Ismael G. Cabral / El Correo de Andalucia / 27.10.2011

El Teatre Romea que dirige Calixto Bieito regresa a Sevilla con el inquietante montaje ‘Desaparecer’.

Cuando de lo que se trata es de poner en escena una ópera, Calixto Bieito se transforma en un indomable enfant terrible que golpea con su látigo el corazón burgués del espectáculo y pervierte Traviatas, Nabuccos o lo que se encarte. En Europa se lo rifan, en España aparece con cuentagotas y siempre llega aliado con la mayor de las polémicas.

La cosa cambia cuando Bieito se parapeta en Teatre Romea, compañía de la que es director artístico. Entonces la virulencia se tamiza, aunque no su marcada impronta. Quienes hoy y mañana se acerquen al Teatro Central (21.00 horas) podrán conocer la última criatura a la que ha dado luz el catalán, Desaparecer, montaje cuyos aliados resultan ser Juan Echanove y una cantante indie con infinitas pretensiones llamada Maika Makovski.

Sin embargo, ni Echanove ni Makovski son los líderes de la función. Porque sobre ellos sobrevuelan los textos, los estímulos y las vivísimas imágenes que convocan los inquietantes textos de Edgar Allan Poe. “Bieito ha diseñado un espacio blanco, diáfano, fantasmal, de líneas rectas, un lugar invadido por la niebla y moteado por luces tenues y en ocasiones espectrales”, afirmó ayer Juan Echanove.

Lo que ofrece Desaparecer es una “fascinante, grave y sublime” dramatización-concierto de relatos como El demonio de la perversidad, El gato negro o de la mítica composición lírica El cuervo, además de fragmentos de poemas menos populares.

Por su parte, Makovski, cantante mallorquina de padre macedonio y ascendencia andaluza, saludada como la PJ Harvey española, ha escrito una serie de temas expresamente para el espectáculo “llenos de belleza y sutilidad”. Su canción y su presencia dan el contrapunto para sumergir al público en la voz y el gesto de Echanove, que explora el abismo de Poe, el espíritu de la perversidad, llegando con El gato negro al punto climático de la obra, un largo monólogo punteado por los clusters pianístico de su partenaire y en el que la puesta en escena apenas sí deja ver a los dos protagonistas.

A medio camino entre el teatro, el concierto y un recital de palabra hablada (o spoken word) lo que es seguro es que Desaparecer -obra estrenada en el pasado Festival Grec de Barcelona- es “un concierto-poema en la niebla”, al decir de Bieito: “Es imposible no sentir un erizamiento de la piel al ver a ese personaje alcohólico preso de sus ataques de sádica demencia. Surge el demonio de la perversidad y da la impresión de que si en esos instantes de realismo interpretativo, le pusieras un cuchillo en la mano, el exhausto y sudoroso actor sería capaz de matar”, ha explicado el dramaturgo sobre una propuesta que ha cosechado por igual críticas tan entusiastas y agrios comentarios. En todo caso, para quienes admiren o sigan a Bieito, Desaparecer es un inequívoco producto con ‘marca de la casa’. Se podrá sentir fascinación o irritación ante la propuesta pero, al menos (…y no es poco), nadie saldrá indiferente de él.

cronicasdeunpueblo.es / Puebla de la Calzada / 22 octubre 2011

La compañía sevillana bricAbrac Teatro cubrió todas las expectativas del público que acudió a la representación de “Er show de la Bienve”, cuarto montaje que la compañía presentaba en Puebla de la Calzada y que consiguió llenar todo el aforo. La presencia de Elena Bolaños en el festival de teatro es una apuesta segura por el humor y el buen hacer de esta actriz tan querida en Puebla de la Calzada.

En esta ocasión, sobre el escenario no estaba sola, le acompañaban dos magníficos músicos, Míchel Suárez y Daniel Abad, que aparte de tocar magistralmente el Contrabajo y el teclado, dieron al espectáculo un punto de complicidad con la actriz.

Elena, por su parte, nos volvió a sorprender con su frescura y su creatividad. Ella necesita muy poco para meterse en el bolsillo a todo el público desde el momento que sale a escena. Su chispa y su simpatía convencieron a un público que ovacionó a la actriz, continuamente, durante todo el tiempo de la representación. Todos disfrutamos de “er show de la Bienve”, un divertido cabaret donde la participación y la carcajada del público formaban parte de espectáculo. De nuevo, Elena Bolaños y todo su equipo, volvió a brillar sobre el escenario de Puebla de la Calzada.

Er SHOW de la Bienve será acompañada por los músicos Míchel Suárez y Daniel Abad en el XXX FESTIVAL NACIONAL DE TEATRO “VEGAS BAJAS” de Puebla de la Calzada, a las 21h15.

Bienvenida Gómez es la autentica dominguera. Ha convertido este hecho tan cotidiano en todo un arte, no hay camping que se le resista y es que Bienve es mucha Bienve, con un sentido de humor desbordante es capaz de transformar las conversaciones más cotidianas en situaciones delirantes. Un día de camping entre risas cantos. Su filosofía de vida es “Con humor todo va mejor”.

Este espectáculo lucha contra el estrés, los agobios económicos y las situaciones diarias. Ven a nuestra playa ríe, relájate y disfruta junto a Bienvenida Gómez, La autentica dominguera.

