. Hay pocos que no intentemos racionalizar nuestra existencia, pero nuestra vida parece resultar de lo más incoherente e insospechada.

En esta noche en vela, hay una buena faena como actriz, un flexible montaje y unidad de diferentes técnicas que se enredan entre risas y llantos.

Irene, la Irenita de C´EST LA VIE (el principio…muy duro) en la víspera de su trigésimo cumpleaños, entró cojeando a falta de un tacón, azul por supuesto, que no le impidió caminar entre la fantasía y la realidad. Y yo, tras las carcajadas inmediatas, y la ovación de la asistencia que llenó la sala, me fui a dormir esperando que el INSOMNIO (Ne me quitte pas el sueño).

María Román / vivasevilla.es /16.06.2011

Irene, la ‘Irenita’ que la compañía bricAbrac Teatro presentó en su primer espectáculo C’ Est la Vie regresa a La Fundición, pero con unos cuantos años más. Irene ha crecido y está a punto de cumplir 30 años.

Justo antes de su cumpleaños vive uno de los peores días de su vida. Es agosto, hace mucho calor y pasa una noche de insomnio con una pregunta existencial rondándole la cabeza, ¿qué es la felicidad?, incógnita que esconde la preocupación por encontrar y recuperar el sentido y las riendas de de su vida.

El peculiar estilo de esta compañía de teatro sevillana vuelve a La Fundición con Insomnio, una comedia que gracias a su lenguaje claro y directo, la gestualidad de la protagonista sobre las tablas (Elena Bolaños) y su puntito de locura ha logrado enamorar ya a miles de personas.

El humor es para bricAbrac el vehículo ideal para trasladar al público sus historias, donde lo absurdo, la ironía, el sarcasmo y las situaciones rocambolescas también son bienvenidas siempre y cuando se pongan al servicio de lo que quieren contar.

En sus espectáculos, avalados con 20 premios, cuentan todos los detalles. El texto, la música, el vestuario, la escenografía, todo al servicio de la creación teatral que para bricAbrac es artesanal.

Crítica de “Insomnio ne me quitte pas el sueño” de bricAbrac Teatro en la revista masteatro.com por Carlos Herrera

BricAbrac Producciones SL. Texto, dirección e interpretación: Elena Bolaños. Dirección creación espectáculo: Pepa Díaz Meco. Música Original: Matthieu Berthelot y Cruz Benavides.

Sala La Fundición. Sevilla. Del 16 al 19 de junio.

Elena Bolaños es una metralleta teatral, una atleta malabarista quien, con su obra Insomnio, ne me quitte pas el sueño, volverá a llenar sin duda hasta el próximo domingo la Sala La Fundición hispalense.

Lo que desea transmitir Bolaños es la búsqueda de la felicidad de Irene, personaje al que encarna: una treintañera recién estrenada que transporta con esfuerzo y desesperación clownesca la carga de su soltería -Carlos, su amante, la ha abandonado- amén de sus sueños remotos o incumplidos.

De hecho, el delicioso cuento sin duda está ahí, vertebra la función, la encamina con éxito hacia un colorín-colorado que tanto alegra -ya verán que su príncipe no es de color azul…; sin embargo, lo que deja particularmente atónito es la habilidad de la actriz por ir engarzando la tríada palabra-acción-intención con un martilleo sugerente en la memoria colectiva del auditorio: todos conocemos a una Irene, todos conocemos y somos cómplices del mundo de Irene, de sus programas o películas favoritas, de sus personajes favoritos y sobre todo de su sueño favorito: ser feliz. Esta es la cruzada del personaje. Con tal de que Irene encuentre el Santo Grial, Bolaños convierte el escenario en un melodrama de los años 40, en el musical doméstico del Mago de Oz o en un diálogo desternillante entre Irene y su mano al puro estilo Ionesco.

Cuando se la visita en el camerino, la actriz sigue sin perder la risa tras la función y sus ojos siguen ametrelleando de ilusión a quien los mira. Ella afirma que se lo pasa genial tras el maratón en el que acabamos de verla, que si no es así, no tiene razón de ser lo que acaba de hacer, que todo es jugar; y que cuando se le pregunta por dónde empezó todo ese muestrario de recursos teatrales, su andamiaje para su perorata por estar en vela, te explica que todo ha sido fruto de un trabajo exhaustivo de improvisaciones hasta exprimirlas para presentar y representar la delicatessen que nos presenta y representa.

Incombustible, la atleta Bolaños sigue contagiándote la pasión por su juego con la palabra, por cómo recurre a lo que ocurre cada día para ir renovando y aderezando su monólogo nocturno. Su disparate con la escenografía bien podría ser el manual titulado “Cómo hacer teatral desde una cama a una botella de agua mineral y no morir en el intento”. Si lo escribiera, yo lo compraría.

Derroche de humor -agrada las tardes que nos ofrece La Fundición para evadirnos y reírnos con buen Teatro; derroche de ingenio -el cómo se potencia el elemento en escena sin caer en lo trillado o ceremonioso; y por último, el derroche de energía vital a pesar de la tragicomedia -la actriz se vale de su cuerpo y su voz/su bululú, para catapultar su mensaje aparentemente naif pero profundamente cierto.

Derroche puro. Fuera y dentro del escenario. Como debe ser.

“INSOMNIO, NE ME QUITTE PAS EL SUEÑO” DE BRICABRAC TEATRO

SALA LA FUNDICIÓN. DEL 16 AL 19 DE JUNIO

Uno de los montaje más exitosos de la temporada teatral sevillana regresa a la Sala La Fundición por tercera vez, después de la participación en festivales como el Festival Nacional de Teatro “Vegas Bajas” (Premio del Público y Premio a la Mejor Actriz) y pasar por salas de renombre nacional como La Alternativa de Madrid y la Sala Trajano de Mérida.

No te pierdas esta última oportunidad de seguir la historia surrealista de Irene, una treinteañera que en uno de los peores días de su vida, al sentirse sola y perdida, tras volver de la boda de su mejor amiga, y en plena ola de calor, sufre una noche de insomnio a causa de una pregunta que le ronda en la cabeza: ¿qué es la felicidad?. Su gran fin será encontrar la respuesta. Nuestra protagonista intentará en esta noche de insomnio recuperar las riendas de su vida y darle un sentido a su existencia. ¿Lo logrará?. Por el camino, sin duda, despertará las carcajadas de la sala.

Más información:
Jueves 16, viernes 17 y sábado 18 de junio a las 21h.
Domingo 19 de junio a las 20h.
Entradas en www.fundiciondesevilla.es (Tel. 954225844).
www.bricabracteatro.com

Por petición del público, “Insomnio” vuelve por la tercera vez en está temporada en la Sala LA FUNDICIÓN de Sevilla, del 16 al 19 de Junio.

Con este espectáculo bricAbrac Teatro recupera las raíces de su primer espectáculo C’est la vie, el principio… muy duro (que pudimos ver en La Fundición la temporada pasada), y en el que recupera a su p
ersonaje Irenita, pero esta vez, Irenita ha crecido, es una chica casi normal que está a punto de cumplir sus 30 años.

Irene ha vivido el peor día de su vida en la víspera de su 30 cumpleaños, agosto, ola de calor y una noche de insomnio a causa de una pregunta que le rondará en la cabeza, ¿Qué es la felicidad? Su gran fin será encontrar la respuesta. Nuestra protagonista intentará en esta noche de Insomnio recuperar las riendas de su vida y darle un sentido a su existencia. ¿Lo logrará?

20 premios en distintos festivales y certámenes de teatro avalan la trayectoria de esta compañía sevillana. El estilo de bricAbrac Teatro, no es otro que la propia mezcla, su particular forma de contarlo es mediante la comedia, el humor…Estos maestros de la comedia arrancan una y otra vez sinceras carcajadas con sus obras, gracias a su lenguaje claro y directo, su puntito de locura y la gestualidad cómica de Elena en escena. Para la compañía bricAbrac Teatro la risa no es el fin, sino el medio con el que cuentan sus historias.

El absurdo, la ironía, el sarcasmo, el clown, los personajes tipo, las situaciones rocambolescas, la comedia, el bufón, cualquier tipo de lenguaje puede ser utilizado siempre y cuando vaya al servicio de la historia que quieren contar. Su peculiar forma de abordar sus espectáculos desde la esencia más mínima como concepto o germen de la historia hasta que nace el espectáculo en sí, creciendo al mismo tiempo, idea, texto, música, imagen del espectáculo, escenografía, vestuario, personajes…. Es una creación artesanal del acto teatral.