E.P. / El Correo de Andalucia / 19.10.2011

El galardón está dotado con 30.000 euros. El iluminador Juan Gómez Cornejo ha sido galardonado por unanimidad este miércoles con el Premio Nacional de Teatro que concede el Ministerio de Cultura a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y que está dotado con 30.000 euros.

Esta distinción recompensa la labor del galardonado en el ámbito teatral, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el año 2010.

El jurado de este premio ha estado presidido por el director general del INAEM, Félix Palomero con Cristina Santolaria, subdirectora General de Teatro, como vicepresidenta y compuesto por Carles Alfaro, Ana Alvarez Wagener, Ignacio Amestoy, Natalia Menéndez, Rosana Torres y Paco Sánchez en representación de La Zaranda (Premio Nacional de Teatro 2010).

APUNTES BIOGRAFICOS

Gómez Cornejo nació en Valdepeñas (Ciudad Real). Trabaja profesionalmente en el mundo del teatro desde 1980, alternando labores como iluminador y director técnico en diferentes tettros y festivales.

Ha sido galardonado con el Premio Max a la Mejor Iluminación por ‘Panorama desde el puente’ en 2003, ‘Divinas Palabras’ en 2006 y ‘Barroco’ en 2009. Además ha recibido el Premio ADE 2005 a la Mejor Iluminación por ‘Infierno (La divina comedia)’ y por ‘El rey Lear’ en el 2008.

Tiene además experiencia en el mundo de la lírica, realizando la iluminación para ‘Macbeth’ de Giuseppe Verdi para el Teatro Real, ‘El retablo de maese Pedro’ y ‘Una noche en la zarzuela’ dirigidas por Luis Olmos, ‘La revoltosa’ y ‘Las Bribonas’ dirigidas por Amelia Ochandiano y ‘Verdugo, verdugo’ y ‘La ciudad de la avaricia’ dirigidas por Gustavo Tambascio, todas ellas para el Teatro de la Zarzuela.

Entre sus últimos trabajos cabe citar ‘Hamlet’ dirigida por Tomaz Pandur (Naves del Matadero), ‘Fedra’ dirigida por Miguel Narros, ‘Medea’ dirigida por Tomaz Pandur (Festival de Teaetro de Mérida), ‘Platonov’ dirigida por Gerardo Vera (Centro Drama?tico Nacional), ‘Doña Francisquita’ dirigida por Luis Olmos (Teatro de la Zarzuela) y ‘Madre Coraje’ a cargo de Gerardo Vera (Centro Dramático Nacional).

Juan Gómez Cornejo, tras saber la concesión del galardón, ha resaltado la trascendencia de este premio que por primera vez se concede a esa disciplina. En este sentido, el premiado ha hecho hincapié en que la luz “puede crear espacios, ambientes y una dramaturgia concreta”.

En declaraciones a Europa Press, Gómez Cornejo ha confesado su “satisfacción personal” por recibir este galardón que no sólo le premia a él personalmente sino que considera que supone un “reconocimiento” hacia este oficio “que desarrolla mucha gente”.

“Nuestro trabajo es más oculto, está entre bambalinas y no damos la cara al público pero también sentimos su respiración. Agradeces que la gente valore cada vez más aspectos como éste”, añade mientras ultima su trabajo en la ópera contemporánea ‘Yo, Dalí’ de Xavier Benguerel, que llega hoy mismo al Liceo de Barcelona y que ya se estrenó en el Teatro de La Zarzuela.

En este sentido, Gómez Cornejo ha aludido también al equipo que siempre está ahí realizando esta labor. “Siempre hay un equipo con el que trabajo y a cualquier teatro que vas el equipo técnico debe estar por ti, siguiendo tus planteamientos. Aunque sean más anónimos que los actores y los directores hacen una labor digna de valorar”, ha recordado.

MAS DE TREINTA AÑOS

Más de 30 años avalan a este profesional que asegura que actualmente la tecnología se ha impuesto en esta disciplina escénica. “Eso te obliga a estar constantemente informado, documentado, recibiendo nuevas técnicas, aparatos y controles. Si te gusta, como es mi caso, tienes que estar al día de las novedades y las posibilidades”, dice.

Algo esencial en su trabajo es realizarlo “recibiendo el espíritu del director de la función”. “Lo hago metiéndome en su piel para ver a través de sus ojos y formar equipo para que el resultado sea unánime y guste. Hay que ser un poco mimético con los directores y tratar de seguir sus impulsos y sus sentimientos aportando a la vez tu granito de arena”, señala.

Gómez Cornejo no sabría decir si ha aportado algo a esta profesión, pero sí tiene claro que la desarrolla “con pasión”. “Desde luego es un poco vocacional porque ni siquiera ahora se estudia formalmente. Te vas formando sobre el terreno, de manera autodidacta. Esta es una asignatura pendiente que tiene esta disciplina. En Europa hay muchos sitos donde estudiar esta carrera y está reglada pero aquí nos falta un poquito”, apunta.

En su opinión, la forma de iluminar desde que inició su carrera se ha visto especialmente modificada con la incorporación de nuevas tecnologías y el mejor equipamiento de los teatros que han exigido gente más especializada con el tiempo. “Esta disciplina debe convivir con el resto. Ha evolucionado mucho y sigue haciéndolo”, señala.

DESDE CROACIA

Juan Gómez Cornejo se siente especialmente orgulloso de uno de sus últimos trabajos que le han llevado a Croacia. Se trata de la adaptación de ‘Guerra y paz’ en colaboración con Tomaz Pandur estrenada en el Teatro Nacional de Zagreb. “Era una propuesta muy ambiciosa y ha sido duro pero he venido contento. En este país ha sido un acontecimiento”, afirma.

Su colaboración con conocidos directores de escena es una de las ventajas que tiene su profesión. “La riqueza de este trabajo está en que conocer a gente diversa, con puntos de vista muy diferentes y tú tienes que tratar de adaptarte a ellos para que el trabajo camine”, concluye.

La compañía La Rous Teatro, ha sido galardonada hoy con el Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud correspondiente a 2011. El jurado le ha concedido esta distinción por unanimidad por “su calidad artística, coherencia y originalidad de sus espectáculos”. El jurado ha destacado, igualmente, “la capacidad de emocionar, abordando temas tan difíciles para la infancia como la muerte o la guerra, tal y como queda reflejado en sus últimos espectáculos la casa del abuelo y El refugio”.

Este premio recompensa la meritoria labor en el ámbito de las artes escénicas para el público infantil y juvenil, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el año 2010. El galardón está dotado con 30.000 euros.
Biografía

La compañía La Rous Teatro fue creada en el 2008 en Granada por la directora y actriz Rosa Díaz Martínez-Falero. Ese mismo año estrena La casa del abuelo, una pieza que escribe, dirige e interpreta, en un juego de narración y teatro con pequeños objetos y títeres que acompaña a niños y niñas en la primera experiencia de la muerte de sus familiares mayores. El montaje recibió el Premio al Mejor Espectáculo de la Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas de Gijón (FETEN) en 2009.

En febrero de 2011 se estrena El refugio, un espectáculo sobre la guerra, premiado, igualmente en FETEN de 2011 como Mejor Espectáculo.

30 años de trayectoria profesional

Rosa Díaz cumple este octubre 30 años de trayectoria profesional. Tras unos años como actriz en la compañía Cambaleo Teatro, en espectáculos como Proyecto Van Gogh y Lorca de atar, funda la compañía Lavi e Bel, en Granada, y durante seis años (1992-1998) estrena cinco espectáculos para niños y niñas y público adulto; tres de ellos, en los que dirige e interpreta, son hasta hoy trabajos de un teatro de actores que integra el clown y el teatro gestual, el juego teatral y el teatro con objetos, en escenarios de un mundo contemporáneo distorsionado en el sueño y la pesadilla: A moco tendido, Paradisi y La luna, esta última con resonancias del Brazil de Terry Gilliam.

Los dos primeros convertían las fronteras y guerras de Los Balcanes en una aventura libertaria de payasos (A moco tendido) o en la tragicómica desolación de un ventrílocuo y su muñeco, aferrados a la utopía y varados en una frontera cualquiera de una Europa apocalíptica.

Con su nueva compañía La Sal, siempre en Granada, en el 2000, Rosa Díaz estrena como actriz y directora otros trabajos como Zapatos y El gran traje (Premiado en la Feria de Palma del Río).

Como actriz, ha trabajado además con las compañías Ur Teatro y Els Comediants, entre otras; desde 1985 ha dirigido una veintena de montajes con sus compañías y con otros colectivos, entre ellos, Niña Frida, para Karlik Danza Teatro (2006), Piedra a piedra, para Teatre del Home Dibuixat (2007), Violeta, para Axioma Teatro (2008), Vaivén circodanza (2011) y Arena en los bolsillos (2011).
El jurado

El jurado ha estado presidido por el director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Félix Palomero, y Cristina Santolaria, subdirectora general de Teatro del INAEM, ha actuado como vicepresidenta. Han integrado el jurado, Ignacio Juárez Montolio, Olga Margallo Martínez, José Luis Paraja Díaz, Idoia Otegui Martínez, Enrique Cabrera, representante de Aracaladanza (Premio 2010), y Rosa Díaz Martínez-Falero, que se ha retirado de todo el proceso de votación tras ser propuesta su candidatura para el Premio.

José Gallego Espina / El Correo de Andalucia / 13.10.2011

La muestra, que cumple su mayoría de edad, tomará el Metropol Parasol, los Jardines de la Expo’92, el metro y los teatros de la ciudad.

El Mes de Danza ha logrado algo de lo que pocas citas culturales de la ciudad pueden presumir: alcanzar su mayoría de edad. Este año celebrará, del 28 de octubre al 20 de noviembre, su XVIII edición bajo el lema 18 años calando. Esto es danza, con el que propone reflexionar sobre los límites de las artes del movimiento.