Han llegado para quedarse. Son voces nuevas y diferentes. Empezaron en salas pequeñas y alternativas y han acabado conquistando los grandes teatros. Con mucho talento y pocos medios, estos directores y actores triunfan en el nuevo panorama teatral.

Abajo la grandilocuencia! ¡Alto a los montajes formales y aparatosos! Bienvenidas las buenas historias que se acercan al público y le conmueven. Actores que más que jugar a interpretar una obra, se suben al escenario a vivir y sentir. Directores que saben esconder su talento y se ponen al servicio de un texto y unos intérpretes. Un nuevo movimiento se ha instalado, todos esperan que para quedarse de manera definitiva, en los teatros. Una corriente impulsada por voces muy diferentes de la dramaturgia provoca colas en las salas teatrales. Definitivamente hay voluntad de hablar con voz propia. El teatro se oxigena. Refugiados en pequeñas salas de ensayo o en casas propias, al final de largos pasillos, sin más objetivo que sacar adelante un montaje, con perspectiva económica cero y a la espera de que caiga del cielo algún programador interesado. Así es como han nacido muchos de los equipos y grupos que jalonan hoy y con gran éxito el panorama teatral en España, y que han conseguido el asalto a los grandes centros nacionales. Con historias potentes, brillantes, con otro ritmo, otra energía, esas que consiguen que el público salga a la calle extasiado, apasionado, y que olvide las dificultades que ha tenido para hacerse con unas entradas.

La función por hacer, ese espectáculo humilde y profundo que arrasó el mes pasado en la gala de los últimos premios Max, con siete estatuillas -mejor dirección, espectáculo, adaptación, actor y actriz de reparto, diseño de luz y mejor empresario- es el ejemplo perfecto de este teatro sobrado de talento y con muy pocos medios. Producido por Kamikaze Producciones, el montaje empezó por amor a un texto, el de Seis personajes en busca de autor de Pirandello y la versión de Miguel del Arco, el director de la compañía. “No hemos sido los primeros en hacer este tipo de propuesta, sin apoyos, ni padrinos. Con La función por hacer partimos de cero en una sala de ensayos en Madrid, esperando la llamada de algún programador, de alguien que nos propusiera algo”, recuerda ahora Miguel del Arco (Madrid, 1965), quizás el hombre de moda del momento en la escena teatral. Esa llamada llegó y la obra se coló los fines de semana, en sesiones de medianoche, en el más puro off, en el vestíbulo del teatro Lara. Fue la explosión. El vigor, la intensidad y la verdad de la función, hecha con cuatro duros, se propagaron por todo Madrid y las entradas se agotaron. El salto posterior fue de órdago. A Miguel del Arco se le abrieron unas puertas que parecían infranqueables. La gran dama del teatro en España, Nuria Espert, le señaló con la varita mágica para que la dirigiera en La violación de Lucrecia. No fue la única. José Luis Gómez, del teatro de La Abadía, la misma noche, una noche de una gran nevada en Madrid, en la que se acercó a ver la obra en el Lara, ofreció al director acoger en su escenario el siguiente proyecto de Del Arco.

Otro éxito. Esta vez ya en el prestigioso escenario de La Abadía. Veraneantes, la libre adaptación del drama de Gorki, ha dado otro espaldarazo a esta manera de acercarse al teatro. Una escenografía sencilla, despojada de todo, casi transparente, pero con un texto y una interpretación tan contundentes, con unos personajes tan cercanos, que antes de que se acabaran las funciones previstas (del 13 de abril al 29 de mayo) se anunció la vuelta para el 21 de septiembre próximo.

Un trabajador de La Abadía está arreglando el suelo de madera en el que los once actores de Veraneantes, entre ellos los seis que protagonizaron La función por hacer, enloquecen, bailan y se dejan la piel durante dos horas y media. Del Arco, sentado en la primera fila del cuadrado en el que se desarrolla la acción -”me gusta tener al público siempre cerca, rodeando a los actores”-, defiende la eclosión que vive el teatro. “Se ha abierto la posibilidad de que con buenos actores y un buen texto podemos tirar para adelante, de hacer propuestas que atrapen al público, que es soberano”, dice Del Arco, que resalta la grandeza de ese espectáculo único y directo que se hace más grande todavía en la época de Internet y la piratería, junto con la aparición de una generación de actores y directores con una formación exacta y concreta sobre el texto y la palabra.

¿Está la crisis detrás de este teatro más pequeño? ¿Qué papel juega la necesidad económica? Expertos hablan de la argentinización de nuestra escena, ensalzan la sencillez de sus propuestas, alejándose de la superficialidad. Van directos al teatro más desnudo: un buen puñado de actores y un buen texto. El argentino Claudio Tolcachir (Buenos Aires, 1975) pide un cigarro, aunque asegura que no fuma. El día anterior estrenó la tercera pieza de su trilogía, El viento en el violín, y está a punto de comenzar la representación. Dice que no está nervioso, pero antes de empezar a hablar busca un cigarro en el bar del Matadero de Madrid. Él sí puede presumir del éxito de un salto al cielo sin red. En la dura crisis argentina del corralito, allá por 2001, Tolcachir alquiló una antigua fábrica de zapatos, al sur de Buenos Aires, en un barrio en el que se escucha con asiduidad el tango pero sin ninguna tradición teatral. Allí, con su grupo teatral, en una sala al final de un pasillo comienza a ensayar su primera obra como autor, La omisión de la familia Coleman. “El origen de esta pieza nace de la desesperación, porque te morís si no haces teatro”, explica ahora Tolcachir, un hombre alto de pelo anaranjado. La voz se corrió. En aquella casa, se decía, alejada del centro de la ciudad, tocando el timbre número cuatro, se estaba representando teatro puro, al desnudo, sin artificios. “El teatro surge cuando hay necesidad de decir algo. Es tu voz. Yo me pregunto: ¿de qué quiero hablar? ¿Qué es lo que me conmueve? Y ahí voy. El teatro es un diálogo. La contestación viene de las personas que se ven reflejadas”, continúa el dramaturgo, que confiesa, no obstante, que el ideal del teatro no es la crisis.

La omisión de la familia Coleman se representó en Madrid, en la Sala Pradillo, en 2008 durante cuatro días. Hasta allí fue a ver la obra el director del Español, Mario Gas, y, nada más salir, Tolcachir ya tenía a su disposición la sala pequeña del Teatro Español para volver con la pieza esa misma temporada. Y volvió y, al año siguiente, trajo la segunda parte, Tercer cuerpo. Todos se rendían ante Tolcachir y esos actores que subían al escenario para hablar al espectador de la vida misma, de esa mezcla asombrosa de tragedia y comedia. Esta primavera, con las salas a reventar, la compañía, de nombre Timbre 4, ha representado en el Matadero de Madrid las tres piezas de la trilogía. “Siempre lo más lindo está por venir”. Esa frase es la que alimenta día tras día la búsqueda de Tolcachir.

Toc… toc… toc

… La madrileña plaza de la Paja ha sido el lugar elegido por el fotógrafo para reunir a los tres dramaturgos. Miguel del Arco, Alfredo Sanzol y Claudio Tolcachir se saludan cariñosos y se felicitan por sus respectivos montajes, mientras una tropa de niños juega, durante el recreo de la escuela y bajo la mirada de un profesor, al bádminton. La sesión de fotos transcurre entre los continuos golpecitos de toc… toc

… toc… Lo primero que aclara Alfredo Sanzol (Madrid, 1972), director de Días estupendos o la última Delicadas (representada en la sala grande del Español esta temporada), es que ellos no han inventado nada, que vienen de una tradición dramatúrgica y que él no hace ascos a nada. “Lo que tengo claro es que tengo que contar lo que realmente me interesa y ahí incluyo todo, clásicos y no clásicos. El problema es saber si exactamente lo que cuentas es lo que quieres contar porque hay mucho ruido de modas”, dice Sanzol, quizás el autor que más se acerca con sus textos, a base de historias cortas, a sus vivencias y sentimientos personales y reales. Este dramaturgo, criado en Pamplona, dice que la conexión con el público hoy es fruto de lo que se ha hecho durante los años setenta y ochenta en España. “Es muy importante el esfuerzo del teatro público, de las escuelas de teatro. Se ha ido creando afición. Cuanta más gente vaya al teatro más posibilidades se nos abren a todos”, añade Sanzol, defensor de la libertad en la forma y de la coherencia en los relatos. Sanzol prepara en estos momentos el salto al teatro de La Abadía, donde en noviembre estrenará La luna, un trabajo basado en los primerísimos recuerdos de la infancia.