Durante el certamen, que cuenta con 173.000 euros de presupuesto, visitarán Sevilla 21 compañías nacionales e internacionales, que actuarán en 19 espacios públicos y privados. En cuanto a recintos cerrados -que cobrarán entrada, cuyos precios oscilarán entre cinco y 20 euros-, el Teatro Quintero se incorpora al Maestranza, el Central, el Alameda y La Fundición, albergando la fiesta de clausura, Ahora bailo yo!, un maratón de danza en el que el público podrá aprender samba, flamenco o contemporáneo. En la calle, y de forma gratuita, la muestra se esparce por los Jardines del Guadalquivir y el Jardín Americano -en la antigua Expo-, para acercar estas zonas recuperadas recientemente. También tomará el Metropol Parasol, el Pabellón de Perú, la Biblioteca Infanta Elena y las estaciones de metro del Prado y San Bernardo.

La directora de la muestra, María González, avanzó ayer la programación de 2011, que sigue su esquema habitual, manteniendo la estructura en bloques: Danza en espacios singulares -del 28 de octubre al 1 de noviembre para aprovechar la afluencia turística- y Programación en Teatros.

Además, vuelve el programa Creaciones en proceso, iniciado en 2009, en el que se presentan trabajos en construcción con la posibilidad de estrenarlo en la siguiente edición del Mes de Danza.

Este año el programa acoge al Colectivo Malab/Diego Ramos, con una propuesta de alto contenido tecnológico, y a Noemí Martínez Chico, que presentarán sus trabajos en proceso para estrenarlos en 2012. Con respecto a las participantes de 2010, se estrena el trabajo de Teresa Navarrete en el Maestranza y se presentan los avances del de Inmaculada Jiménez a lo largo de estos meses en forma de instalación tecnológica en la sede del Cicus -calle Madre de Dios-.

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) acogerá el acto inaugural del Mes con un propuesta del coreógrafo sevillano Víctor Zambrano, que contará con cinco alumnos del Centro Andaluz de Danza y tres bailarinas profesionales, Judith Mata, María Martínez Cabeza de Vaca e Inmaculada Corral. Habrá dos versiones, la inaugural, el 28 de octubre, y otra contemplativa los días 29 y 30, en los jardines del CAAC.

Además de propuestas locales y nacionales que traerán compañías como la granadina Date Danza, la vasca Ertza -con un trabajo que parte del baile tradicional vasco-, los madrileños Elías Aguirre y Manuel Rodríguez, con Escuálido Marsupial, o los gallegos Pisando Ovos, con su espectáculo Tres, el Mes de Danza sigue con su investigación en torno a la geopolítica, volviendo a mirar a los Balcanes. Países como Macedonia, con el solo Bug’s de Kire Miladinoski; Rumanía, con Paul Dunca y su pieza Fuimos con estos cuerpos tan lejos como pudimos; y Grecia, con Oktana Danza y Dressed Undressed, serán los protagonistas.

Siguiendo en territorio internacional, González destacó la propuesta israelí del coreógrafo Arkadi Zaides con su solo Sólo siento y el cuarteto de hombres Quiet, “una reflexión valiente sobre la relación entre palestinos e israelíes”.

La cubana afincada en Alemania Maura Morales presentará Ella, el 30 de octubre en la estación del Prado, mientras que San Bernardo acogerá una coreografía de Raquel Madrid y Laura Lizcano.

Como actividades paralelas, se ofertan un taller de crítica periodística, dirigido Omar Khan, director de la revista especializada Susy Q , y el Festival de Cine proyectará dos documentales, uno sobre Pina Bausch y otro sobre el Ballet Clásico y sus figuras.

Realidad aumentada y memoria colectiva

Esta edición del Mes de Danza ha recibido una subvención de 12.000 euros del Ministerio de Cultura para fomentar las herramientas 2.0. y las redes sociales. Por ello, el festival brindará múltiples posibilidades de interactuar. Por ejemplo, la web www.mesdedanza.es , que ofrece toda la programación e información de utilidad para el público, invita a los ciudadanos, en el apartado 18 años calando, a crear una memoria colectiva subiendo algunos de sus recuerdos sobre esta muestra cultural. Además, los móviles inteligentes -sea cual sea su plataforma- podrán descargarse la aplicación de realidad aumentada Laya, con la que se podrá llegar -cual brújula- a los escenarios de los espectáculos o descargarse información de las obras, sólo enfocando con sus cámaras los lugares que alberan -o albergaron- los montajes de ésta o pasadas ediciones.

El Correo de Andalucia / 13.10.2011

El homenaje a De Ory y el recital de Rosenvinge, los platos fuertes del día.
La IV edición de Perfopoesía, el Festival Internacional de Poesía de Sevilla , comenzó ayer jueves con la ya tradicional Cabalgata Perfopoética, que partió a las 17.00 del Ayuntamiento en dirección a Santa Clara y que este año contaba junto a los ya familiares gigantes y cabezudos, con los actores de la ESAD (Escuela Superior de Arte Dramático) y las iniciativas Picadura Poeta del Proyecto Gorrión, Cabezudos del Proyecto Ribete Bormujos y Refracción de María Luisa Viu.

Esta edición comenzó también con el recuerdo al recientemente fallecido Carlos Edmundo de Ory. Santa Clara fue el lugar elegido para el homenaje a la obra del gaditano en la que estuvieron presentes escritores y expertos en su figura como Juan José Téllez (que participó con un vídeo), Fernando Polavieja (que puso música a cuatro de sus poemas), Jesús Fernández Palacios, José Ramón Ripoll y Alejandro Luque, que leyeron algunos poemas de De Ory y otros tantos dedicados al poeta.