Estas nuevas sensaciones se extienden por las grandes ciudades. Hay muchos ejemplos y diferentes maneras de abordarlo. No hay que perder de vista el Microteatro por Dinero, una experiencia única en el mismo centro de Madrid, donde cada noche hay espectáculo, con funciones de teatro efímero en cinco habitaciones distintas para un aforo de unas 15 personas y que duran una media de 15 minutos. Pero también desde la arena que cubre el suelo de la Biblioteca de Catalunya, una nave abovedada en Barcelona que albergaba hace años un antiguo hospital, nacen mágicas propuestas. Ahí con unas cuantas mesas de madera y unos sillones desvencijados, Oriol Broggi (Barcelona, 1971) ensaya, muy pegado a los actores, el último montaje de la compañía que dirige, La Perla 29, Luces de Bohemia, de Valle-Inclán. Broggi compagina la dirección de piezas clásicas con otras contemporáneas y siempre con un claro objetivo: el texto, el actor y el espectador. “Ese es el trío verdaderamente importante”, dice. El espacio que desde 2006 alberga los montajes de Oriol Broggi es realmente especial. Ya al entrar uno se da cuenta de que ahí va a ocurrir algo diferente. Y tanto. “Somos como una pequeña república independiente de cultura”, asegura este dramaturgo que ha llevado a este espacio multitud de montajes con gran éxito de crítica y público.

En el otro extremo de la ciudad catalana se alza mastodóntico el edificio del TNC (Teatre Nacional de Catalunya). Dentro, en la Sala Tallers, ensaya el que está considerado una de las revelaciones de la escena en Barcelona, Jordi Casanovas (Vilafranca del Penedès, 1978). Una història catalana, estrenada el pasado miércoles, es la obra número 30 escrita por Casanovas, y forma parte de la quinta edición del Proyecto T6, una iniciativa en la que, con nueve actores, distintos dramaturgos representan sus montajes. Tras su paso por salas minúsculas con su compañía Flyhard, es la primera vez que Casanovas pisa el TNC y a él ha trasladado su particular modo de trabajar: “Escribo texto a medida que ensayo. Es verdad que ofrece más riesgos, pero es la manera de encontrar la frescura que busco. Esto nos ofrece la posibilidad de la participación real de los actores y así somos muchas cabezas pensando a la vez”. Es el auténtico trabajo colectivo. Casanovas tiene paciencia y va despacio. Poco a poco ha ido buscando a ese público alejado del teatro. Es a ese al que busca. Con historias entretenidas, que no quiere decir tontas, en las que no falte el humor ni la tristeza. “Él público tiene que vivir la experiencia teatral. Si los directores empiezan a apostar por buenos textos y los dramaturgos se bajan del pedestal vamos a vivir una época dorada”.

Pero no nos dejemos deslumbrar. Si alguien sabe de teatro independiente y de sus dificultades es Andrés Lima y su grupo Animalario, nacido hace más de diez años. “Lo interesante es la variedad de la oferta, la voluntad de una voz propia, de esa corriente que ha impulsado de nuevo los escenarios y que había desaparecido en la década de los ochenta, pero nos enfrentamos a muchos problemas. La falta de apoyo institucional y el ahogo que sufren las compañías independientes por la falta de pagos de los Ayuntamientos, son solo algunas de las quejas. Ya lo denunció en público Miguel del Arco durante la gala de los Max. “La situación es catastrófica por culpa de los Ayuntamientos que no pagan. Somos mileuristas a pesar del éxito, no hay una compañía ni un solo productor al que no se le deba dinero”, dijo el director, aclamado por sus compañeros. También Sanzol advierte de que las compañías pequeñas solo se pueden mantener a base de las giras por los distintos pueblos y ciudades. “Sobrevivimos mal. Tenemos muy difícil hacer un teatro independiente”, añade Lima, que teme el acecho de la privatización del teatro público. “Los ejemplos del Centro Dramático Nacional, con Gerardo Vera al frente, o el Teatro Español, con Mario Gas, que han abierto sus puertas al teatro más independiente no son la tónica general”, añade el director de montajes de Animalario.

¿Y qué dicen los actores? Pues, por ejemplo, Carlos Hipólito, el sólido y veterano intérprete que ganó el Max al mejor actor protagonista por Glengarry Glen Ross, considera que una de las cosas más elogiosas de estos nuevos directores es que no trabajan desde el conflicto, crean equipo y consiguen de los actores una moral muy alta. “Tienen el talento necesario para saber desaparecer, se ponen al servicio del texto y abandonan el ego al que estábamos tan acostumbrados”, dice Hipólito.

Raúl Prieto, Max al mejor actor de reparto por La función por hacer y también uno de los intérpretes de Veraneantes, cree que el espectador se siente involucrado en lo que le están contando, se reconoce en los textos y en la manera de presentarlos. “Importa mucho lo que se cuenta, pero también cómo se cuenta. Hay un gran respeto por estar cerca de la realidad, pero sin confundirlo con la realidad. Podríamos decir que este teatro parece más pobre porque es menos grandilocuente, pero, por el contrario, es más rico y profundo”.

Su compañera en los dos montajes de Miguel del Arco y también Max a la mejor actriz de reparto por La función por hacer, Manuela Paso, no oculta su pasión y felicidad. “Como actriz y espectadora he tenido la sensación de haber vivido una época en la que primaba la forma y el diseño, mientras que la historia y el ser humano estaban en segundo plano. Ahora vivimos una época en la que las emociones están por encima de todo ello y es ahí donde se identifica el espectador. Antes se jugaba a interpretar una obra y ahora vamos a vivirla y sentirla en el escenario. Eso es el teatro”.

JULIO BRAVO / ABC MADRID / 10.06.2011

A Paco de la Zaranda (prácticamente nadie le conoce como Francisco Sánchez), creador y cabeza visible del grupo de teatro andaluz «La Zaranda» le cuesta explicar sus obras. «Si supiera lo que son dejaría de hacer teatro», dice despacio después de un reflexivo silencio. «No sabemos ni queremos explicar lo que somos», añade, aunque sí dibuja cuatro trazos para contar algo más de una compañía con tres décadas de vida y el último premio Nacional de Teatro en la mochila. «El discurso fundamental de La Zaranda no ha cambiado. Antes queríamos expresar lo que éramos y ahora queremos que el teatro se exprese a través de nosotros. No hacemos teatro de repertorio, y esperamos que cada día el escenario nos siga sorprendiendo. Nuestro teatro es una metáfora, un espacio fuera del tiempo».

Doce trabajos desde su creación, en 1978, son el bagaje de La Zaranda, que se define a sí misma como «Teatro inestable de Andalucía La Baja». A caballo entre Jerez, su origen, y Madrid, fue en Iberoamérica donde la compañía encontró el aliento y el empuje necesarios para que otros escenarios les abrieran las puertas. Uno de ellos es el Español de Mario Gas, donde se acaba de estrenar «Nadie lo quiere creer. La patria de los espectros», función que vio la luz en el pasado festival gerundense Temporada Alta. Una obra con el sello tragicómico de la compañía, cercano, como dice su dramaturgo de cabecera, Eusebio Calonge, al sainete: «un sainete sombrío, fronterizo con el esperpento, mitad chabacano mitad sublime».

Ruinas y espejos

Y explica así Calonge su obra: «Los fantasmas brotan al amparo de las ruinas y los espejos, en la oscuridad de las vidas sin designios, en ese nosotros sin destino. Asoman en el sentimiento de lo perdido, en el anhelo de lo que nunca llegamos a tener y en la resignación de no haberlo alcanzado nunca. Esta que fue casa de blasón, en cuyo jardín nunca se ponía el sol, es el lugar de sus apariciones, el trozo de calendario al que se aferran, donde disecan las pretéritas glorias y cicatrizan las partes amputadas de su historia. Quebrada la fe solo les queda el afán de sobrevivir. Desmembrados y consumidos por enfermizas pasiones, enfrentados siempre por el pasado, apenas unas sombras, figurantes en un sainete espectral de consabido argumento: la impotencia conspirando contra la esperanza siempre».

Humor —«es el puente hacia el público», dice Calonge— y la poética que siempre ha estado presente en sus montajes son los dos principales ingredientes del guiso que La Zaranda presenta. «Cada vez que emprendes un nuevo trabajo —dice el creador de la compañía— es mejor olvidarse de todo lo anterior… salvo de la poesía». «Nos movemos en la patria que es el teatro», apostilla Calonge, que se lamenta: «Andalucía nunca ha sido el territorio de La Zaranda». «De hecho —añade Paco de La Zaranda— es el único lugar donde se nos ha criticado que hablemos con acento andaluz es precisamente en Andalucía. Pero es solo nuestro origen, y en realidad no nos ha preocupado nunca de dónde somos».

Irene ha vivido el peor día de su vida en la víspera de su 30 cumpleaños, agosto, ola de calor y una noche de insomnio a causa de una pregunta que le rondará en la cabeza: ¿Qué es la felicidad?

Su gran fin será encontrar la respuesta. Nuestra protagonista intentará en esta noche de Insomnio recuperar las riendas de su vida y darle un sentido a su existencia. ¿Lo logrará?

20 premios en distintos festivales y certámenes de teatro avalan la trayectoria de esta compañía sevillana.

El estilo de bricAbrac Teatro, no es otro que la propia mezcla, su particular forma de contarlo es mediante la comedia, el humor… Estos maestros de la comedia arrancan una y otra vez sinceras carcajadas con sus obras, gracias a su lenguaje claro y directo, su puntito de locura y la gestualidad cómica de Elena en escena.

El absurdo, la ironía, el sarcasmo, el clown, los personajes tipo, las situaciones rocambolescas, la comedia, el bufón, cualquier tipo de lenguaje puede ser utilizado siempre y cuando vaya al servicio de la historia que quieren contar.

La rueda de prensa de ayer fue, cuanto menos, curiosa. Numerosos representantes del sector privado del teatro de la ciudad asistieron a este acto, que estuvo presidido por los todavía responsables municipales, encabezados por Paz Sánchez, directora del ICAS .

Sin embargo, el protagonismo y las atenciones no se los llevaron ni la prensa ni quienes, en funciones, ofrecían la rueda. Y es que dos miembros del equipo de la futura delegada de Cultural, Mar Sánchez Estrella, acudieron a respaldar esta iniciativa. Sin embargo, su presencia fue aprovechada por los teatreros para mostrar al PP su repentina confianza en que su gestión mejore algunos inconvenientes del gobierno local saliente. Y es que se escucharon críticas a la poca disponibilidad de los centros cívicos para iniciativas culturales, la escasez de las ayudas y la lentitud en su pago. Incluso alguno elogió que el PP diluya Cultura en una macroárea con Educación para fomentar la enseñanza cultural. Y todo esto en las narices de la directora del ICAS. Desde luego, una nueva etapa.

José Gallego Espina / El Correo de Andalucia / 07.06.2011

El ciclo, que se prolongará hasta septiembre, arranca hoy con ‘Las preciosas ridículas’.

Las Noches de Verano en el Palacio de la Buhaira, una iniciativa fruto de la colaboración público-privada, nacida hace tres años para completar la parca oferta estival de la ciudad, regresa a partir de hoy con un programa de teatro, música y flamenco, aprovechando la fisonomía de este centro cívico, ideal para montajes de época.

La directora en funciones del Instituto de la Cultura y las Artes del Ayuntamiento (ICAS), Paz Sánchez, presentó ayer la programación de 2011 junto a una de las impulsoras de esta actividad, Maite Lozano, de Viento Sur Teatro. El ciclo, que ofrecerá más de 60 representaciones hasta el 11 de septiembre, arranca esta noche con Las preciosas ridículas, una producción de la compañía Ekilateatro. Se trata de una obra de Molière, versionada por Jorge Cuadrelli, que se burla de la burguesía de la época, “muy parecida a la de la actualidad, porque las cosas no han cambiado tanto”, apuntó Lozano, que destacó que los intérpretes serán un grupo de jóvenes actores de 18 a 25 años procedentes de su escuela.

Este montaje estará en cartel hasta el 12 de junio. Posteriormente, del 15 al 19 de junio le llegará el turno a la compañía Extrés con Restaurant Tú Three, una pieza de teatro gestual y cómico que lleva tres años girando por España y el extranjero.

Del 11 al 26 de junio La Serda, agrupación que se estrena en este ciclo, pondrá en escena Por un cuñado de dólares.

La música también tendrá su hueco en la Buhaira. El 28 de junio la Compañía Lírica de Andalucía representará Carmina Burana de Carl Orff. En el apartado de flamenco, Artegestión ofrecerá varios espectáculos como Memoria y raíz -el 29 y 30 de junio y el 1 de julio-. Y el 2 de julio actuará José Manuel amos El Oruco.

Javier Ruibal dará un concierto acústico el 3 de julio, mientras que el 5, 12 y 26 de ese mes se representará Zarzuela la del manojo de rosas, mientras que el día 19 habrá un recital de ópera y zarzuela. Y del 6 al 10 de julio, Viento Sur representa Tartufo, y del 13 al 17 regresa Las preciosas ridículas. Y con teatro se cierra el mes, del 20 al 31, de miércoles a domingo, Teatro Clásico representará La dama duende.

Ya en agosto, los días 2 y 30, la Compañía Lírica ofrecerá sendos recitales, y el día 9 otro concierto de ópera y zarzuela.

Del 3 de agosto al 11 de septiembre, de miércoles a domingo -excepto los días 6 y 7-, Teatro Clásico presenta su versión de Carmen, estrenada el pasado otoño en el Lope de Vega. El 6 y 7, El cuarteto maravillas pone en escena Luces de variedades.

El 16 de agosto vuelve lo jondo, con un recital de Rosario la Tremendita. Y el 23 de ese mes repite Javier Ruibal. Por último, el 6 de septiembre La Canalla presenta Flores y malas hierbas.

Todos los espectáculos arrancan a las 22 horas y el precio de las entradas depende del espectáculo, pero van de los 8 a los 20 euros.

El Consistorio aporta para el ciclo 30.000 euros, de los que 12.000 van a publicidad, y el resto a seguridad, mantenimiento y montaje del escenario. Las compañías trabajan a taquilla y generan unos 70 contratos. En 2010 acudieron 11.000 personas a este ciclo.

ENCUENTROS “UN GATO EN PROSCENIO”, DURANTE EL MES DE JUNIO LA LIBRERÍA UN GATO EN BICICLETA ACOGERÁ ENCUENTROS ENTRE PÚBLICOS Y ARTISTAS

Gracias a a la iniciativa de la compañía teatral ACTeatro y Grupo Cultural 19, se desarrollará un ciclo pionero en Sevilla, una serie de encuentros abiertos entre público y profesionales de las artes escénicas para acercar los entresijos de los proyectos a sus seguidores. El ciclo, de nombre, “Un Gato en Proscenio”, tendrá lugar en la Librería cultural Un Gato en Bicicleta (Calle Regina), siempre a las 20.30 horas.

Arranca el jueves 9 de junio, con la inauguración del escaparate de Teatro Clásico de Sevilla y la exposición de proyectos escénicos de los técnicos Adolfo Carmona y Tito Tenorio, con fotografías de Juan Francisco Angulo y Luís Castilla, contando con el Festival Circada como primer invitado del ciclo.

El 14 habrá un coloquio con Roberto Quintana sobre “El Actor y El Texto”, mientras que el 16 estará dedicado a la Danza contemporánea, con Raquel Madrid. Continúa el 18 de junio con el espectáculo “Destejiendo Sueños” de Silencio Danza, para volver a los coloquios el 21, cuando José Manuel Mudarra hablará sobre el Actor y el Cuerpo.

Los últimos encuentros serán el 23 de junio, con el autor y director Raúl Cortés y el 28, sobre el manifiesto de las artes escénicas en Andalucía, mientras que el 25 tendremos el segundo espectáculo de danza del programa: “Dead & Lovely” de Han sido ellas. El ciclo termina el 5 de julio con la mesa redonda “Los Técnicos en el Teatro y la Danza”.

Más información en www.ungatoenbicicleta.com

R. C. / El Diario de Sevilla / 07.06.2011

Circada recorrerá las calles de Sevilla con 35 espectáculos. Del 14 al 26 de junio, el festival de circo contemporáneo visitará la capital y la provincia

Junio es el mes de Circada en Sevilla. El festival de circo contemporáneo se colará por las calles de Sevilla, Lora del Río, Dos Hermanas, Lebrija y La Rinconada del 14 al 26 de este mes con un total de 35 espectáculos en la que será su IV edición.

Circada arrancará el próximo martes 14 en el Teatro Lope de Vega, que desde hace tres años colabora con esta iniciativa cultural que muestra lo mejor del panorama circense. Lo hará de la mano de Plecs de la compañía Enfila’t, un espectáculo dirigido por Gonzalo Andino, de marcado carácter poético, en el que toda la escenografía y atrezzo están compuestos de papel y cartón, salvo un original artefacto metálico creado por la compañía llamado cablípside.