El Centro Cultural Santa Clara fue también el escenario del perfo-recital de Christina Rosenvinge, sin duda una de las estrellas de esta edición que ofreció, a los asistentes bajo invitación, alguna de sus composiciones musicales.

Como cierre de la primera jornada, también se inició una de las grandes clásicas citas del Festival como son las noches de Poesía Baretera en el Louvre Café a cargo de Siracusa Bravo Guerrero, Lola Crespo, Laura Rosal y David Leo García.

A lo largo de estos últimos 30 años, Puebla de la Calzada a través del Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas se ha convertido en un punto de encuentro para todos los aficionados a las Artes Escénicas. Nuestro Festival ya es un referente en Extremadura, hasta el punto de que nuestro municipio es conocido a nivel nacional por su labor continua en la exhibición teatral.

El 30 aniversario del Festival es un buen momento para analizar, hacer balance y evidentemente, seguir apostando por su futuro. Todo comenzó en el 1982, como certamen de teatro amateur hasta convertirse en lo que es hoy, un festival de teatro para profesionales a nivel nacional. El balance no puede ser más positivo.
Muchas han sido las personas que durante estos 30 años han estado vinculados a este evento cultural, a todos ellos, nuestra más sincera felicitación y nuestro agradecimiento porque de la aportación desinteresada de cada uno, hemos conseguido que el teatro, el buen teatro, se represente en Puebla de la Calzada, consolidándose la afición teatral en nuestra localidad.

Gracias a la Junta de Extremadura, a la Diputación de Badajoz y en especial, al ayuntamiento de Puebla de la Calzada por su apoyo, ellos, con su colaboración, han conseguido que este Festival sea una realidad cultural en beneficio de todos.

Bienvenidos un año más, a este festival que el próximo día 14 de octubre volverá a exclamar: ¡arriba el telón!

Francisco Veiga / El Correo de Andalucia / 08.10.2011

Las giras por los pueblos son un demoledor panorama de teatros vacíos y las subvenciones se han acabado. Las compañías de teatro sevillanas tienen que reinventarse para subsistir y han ideado cursillos, charlas e incluso jornadas de coaching (entrenamiento) para empresas que aún se lo pueden permitir.

“Las compañías teatrales ya no viven de su trabajo. Nosotros nos financiamos con cursos y conferencias y no nos acobarda, porque no podemos ir a los pueblos de gira: no nos pagan”, explica Víctor Carretero, de la compañía Síndrome Clown. Si antes de la crisis eran habituales largas giras por los 105 pueblos de la provincia con un precio por actuación pactado -caché, en el argot de los artistas-, ahora éste ha desaparecido, se trabaja a taquilla y además las actuaciones de hace meses se cobran con un retraso insoportable.

“Nadie se preocupó de crear público, sólo de inaugurar un gran teatro en cada pueblo. Qué más daba si a la función iban 40 personas. Y ahora no nos pueden pedir ir a taquilla porque no hay taquilla”, se queja la responsable de la distribución de esta compañía, Charo Sánchez. En su caso, las subvenciones se han rebajado un 30% con el descenso de público y se limitan a 64.000 euros para dos años, que deben dar para las nóminas de cuatro actores, los técnicos, la furgoneta…

“Tenemos que asegurarnos el cobro para sacarla a la carretera”, incide Carretero. A Síndrome Clown les debían 60.000 euros en noviembre de 2010. Un año después, y después de haber recurrido al abogado, sólo son acreedores de 6.000 euros. Si no han echado el telón es gracias a estas incursiones en cursillos y conferencias sobre expresión que Pepe Quero, de la compañía Los Ulen, llama “alimenticias”.

“Nosotros llevamos mucho tiempo, a través de nuestra productora Bis, trabajando en publicidad, en pasacalles para empresas automovilísticas, en animaciones de congresos”. Cita marcas como Renault, Rank Xerox, Hipercor o incluso la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), que también los ha contratado para algún bolo.

“Es ahora cuando esta diversificación alimenticia nos está fallando, porque si antes en un congreso daban jamón y lo cerraban con un espectáculo, ahora lo único que dan son cacahuetes”, resume. Al menos, las ganancias de esas actuaciones (y también lo que rebañan de su propia sala, la Sala Fli, junto al Cerro del Águila) les sirve para invertir en proyectos arriesgados como Uvi zona cero, una pieza que Los Ulen llevan escribiendo un año y que conllevará un montaje costoso.

“Sí que es cierto que ahora en las giras vamos a taquilla, y gracias a que la televisión nos ha hecho mediáticos a mí (Águila roja), a Paco Tous (Los hombres de Paco) y a Maite Sandoval (Doctor Mateo) pues los teatros se llenan. A pesar de eso los cuatro socios directivos llevamos cuatro meses sin cobrar para pagar los salarios de actores y técnicos”.

La última subvención pública a Los Ulen se eleva a 29.000 euros para dos años con el compromiso de que mantengan su sala abierta todo el año. El recorte, explica Quero, ha sido del 50%. Tres gobiernos autonómicos distintos y algún ayuntamiento les deben 70.000 euros y en algún caso llevan esperando cobrar actuaciones desde hace dos años.