En Sevilla, distintos enclaves monumentales como la Alameda de Hércules, el monasterio de Santa Clara, los Jardines del Prado, la Torre de los Perdigones, la Plaza Nueva o el Rectorado, entre otros, acogerán las representaciones de los artistas. También la provincia disfrutará de las representaciones y números de los  protagonistas de este año con un total de nueve espectáculos de circo contemporáneo. Sindrome Clown, El Gran Dimitri, Lusco e Fuco, Leandre y Ana Santa Cruz son algunas de las compañías invitadas a esta cuarta edición.

Mar Sánchez Estrella, próxima delegada municipal, tomará posesión del cargo en unos días y se enfrentará a numerosos retos.

Tiempos de cambios. La arrolladora victoria del Partido Popular en las pasadas elecciones municipales y, por tanto, el cambio en el gobierno local afectará, sin lugar a dudas, a la gestión de las políticas culturales en la ciudad. Cultura, esa parcela que el Partido Socialista y la izquierda en general se arroga como terreno propio y amigo, cambiará de manos a finales de esta semana.

Esto ha generado no pocos temores en un sector acostumbrado ya al funcionamiento de los últimos ocho años. Y eso a pesar de los intentos por despejar estos miedos de quien será la nueva delegada del área, María del Mar Sánchez Estrella , que ha garantizado que habrá continuidad en los programas y no se romperá con las iniciativas que hasta ahora han funcionado.

La nueva responsable de Cultura -que comparte macrodelegación con Juventud, Deportes y Educación, como ya pasara en el Consistorio de los años 80- es una mujer de la plena confianza del nuevo alcalde, Juan Ignacio Zoido . No en vano, ocupaba el número tres de su lista, una cercanía que le dará la oportunidad de atraer hacia Cultura las atenciones que muchos temen que con el PP se pierdan.

Antes de las elecciones, en una entrevista concedida a este periódico, Sánchez Estrella lo dejó muy claro: “No vamos a hacer borrón y cuenta nueva”. Su intención manifiesta es revisar el modelo del Instituto de la Cultura y las Artes (ICAS) , reducir el gasto en cargos de confianza y hacer una auditoría para conocer cómo han funcionado las actividades los últimos años.

La futura delegada avanzó entonces su propósito de unificar las direcciones de los festivales y de los espacios escénicos, con el objeto de ahorrar. Esta opción, que en la práctica parece difícil de encajar -no se antoja sencillo que una misma persona programe la Bienal, el Festival de Cine y Circada- deja en el aire el futuro de la amplia plantilla de directores del ICAS, que se reparten entre los certámenes y centros tan variopintos como el Casino de la Exposición, los espacios escénicos o el Centro de las Artes (caS).

A pesar del cambio de partido, algunos de estos directores han manifestado -tanto en público como en privado- que están a la espera de que se conforme la nueva corporación municipal para saber si se cuenta o no con ellos. En este punto, el nuevo equipo de Cultura debería tener en cuenta que los responsables que mejores resultados han cosechado en este mandato, como Antonio Álamo en el Lope de Vega o Javier Martín Domínguez en el Festival de Cine, han sugerido públicamente que no sería una decisión de ellos el dejar el cargo, por lo que parece que el cambio de color político no sería óbice para que siguieran desempeñando su función, algo que deberá ser tenido en cuenta por la nueva delegada.

Y es que Sánchez Estrella tomará posesión del cargo en días, pero con el verano de por medio, a la vuelta de vacaciones se encontrará con el Festival de Teatro, el de Cine y el Mes de Danza, citas claves para la temporada cultural de la ciudad. Para el certamen cinematográfico, que se celebra en noviembre, el equipo de Martín-Domínguez ya está trabajando en su programación -esta edición estará dedicada a Rusia-, por lo que lo más razonable parece que sería mantener, al menos este año, al director actual.No es el caso de la Bienal de Flamenco, cuyo máximo responsable, Domingo González, también está preparando su programación, aunque esta cita no se celebra hasta otoño de 2012, por lo que los cambios podrían ser más inminentes.Capítulo aparte son los festivales privados.

La directora del Mes de Danza , María González, confía en que el nuevo gobierno mantendrá los programas consolidados, como el suyo o el feSt, ambos con una partida presupuestaria comprometida por el Ayuntamiento para este año, que dan por hecho que se respetará. “En 2011 el Consistorio aportará 90.000 euros para el Mes de Danza, 20.000 menos que en 2010, pero por supuesto que contamos con ese dinero”, añadió. Y no se aventura González al decir esto. La futura responsable municipal de Cultura se reunió durante la campaña electoral con la Plataforma de Festivales de Iniciativa Privada de Sevilla para transmitir a los empresarios que habría respeto a los certámenes y una idea de continuidad, en función de la valoración que se hiciera de sus resultados.

Pero más allá de los directores y las actividades, otros problemas mucho más acuciantes son los que esperan a Sánchez Estrella, como la situación de la red de teatros de gestión privada de la ciudad, que se encuentran en “estado crítico”.”Las salas estamos muy endeudadas y al borde del colapso y la quiebra”, expone el presidente de la Asociación Escenarios de Sevilla -que agrupa al gremio-, José María Roca. El dramaturgo recuerda que el ICAS lleva “demasiado retraso” en el pago de las ayudas concedidas en 2010, un dinero que asciende a 200.000 euros y que ya se han gastado. “La última parte de las subvenciones de 2009 llegaron hace unos días y todavía no se tiene noticias de las de 2010, cuando lo normal sería haberlas cobrado en ese mismo año o, a más tardar, en el primer trimestre del siguiente ejercicio”. Y la situación no parece mejorar: “Estamos en junio y ni hemos cobrado 2010 ni han convocado las de 2011″, relata Roca.

El presidente de Escenarios confía en que la llegada de Sánchez Estrella remedie algo esta situación. La asociación espera reunirse con la nueva delegada cuando asuma el cargo. En su opinión, la concejal popular “ha seguido muy de cerca los asuntos relacionados con Cultura mientras estaba en la oposición”. “Ha reconocido que el ICAS no funciona bien y que es necesario ganar agilidad, por lo que esperamos mejoras”, concluye.

Otro de los asuntos clave y más urgentes que deberá atender el PP será la cesión de la colección de arte de Mariano Bellver. El propietario lleva años negociándola con el Ayuntamiento y la Junta, aunque últimamente sus conversaciones se han centrado en la Consejería de Cultura para que sus cuadros acaben en el Palacio de Monsalves. Sin embargo, el acuerdo no termina de cuajar. El equipo municipal saliente le ofreció una sede cercana a la Catedral, si bien el coleccionista da por desaparecida esta oferta con la llegada del nuevo gobierno.”Todavía no he hablado formalmente con ellos. Yo no voy a alterarme más. Me lo tomo con tranquilidad y que proteste Sevilla si al final no hay un acuerdo”, avisa.

Sobre esta cuestión, Sánchez Estrella sugirió durante la campaña la posibilidad de exponer las obras en la casa del coleccionista mientras se amplía el Bellas Artes, una opción que el propietario califica de “antigua”. “Hay que esperar a que entre el nuevo equipo y veremos”.

Choques con la Junta. Las relaciones entre administraciones son otro punto importante, sobre todo en Cultura, donde los roces con la Junta han sido constantes en el último mandato, pese a ser del mismo color político.

El delegado provincial del ramo, Bernardo Bueno, garantiza que desde su departamento “habrá colaboración institucional y confianza mutua”. A su juicio, las “todos los temas pendientes seguirán su curso normal”, y los programas de colaboración en festivales y actividades seguirán tal y como han estado en años anteriores. “Yo estoy a disposición de la nueva delegada para cuando me solicite una reunión, una vez que le hayan hecho el traspaso de las tareas”, apuntó Bueno, que también se refirió a uno de los temas que más choques le provocó con la delegada saliente, Maribel Montaño: “Yo no sé si el nuevo equipo mantendrá la intención de exponer el Tesoro del Carambolo en el Antiquárium.

Cuando me comuniquen algo actuaremos como hasta ahora”, añadió el delegado, que recordó que también deberán hablar sobre la colección Bellver, “una cuestión a dos bandas”. Pero sin lugar a dudas, la mayor incógnita que se le presenta al PP en materia cultural es el incierto futuro de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo (Biacs).

Sánchez Estrella siempre se ha mostrado partidaria de mantenerla, si bien la delicada situación económica del Consistorio podría condicionar la continuidad de las ayudas de 500.000 euros por edición que recibe esta muestra.Y es que las deudas del ICAS y la delicada situación económica del Consistorio protagonizarán buena parte del primer año del mandato popular, que arrancará en días.

El traspaso de poderes es inminente. Maribel Montaño se ha puesto a disposición de la popular para explicarle la situación actual de los principales asuntos pendientes, según indicaron fuentes del ICAS, que recuerdan que la futura delegada ya conoce la realidad del departamento, puesto que ha formado parte del consejo de administración durante todo el mandato.

Harán falta al menos 100 días para hacer una primera evaluación de los nuevos gestores que capitanearán la política cultural de Sevilla. Hasta entonces, sólo hay deseos -los del sector, que espera que la llegada del PP no suponga una ruptura con la gestión anterior-, intenciones -las de la nueva delegada de mantener y elevar el nivel cultural de la ciudad- y temores, en concreto los de algunos que ven en los populares un modelo cultural algo más conservador. Y negar que hay ciertos reparos al modelo cultural que se le atribuye al PP sería engañarse. A pesar de gobernar ciudades con una vida cultural poco discutible, como Madrid, los populares arrastran este sambenito que ahora tienen la oportunidad de desterrar -especialmente en Sevilla, donde la izquierda los ha identificado con lo más rancio de la sociedad-. Y para muestra, un botón. Desde la victoria de Zoido, Twitter se ha llenado de comentarios jocosos sobre la llegada del PP. Y en cultura tampoco han faltado. Bajo la etiqueta zoidofacts, todavía se puede encontrar en esta red social: “Cabezas de cartel de Territorios 2012: Bertín Osborne, Manolo Escobar y Norma Duval“. Sentido del humor no falta.

Por petición del público, “Insomnio” vuelve por la tercera vez en está temporada en la Sala LA FUNDICIÓN de Sevilla, del 16 al 19 de Junio.

Con este espectáculo bricAbrac Teatro recupera las raíces de su primer espectáculo C’est la vie, el principio… muy duro (que pudimos ver en La Fundición la temporada pasada), y en el que recupera a su p
ersonaje Irenita, pero esta vez, Irenita ha crecido, es una chica casi normal que está a punto de cumplir sus 30 años.

Irene ha vivido el peor día de su vida en la víspera de su 30 cumpleaños, agosto, ola de calor y una noche de insomnio a causa de una pregunta que le rondará en la cabeza, ¿Qué es la felicidad? Su gran fin será encontrar la respuesta. Nuestra protagonista intentará en esta noche de Insomnio recuperar las riendas de su vida y darle un sentido a su existencia. ¿Lo logrará?

20 premios en distintos festivales y certámenes de teatro avalan la trayectoria de esta compañía sevillana. El estilo de bricAbrac Teatro, no es otro que la propia mezcla, su particular forma de contarlo es mediante la comedia, el humor…Estos maestros de la comedia arrancan una y otra vez sinceras carcajadas con sus obras, gracias a su lenguaje claro y directo, su puntito de locura y la gestualidad cómica de Elena en escena. Para la compañía bricAbrac Teatro la risa no es el fin, sino el medio con el que cuentan sus historias.

El absurdo, la ironía, el sarcasmo, el clown, los personajes tipo, las situaciones rocambolescas, la comedia, el bufón, cualquier tipo de lenguaje puede ser utilizado siempre y cuando vaya al servicio de la historia que quieren contar. Su peculiar forma de abordar sus espectáculos desde la esencia más mínima como concepto o germen de la historia hasta que nace el espectáculo en sí, creciendo al mismo tiempo, idea, texto, música, imagen del espectáculo, escenografía, vestuario, personajes…. Es una creación artesanal del acto teatral.

Presentación del libro “Teatro de la Libertad sofocado en el franquismo” de Julio Martínez Velasco el martes 7 de junio, a las 20h30, en el salón de actos de la Casa de la Provincia de Sevilla

¡¡VUELVEN!! El Orfelinato de La Santa Compaña en la Sala LA FUNDICIÓN de Sevilla, del 26 Mayo al 5 Junio – www.lasantacompana.com

Una comedia de terror o un terror de comedia, según se mire.
URGE: Cocinera interna para el orfelinato High Hill Green Grass House. IMPRESCINDIBLE: Estar sola en este mundo, carecer de iniciativa propia y tener la discografía completa de Richard Claiderman.
INTERESADAS acudir el martes 13 de noviembre a las 6 en punto.

Gladys, nuestra protagonista, acude a la llamada del anuncio y se ve envuelta en una pesadilla. Los habitantes del orfelinato tienen un plan macabro y ella es su próxima víctima. ¿Conseguirá escapar?

Nos hemos inspirado en los clásicos del cine de terror para crear ¡¡¡LA MEJOR COMEDIA DE SERIE B DE TODOS LOS TIEMPOS!!! La dirección, los elementos escenográficos, la interpretación y el espacio sonoro crean un lenguaje abierto y descarado que enganchan al espectador en el juego, desde el comienzo hasta el inesperado THE END

Por petición del público, “INSOMNIO, Ne me Quitte pas el Sueño” de bricAbrac Teatro vuelve por la tercera vez en está temporada en la Sala LA FUNDICIÓN de Sevilla, del 16 al 19 de Junio.

Concierto 23 de Mayo´11 en “Las setas” :: Artistas Indignados

Sábado, 28 de mayo, a partir de las 17:00h. Plaza de San Francisco – Alameda de Hércules.
Concierto en Sala Museo – Muñoz León, 5 (junto al hotel Macarena), Sevilla (Spain)

* Maquillaje y caracterización: Desde las 17:00h

* Salida de la marcha zombie: 20:00h desde Plaza San Francisco

* Llegada a La Alameda: 22:00h aprox

CONCIERTOS: Apertura de puertas 23:00h

* Grupos: Los Carniceros del Norte, Cromosoma 3, Zombienstein & Delir1um Tr3mens

ORGANIZA: La Araña A.C.

Eugène Ionesco, essayant d’apprendre l’anglais grâce à la méthode Assimil, découvre l’hypocrisie et la superficialité de la société.
Il en ressortira ce qu’il appellera une “anti-pièce” : La cantatrice chauve, dont le succés ne faiblit pas. Elle est jouée au théàtre de La Huchette tous les soirs sans interruption, depuis sa création en 1950. Attachez vos ceintures ! Décollage immédiat vers le rire !

La cantatrice chauve – Del miercoles 1 de Junio al Sabado 4 de junio de 2011, a las 20h30
au Théâtre de l’INSTITUT FRANÇAIS ( c/Marqués de la Ensenada,10 )
Participation: 12€- 6€ (-25ans et adhérents IFM)
Réservations: 91 308 09 30 (10h-14h) & ef_madrid@yahoo.es

Por petición del público, “Insomnio” vuelve por la tercera vez en está temporada en la Sala LA FUNDICIÓN de Sevilla, del 16 al 19 de Junio.

Con este espectáculo bricAbrac Teatro recupera las raíces de su primer espectáculo C’est la vie, el principio… muy duro (que pudimos ver en La Fundición la temporada pasada), y en el que recupera a su p
ersonaje Irenita, pero esta vez, Irenita ha crecido, es una chica casi normal que está a punto de cumplir sus 30 años.

Irene ha vivido el peor día de su vida en la víspera de su 30 cumpleaños, agosto, ola de calor y una noche de insomnio a causa de una pregunta que le rondará en la cabeza, ¿Qué es la felicidad? Su gran fin será encontrar la respuesta. Nuestra protagonista intentará en esta noche de Insomnio recuperar las riendas de su vida y darle un sentido a su existencia. ¿Lo logrará?

20 premios en distintos festivales y certámenes de teatro avalan la trayectoria de esta compañía sevillana. El estilo de bricAbrac Teatro, no es otro que la propia mezcla, su particular forma de contarlo es mediante la comedia, el humor…Estos maestros de la comedia arrancan una y otra vez sinceras carcajadas con sus obras, gracias a su lenguaje claro y directo, su puntito de locura y la gestualidad cómica de Elena en escena. Para la compañía bricAbrac Teatro la risa no es el fin, sino el medio con el que cuentan sus historias.

El absurdo, la ironía, el sarcasmo, el clown, los personajes tipo, las situaciones rocambolescas, la comedia, el bufón, cualquier tipo de lenguaje puede ser utilizado siempre y cuando vaya al servicio de la historia que quieren contar. Su peculiar forma de abordar sus espectáculos desde la esencia más mínima como concepto o germen de la historia hasta que nace el espectáculo en sí, creciendo al mismo tiempo, idea, texto, música, imagen del espectáculo, escenografía, vestuario, personajes…. Es una creación artesanal del acto teatral.