Este recurso a las clases como pan ante la crisis no gusta tanto a una compañía con 17 años de presencia en Sevilla, Viento Sur, que apostó desde 1994 por crear una escuela de teatro, de la que vive. “La vocación pedagógica es una cosa muy seria”, insiste su codirector, Jorge Cuadrelli, quien presume junto con la otra codirectora, Maite Lozano, de no haber recibido subvenciones más que para levantar una escuela de teatro en Triana, un macroproyecto apoyado por el Ayuntamiento, que les cedió el suelo, que ahora está varado por la crisis.

“Nosotros tenemos más solicitudes que espacio para los alumnos, nos podemos autofinanciar”, sintetiza Lozano. Viento Sur da trabajo a 10 personas y, aunque se han caído las jugosas giras de la Diputación o Turismo, todavía representan obras pedagógicas en hospitales e institutos de Sevilla, o incluso para la Acnur, organismo de la ONU que todavía paga puntualmente. “Nosotros hemos creado una especie de banca propia, y con eso y los cursillos podemos presentar otra imagen distinta a la del artista llorón y víctima”, insiste.

Les deben unos 20.000 euros por actuaciones no cobradas, pero la losa que hace peligrar el futuro de Viento Sur sería la paralización de facto de la obra de su escuela , que les obligaría a devolver al Ministerio de Fomento 400.000 euros, de los cuales 200.000 se han invertido ya en la redacción de dos proyectos distintos para el edificio.

REINICIANDO EL SISTEMA

Después de casi 20 años haciendo ruido, Bosco Valero alias “BTheFAKE”, guitarrista en Nadiuska y Los Farsantes, decide grabar su primer trabajo en solitario de forma autoeditada y con licencia Creative Commons. Buenas melodías, hip-pop, rock indie y trasfondo electrónico y bailable en 8 cortes que van del pop luminoso y optimista, a oscuras canciones plagadas de replicantes y malvados pre-15M. Demasiado popero para los mestizos, demasiado funky para los indies: un fraude para todos. Inclasificable? Pues vale!

“La noche la abrieron Bthefake, el proyecto del ex-nadiuska bosco, que jugó a confundirnos con un pop electrónico que a veces derivaba hacia el indie-rock, otras hacia el funk y por momentos incluso colaba detalles de mestizaje que hacían difícil encuadrarles. Presentándose en directo en formato dúo, con guitarra programaciones y batería, demostraron que lo suyo es la energía e intensidad en el directo.”

crónica de Manolo Domínguez en “La Página de la Nadadora”

Javiera Mena + BTheFAKE en sala Obbio (Sevilla, 16-09-2011)

bcafterall.com

Con un poco de retraso y con un presupuesto mermado considerablemente por la caída de algunos patrocinadores, el 11 de octubre podremos asistir a la Inauguración de la Temporada de Artes Escénicas de Sevilla que, este año, como viene siendo costumbre, vuelve a cambiar de sede. Si en años anteriores había pasado por lugares tan emblemáticos de Sevilla como el Teatro Salvador Távora o el Centro Atalaya-TNT, este año el evento será acogido por el Teatro Duque La Imperdible, ubicado en la céntrica Plaza del Duque.

Organizada por la Asociación de Escenarios de Sevilla (responsable entre otros proyectos del feSt), la gala será un re-encuentro tras el parón estival entre los profesionales del sector de las artes escénicas. Compañías, programadores, responsables de espacios, patrocinadores y demás agentes culturales locales se darán cita en este día; una buena forma de empezar la dura temporada que se presenta. Además, y por tercer año consecutivo, durante la gala se entregarán los Premios Escenarios (Espectáculo de Teatro, Espectáculo de Danza, Intérpretes Masculino y Femenino de Teatro, Intérpretes Masculino y Femenino de Danza, Espectáculo Infantil, Creador y Premios de Horno). Todo ello bajo la batuta de La Maravilla Gypsy Band que hará que la noche, sin duda, sea inolvidable.

Hoy, “Autómatas” de la compañía El Souflé en la Sala La Fundición de Sevilla a las 21h.

En el año 1950, el matemático británico Alan Turing, propone el que desde entonces se conoce como el test de Turing, que consiste en un interrogatorio para distinguir a un humano de una máquina. Si una máquina pasa el test de Turing, se dice que es inteligente. Hasta la fecha ninguna máquina lo ha conseguido.

“Autómatas” hace una reflexión sobre la sociedad de la información, los efectos de los medios de comunicación masivos (la televisión, principalmente), y la pérdida de la identidad del ser humano contemporáneo, en un océano de información donde el sentido acaba por diluirse. La obra presenta máquinas con profundas dificultades para definir su verdadera esencia. Escaparates. Roles tradicionales, preestablecidos, que como viejos vestidos de otra talla, ya no se ajustan al mundo que nos rodea.

Ruido de fondo. El tema recurrente de las muertes de las mujeres por culpa de los hombres. La maquinaria donde se genera la información, que politiza, teledirige, mediatiza, y piensa por nosotros. Donde se utiliza la muerte como carnaza. Como reclamo. Como supermercado.