Cía. Animalario. Dirección: Andrés Lima. Autores: Juan Mayorga y Juan Cavestany. Intérpretes: Alberto San Juan, Guillermo Toledo, Luis Bermejo y Nathalie Poza. Escenografía y vestuario: Beatriz San Juan. Iluminación: Valentín Álvarez y Pedro Yagüe. Fecha: Viernes, 20 de mayo. Lugar: Teatro Central. Aforo: Lleno.

Un público expectante llenó anoche el Teatro Central para recibir a Animalario. Una compañía que, tras catorce años de trabajo, hoy es sinónimo de calidad y de entusiasmo; de cosas bien hechas y vivas, como aquel impresionante Urtain que conquistó sin reservas los espectadores de este mismo teatro. Y como esta Penumbra en la que el grupo se enrosca en sí mismo, en la persona de cuatro magníficos actores, para atisbar, en el interior del ser humano, los inciertos confines de la realidad.

A través de una familia -padre, madre, niño y unos abuelos a los que sólo se les oye- y un extraño que participa e incide en casi todas las acciones, Mayorga y Cavestany, juntos de nuevo, construyen una trama en la que las pesadillas y los miedos ancestrales se mezclan con la parte más siniestra o peligrosa de la sociedad moderna -la televisión sin ir más lejos- para construir un magma en el que Andrés Lima coloca a cuatro personajes en tensión que nos ofrecen visiones y sensaciones muy diferentes del mundo que -se supone- evoluciona tras las ventanas de una pequeña casa de veraneo.

Estupenda la atmósfera que consiguen, mezcla de sueño y vigilia, en la que van saltando, con humor a veces y con muchos guiños a la literatura y al cine de suspense, muchos de los mecanismos perversos que nos habitan, grabados a nuestro pesar en cualquiera de nuestros hemisferios. Como la seguridad de que, por el solo hecho de repetir ciertas palabras y ciertos gestos, como compartir la sopa, éstos se elevan a la categoría de reales y, como tales, son universal y convencionalmente aceptados por todos.

Un reto difícil al que los actores se entregan en cuerpo y alma.

Este montaje de Shakespeare cuenta con una escenografía basada en el vídeo y la participación del Coro de Voces Graves de Madrid

abc / sevilla / 19.05.2011

La compañía UR Teatro estrena a nivel nacional este viernes 20 de mayo una nueva versión de ‘Macbeth‘ de W. Shakespeare a cargo de Helena Pimenta, que en esta ocasión cuenta con la participación del Coro de Voces Graves de Madrid, y con una puesta en escena “no convencional” que indaga en el mundo del vídeo, en una combinación de los recursos clásicos y las nuevas tecnologías aplicadas a la escenografía.

Durante la presentación, en la que también participaron el actor José Tomé (Macbeth), la actriz Pepa Pedroche (Lady Macbeth), y el director de Lope de Vega, Antonio Álamo, Pimenta ha explicado que “lo más importante es atreverse con un texto clásico, no amable para el espectador, en momentos de crisis como el actual”. En este sentido, dice que esta versión “es una nueva mirada, necesariamente profunda, a la historia de este héroe convertido en villano que es Macbeth, ya que su periplo de ascensión y caída, guiado por una ambición desmedida, nos concierne”.

Además, en esta ocasión la escenografía, con dirección de José Tomé, es el vídeo porque “hay que buscar nuevos lenguajes, y hacer que el público no se aburra”, señala Pimenta, quien a partir de septiembre se pondrá al frente de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y para quien este montaje es el octavo del autor inglés. De este modo, “en esta búsqueda del mundo de ultratumba, de unir sueño y realidad hemos indagado en el mundo del vídeo, uniendo estos elementos en constante diálogo”, y creando una escenografía que “es un ejercicio de contención”.

Andrés Lima dirige a Alberto San Juan, Guillermo Toledo, Luis Bermejo y Nathalie Poza en el montaje más onírico del grupo

Charo Ramos / El Diario de Sevilla / 20.05.2011

El talento del director, autor e intérprete Andrés Lima adquiere, montaje tras montaje, la contundencia de un gigante escénico, algo así como un Orson Welles en versión española. La comparación con el artífice de Campanadas a medianoche no es baladí si se ha disfrutado, como es el caso, del torrencial Falstaff que Lima estrenó en marzo en Madrid por encargo del Centro Dramático Nacional, un montaje que debería ser de obligada representación en las principales capitales españolas y todo un reto interpretativo -con el propio director sobre las tablas- que sus maravillosos actores cumplen con nota y sobresaliente respeto por los textos de Shakespeare, especialmente Enrique IV. Pero ahora Lima, que en breve volverá a dirigir en París a los actores de la Comedie Française, está en Sevilla hasta mañana con el núcleo duro de Animalario y un texto, Penumbra, que vuelve a reunir las firmas de Juan Cavestany y Juan Mayorga años después de Alejandro y Ana.

Para Manuel Llanes, programador del Teatro Central, Penumbra es “el espectáculo más personal e inquietante de esta compañía que sigue la estela de los cómicos antiguos derrochando oficio y con un posicionamiento permanente sobre las tablas”. El montaje reúne a dos de los actores más populares de Animalario, Alberto San Juan y Guillermo Toledo, con Luis Bermejo y la inmensa Nathalie Poza, cuya escalofriante composición para aquel Tito Andrónico que San Juan y Lima estrenaron en el Lope de Vega de Sevilla le valió el premio a mejor secundaria de la Unión de Actores.

Según explicó Lima en la presentación ayer del espectáculo, Penumbra -nombre también del fantasma que interpreta Toledo- “tiene más que ver con Buñuel y con David Lynch que con un relato lineal”. “Es nuestra propuesta más onírica y la más arriesgada escénicamente. Parte de un taller de creación en el que participó toda la compañía y donde cada uno trató de responder a la pregunta de cuál era su mayor dolor”, añadió el director, que describió el texto, donde se habla de la violencia que puede darse en una familia y de la imposibilidad de la comunicación, como “un Pinocho perverso”.

La alucinatoria escenografía compuesta por Beatriz San Juan -el esqueleto de una casa de paredes transparentes que por momentos parece una jaula-, la música de Nick Powell y los instrumentos de juguete de Pascal Comelade son otras de las bazas de esta producción que toca la esencia de los temores que nos afectan y donde los títeres también reclaman su protagonismo. Con la rabia de su premiadísimo Urtain en la memoria de todos, el regreso de Animalario supone un magnífico aliciente para clausurar esta temporada escénica en el Central.

PEIO H. RIAÑO / EL PUBLICO MADRID / 10-05-2011

El Ayuntamiento de Madrid no paga sus encargos de actividades culturales desde el pasado mes de noviembre. “El consistorio trata de disimular así el aumento del déficit, pero la situación es un desastre. De esta manera, a la cantidad que invierten en cultura anualmente tienen que restar el pago de las deudas acumuladas el año anterior, con lo que es imposible levantar cabeza”, asegura a este periódico un gestor cultural que se mantiene en el anonimato. Su empresa no es la única que renquea en tiempos de crisis entre la gestión local de los fondos públicos destinados a la cultura.

“Los ayuntamientos morosos, debiendo mucho dinero, siguen contratando. ¿Por qué?”, se pregunta Salvador Sanz, vicepresidente de la Asociación de Empresas de las Artes Escénicas de Madrid (Artemad). La morosidad mueve ficha y la responsabilidad de sacar adelante proyectos cae sobre el creador, que trabaja por nada en el mejor de los casos. En el peor, abandona: . Si al impago le añadimos los recortes de presupuestos, la falta de contratación, etc., el panorama es catastrófico”, aña”Muchas compañías de teatro están desapareciendo o en vías de desapariciónde Sanz, que aclara que todavía no se han convocado las ayudas de 2011 para producción teatral de la Comunidad de Madrid en mayo.
El grifo cerrado

Hasta hace unos meses, a la compañía Animalario le debían las instituciones públicas 400.000 euros. “Los que más nos deben son los ayuntamientos. La política de todos ellos es retrasar el pago todo lo que pueden. No depende de lo grande que sea el Ayuntamiento. Antes ingresaban por la burbuja inmobiliaria y ya no tienen, así que han cerrado el grifo de inversión en cultura”, explica Joseba García, el productor de la compañía que tiene en marcha la obra Penumbra.