Dos actores. Una pareja de autómatas que se creen seres humanos. Seis personajes intentando pasar el test de Turing.
Autómatas

Dirección: José Luis de Blas
Intérpretes: Miguel López y María José Torvisco
Compañía: El Soufflé
Iluminación: David Carmona
Sonido: Daniel Abad

último dia del espectáculo de SÍNTESIS PROD. “La balada de los espías, (comedia con pianista y Gibraltar de fondo) en la Sala LA FUNDICIÓN de Sevilla.

Dolores Guerrero, El Correo de Andalucia / 30.09.2011

Obra: ‘Cinclown 3D’. Lugar: Teatro Lope de Vega del 4 al 11 de octubre. Compañía: Síndrome Clown. Dirección: Fernando Fabiani. Música: Jasio Velasco y Rafael Cañete. Intérpretes: Víctor Carretero, Práxedes Nieto y Anabella Hernández.

Últimamente parece que lo que prima es la representación mediática. De ahí el empeño de la tecnología por la reproducir imágenes en tres dimensiones. En medio de esa locura emerge la figura del payaso para recodarnos la existencia del teatro, una forma de contar historias que permite precisamente eso que busca la tecnología: una comunicación inmediata no mediatizada.

Este es el punto de partida de este montaje, un hermoso alegato al teatro y una deliciosa comedia de humor blanco que nos demuestra que, para divertirnos, no hay nada como tener un payaso cerca. Y es que, si algo tienen claro los integrantes de esta compañía sevillana es su absoluta devoción al clown, una figura que, aunque ligada al circo, ha estado presente desde hace siglos en los escenarios teatrales. Víctor Carretero y Práxedes Nieto recogieron esa herencia desarrollando un estilo propio caracterizado por llevar al payaso de nariz roja al terreno de la parodia que aquí se centra en los diversos géneros cinematográficos y algunas estrellas populares. Para ello la singular pareja cuenta con la divertida música de Jasio Velasco y Rafael Cañete y la colaboración de Anabella Hernández con la que, de paso, llevan a cabo su particular homenaje hacia los cómicos argentinos.

La falta de cohesión de sus diferentes registros otorga un ritmo irregular, pero la diversión está garantizada gracias al continuo contacto con el público, a la dramaturgia tan fresca como hilarante, y a la comicidad de los intérpretes que alcanza en Víctor Carretero momentos sublimes.

La Compañía bricAbrac Teatro presenta “Er Show de la Bienve“ en el municipio de los Corrales. Bienvenida Gómez es la auténtica dominguera que ha convertido étse hecho tan cotidiano en todo un arte, no hay camping que se le resista. Ésta obra con sentido del humor desbordante., es capaz de transformar las conversaciones más cotidianas en situaciones delirantes. Éste Show es un cabaret desde el principio hasta el final, donde la risa y la carcajada del público formará parte de éste espectáculo.

Yagüe regresa al teatro municipal prometiendo más variedad en la programación y obras más populares, marginadas por su antecesor. «No se puede vivir sólo de “teatro de autor”», dice

JESÚS ÁLVAREZ / ABC de SEVILLA / 02.10.2011

Titulado en Música, destacado concertista y técnico superior en dirección de empresas, Juan Víctor Rodríguez Yagüe vuelve a coger las riendas del Lope de Vega, teatro que dirigió desde 1993 a 2004 y al que vuelve ahora de la mano de la nueva delegada de Cultura, María del Mar Sánchez Estrella. Una de sus primeras decisiones ha sido mantener en la programación de esta temporada una obra de Antonio Álamo que el dramaturgo cordobés había incluido cuando él aún era director del Lope de Vega, antes de la llegada de Zoido a la Alcaldía. Rodríguez Yagüe anuncia en esta entrevista que el teatro abrirá sus puertas a partir de ahora a obras más populares y comerciales y no sólo al «teatro de autor» del que hizo bandera Álamo durante sus siete años al frente del coliseo municipal.

—¿Entraba en sus planes volver a dirigir el teatro?

—No, porque esto pasa una vez entre un millón. Pero me siento muy contento de estar otra vez aquí y le estoy muy agradecido a María del Mar Sánchez Estrella por la confianza depositada en mí.

—Usted dejó la dirección del teatro en 2004. ¿Qué destacaría de estos últimos siete años en los que dirigió el teatro Antonio Álamo?

—Si no le importa, preferiría no hablar del pasado.

—Algunas voces consideran que en estos últimos años el Lope de Vega, con festivales como el «Spoken Word» y otras propuestas muy alternativas, ha competido con el público del Teatro Central, mucho más cercano a lo contemporáneo, ¿está de acuerdo?

—Sí, aunque eso ya no se va a repetir. En Sevilla tenemos tres grandes teatros: el Maestranza, dedicado a la ópera y la música; el Teatro Central, dedicado al teatro y danza contemporánea y de vanguardia; y el Teatro Lope de Vega, que es un teatro a la italiana, dedicado al teatro de texto, de calidad, ya sea clásico o contemporáneo, pero que tiene que acoger también a otros espectáculos más populares, máxime en una ciudad en la que los grandes teatros privados han ido cerrando uno detrás de otro.

—¿Y el Lope de Vega no lo ha hecho en estos años?