Afortunadamente, Animalario ha encontrado ayudas, apoyos (ensayó Penumbra en un espacio cedido por el Museo Reina Sofía) y patrocinadores. Pero avisan de que la mayoría de las compañías terminarán desapareciendo. “Las de medio formato pasan por la ruina. A nosotros nos deben 40.000 euros, que es mucho para una compañía como esta”, reconoce Juan Margallo fundador de Tábano y Uroc Teatro. Apunta un futuro crudo con grupos de dos actores, porque con más no serán sostenibles.

El propio Joseba García dice que Animalario no arriesgará el año que viene con una gran producción, como hasta el momento. Sólo tienen previsto un Harold Pinter (El montaplatos) en Matadero de Madrid, para dos actores: Alberto San Juan y Willie Toledo. Se aventura a explicar uno de los peores efectos de los recortes y la morosidad: “A partir del 22 de mayo se tratará de privatizar todo, y que las grandes productoras entren a gestionar los teatros públicos. ¿Sólo importa lo rentable? El teatro público debe seguir activo porque si no, sólo tendremos entretenimiento. Pocos programadores se atreven con Penumbra, que no es comedia ligera, precisamente”.
Teatro a taquilla

Por si fuera poco, advierten que el caché en la contratación de espectáculos ha desa-parecido y ahora todo se hace a taquilla. ¿Cuál es el problema? “Apenas quedan teatros privados (salvo Madrid, Barcelona y Bilbao) y el teatro público ha fomentado una política de entrada barata y bonos para llegar a todos los públicos. Algo encomiable, el problema es que la taquilla es muy baja y no es rentable para las compañías. Llenas el teatro y la taquilla se queda ridícula”, se lamenta Margallo.

Jesús Cimarro, presidente de la Asociación de Productores y Teatros de Madrid (Aptem), cuenta cómo a los productores ya les parece normal cobrar a 120 días. “¡Lo que no se entiende es que los ayuntamientos se queden con la recaudación de las taquillas! Algunos interventores han descubierto que pueden recoger dinero fresco y utilizarlo para pagar otras deudas. Ponen mil excusas para frenar el pago”, cuenta Cimarro, socio con Focus en el Teatro La Latina de Madrid.

Para el empresario, uno de los problemas que han llevado a la ruina a los teatros municipales y regionales es el exceso de personal que trabaja en ellos: “Se han inflado a contratar. No puede haber un 60% de personal, hay que buscar un equilibrio porque también hay que tener dinero para la publicidad. Un teatro no puede estar cerrado”. Explica que pagar a taquilla es muy complicado porque ahora el espectador selecciona más la obra a la que va: “Antes iba tres veces a la semana”.

Las respuestas que obtienen las empresas culturales suelen ser de lo más peregrino, desde que falta una firma a que el pago depende de Hacienda: “Como si al hablar de Hacienda hablaran de otro planeta”, dice un gestor cultural, que avisa que 2012 va a ser todavía peor.
Patrimonio en mínimos

En la inversión en la conservación y protección del patrimonio histórico y artístico la situación también es grave. El último informe del Fondo Mundial de Monumentos (WMF en sus siglas inglesas) confirma que España es el tercer país en el mundo que menos cuida de su patrimonio. El sector denuncia que los ayuntamientos pagan tarde, que las comunidades apenas sacan obras a concursos, que en estos han entrado empresas generalistas porque ya no tienen obras en la construcción, que los concursos son para el presupuesto más barato y que quien más sufre esta situación es el monumento. Las instituciones se han radicalizado en sus recortes y recursos.

Gonzalo Rey, vicepresidente de la Asociación Españo-la de Empresas de Restauración del Patrimonio Histórico (Arespa), es tajante con la situación: “El patrimonio se está abandonando. El enemigo número uno es el paso del tiempo y ahora no se hacen actuaciones para frenar la ruina de los monumentos. Es una situación de deterioro progresivo”. Cuenta que también para ellos el principal problema es la morosidad con la que trabajan los ayuntamientos, que pagan a varios años vencidos.

A pesar de los beneficios evidentes de la inversión en el turismo cultural, Rey explica que “la cenicienta en el panorama cultural español siempre ha sido patrimonio”. Con casi 50 años de trayectoria en el oficio, anuncia que las consecuencias de las inversiones baratas y no especializadas empezarán a verse en pocos años: “Los peligros que se debían eliminar del monumento no se hacen por falta de conocimiento y le hacen más daño”.

Si la inversión en patrimonio está como está, las artes plásticas van a la zaga. Cuenta una galerista, que prefiere guardar el anonimato, que en la última inauguración el pasado enero del Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, con la exposición sobre los fondos de su colección había piezas que todavía no ha pagado. Bromeaba con llevar un cartel al acto en el que dijera: “Esta obra es mía”.

“Sencillamente, la bajada de las adquisiciones ha sido de precipicio”, reconoce Alberto de Juan, director de la galería Max Estrella. “Lo vimos en Arco. Ante esta inseguridad, la política cultural hoy es la parálisis. Curiosamente, el recorte no incumbe al contenedor, sino a los contenidos”, subraya en alusión a la Ciudad de la Cultura en Santiago de Compostela, donde se han invertido en su construcción casi 500 millones de euros y todavía no se ha dado a conocer el programa de actividades.

Elena Vozmediano, presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo, tampoco está satisfecha con la situación: “Está siendo un horror. La morosidad en el arte es altísima. Se hacen encargos de obras a artistas y no se pagan en dos años”. No es culpable, pero la cultura paga los platos rotos.

V.S./ El Correo de Andalucia / 12.05.2011

Hoy arranca la XXXI Feria Internacional del Títere de Sevilla. Un fantástico teatro hecho de cuerdas, maderas y manos que se moverán para contar maravillas.

“Recuerdo cuando era niño en una calle de Triana a dos hombres y una niña que ponían una tela negra y dos palos en la pared y hacían Los Cristobitas. Los títeres, cuyas cabezas eran latas de leche condensada, nos mantenían embobados durante los breves minutos que duraba la historia. Al final, respirando profundamente y con los ojos todavía como platos, les tirábamos la perra gorda con la que íbamos a comprarnos un cartuchito de pipas”, rememora con nostalgia Manolo Gómez, un titiritero cincuentón que lleva media vida entre marionetas y bambalinas. Hoy vuelve el espectáculo a Sevilla con el arranque de la XXXI edición de la Feria Internacional del Títere de la ciudad hispalense.

¿Que no la conocía? Pues no espere más y adéntrese en el deslumbrante mundo de la marioneta. Un total de 19 compañías de todo el mundo convertirán la ciudad en un gran escenario en el que se presentarán los diferentes estilos y formas que los espectáculos de títeres pueden tomar, desde guantes a varillas, hilos, sombras o muppets. Y es para todos los públicos.
Con un aire entre bohemio y romántico, Manolo Gómez, de la compañía sevillana Albero, se define a sí mismo como un “hombre del Renacimiento”, y no es para menos porque sus obras recrean a la perfección los arcaicos espectáculos de antaño. Manolo, como buen titiritero que es, hace las veces de actor, diseñador, director y además él mismo construye las marionetas, la escenografía e incluso ha hecho la adaptación de su último espectáculo shakespeariano. Un costoso y laborioso trabajo; pero como él dice, “es su vida”. Y como no podía ser de otra forma, dice guardar mucho afecto a sus títeres: no sólo son herramientas de trabajo; “yo les felicito las pascuas a todas mis marionetas”, dice.

Manolo ha cuidado hasta el último detalle de su nueva obra, Romeo y Julieta, de modo que la interpreta de la misma manera que se hacía allá por el siglo XVI. “He construido una reproducción del teatro londinense The Globe, el de la compañía del joven Shakespeare”, y no le falta ni un detalle: en la entrada se puede leer hasta la frase que daba la bienvenida al público, Totus Mundus agit histrionem, la traducción es algo así como que Todo el mundo es teatro. ¡Cuánta razón tenían!

La dulce Dorothy también se dejará ver por los escenarios sevillanos gracias a la representación de la longeva obra Mago de Oz, de la compañía sevillana Búho y Maravillas. Se trata de un número que fusiona el flamenco con el teatro de títeres y que no dejará indiferentes ni a grandes ni a pequeños. “Son funciones familiares. Disfrutan tanto los adultos como los niños, cada uno a su forma”, comenta Juan Luis Clavijo, actor marionetista de la compañía. Quince personas forman parte de Mago de Oz, una obra respaldada por el trabajo de esta compañía que cuenta con una larga trayect