—Creo que el teatro se ha quedado en estos años en una sola línea, más de autor, y que ha dejado fuera actividades teatrales y escénicas más populares o comerciales que no pueden ir al Central y que, por tanto, el público de Sevilla se ha quedado sin ver.

—¿A qué se refiere exactamente?

—Me refiero a comedias y a un teatro más popular o comercial que no tiene encaje en otro sitio en la ciudad. Y creo que ese público, que es muy significativo cuantitativamente, tiene derecho a ver esas obras porque también paga el mantenimiento de este teatro con sus impuestos.

—¿Y ese público que, según usted, se ha marginado, qué opciones tenía?

—En Sevilla, ninguna. Irse a Madrid, yo mismo lo he tenido que hacer para ver algunas obras que no llegaban aquí.

—¿El teatro ha perdido taquilla por esta razón?

—Sí.

—¿Apostar casi exclusivamente por este «teatro de autor», normalmente de calidad pero alejado de los gustos mayoritarios, es, en su opinión, no conocer Sevilla ni a los sevillanos?

—Me temo que sí, es no conocer Sevilla, porque un programador cultural debe saber en qué ciudad se encuentra y el público que tiene. Yo no puedo programar en Sevilla como si fuera Madrid o Barcelona, por muchas razones, entre otras, porque no hay ningún gran teatro privado en nuestra ciudad.

—Arturo Fernández decía en una entrevista con ABC, cuando vino al Teatro Quintero, que el «teatro de autor» le parecía una «gilipollez» y que un teatro público debe programar cosas que le interesen a un público amplio, ¿está de acuerdo?

—Creo que más que «teatro de autor», habría que hablar de «teatro de autores» y que el concepto que se debe aplicar en el Lope de Vega debe ser más amplio que el que se ha venido aplicando. Conmigo va a a haber naturalmente teatro de autor en el Lope, pero no exclusivamente. Para mí fue un error haber sacado estas obras del Lope de Vega y yo me propongo volver a introducirlas, siempre que sean de calidad. Eso no quiere decir de ningún modo que el Lope de Vega se vaya a convertir en un teatro comercial puro y duro.

—El famoso actor asturiano se quejaba también de que el Lope de Vega no le hubiera invitado nunca a venir en 17 años después de triunfar en Madrid y otras muchas ciudades con sus espectáculos. ¿Comprende su queja?

—Sí, pero sobre todo pienso en el público sevillano que no lo ha podido ver o ha tenido que irse a otra ciudad a verlo.

—¿Lo traerá, pues, usted?

—En los 9 meses que dura la temporada creo que hay tiempo para traer casi todo y también este tipo de obras, que tienen un público muy fiel. También hay que hacer más hueco al flamenco, que en mi opinión, debería estar más presente en el Lope de Vega de lo que lo está.

—¿La apertura del Teatro Quintero le quita un peso de encima para no tener que hacerle hueco a tantas comedias populares o comerciales que antes no llegaban a Sevilla por falta de un teatro privado enfocado a ellas?

—No exactamente, porque el Teatro Quintero es, por desgracia, pequeño, y no puede atender por sí solo a ese público. Pero hace unos días hablé con Jesús Quintero sobre este asunto y lo tranquilicé porque no pienso hacerle la competencia.

—¿Le dijo que no le piensa quitar a Verónica Forqué, con la que él abre temporada ?

—Claro que no se la voy a quitar, aunque esa obra podría venir perfectamente aquí.

—¿Los directores de los teatros públicos piensan tanto en la taquilla como los de los teatros privados?

—En mi primera etapa al frente del Lope de Vega dependía de la taquilla que obtenía un espectáculo para poder traer a la siguiente compañía. Para mí son fundamentales esos ingresos y ahora, con los recortes, mucho más. Tenemos que pensar mucho más en el público.

—¿Por qué cree que el público de Sevilla no es más exigente?

—Es agradecido…

—El «Drácula» de la semana pasada, con el que abrió la temporada el Lope de Vega, no daba miedo sino risa, pero al final todos los espectadores aplaudieron encantados… como siempre.

—Esta obra era estreno absoluto en España y los estrenos siempre son complicados. Los actores están más nerviosos y no funcionaron algunos elementos de la escenografía. Algunos recursos no pudieron utilizarse. Estoy convencido de que dentro de dos meses esa obra estará mucho más afinada.

—¿No somos demasiado indulgentes y tragamos lo que nos echen?

—El público de Sevilla aplaude un poco todo. Yo, que soy músico, he ido a algunos conciertos en los que los músicos no han estado bien y el público ha aplaudido igual. Es así…

—En Madrid o Barcelona no les hubieran aplaudido…

—Probablemente les hubieran abucheado y pateado. En Sevilla eso nunca ha pasado, pero yo creo que es cuestión de tiempo, de que la gente se vaya acostumbrando y de que se dé cuenta de que no tiene por qué aplaudir si no le gusta algo. Y también es una cuestión de formación, de ver mucho teatro y mucha música para tener más criterio.

—Se acaba de cancelar la Mostra de Cine de Valencia. Dicen que la primera víctima de las guerras es la verdad, pero la primera víctima de las crisis suele ser la cultura…

—Es injusto, pero es así, seguramente porque se considera algo superfluo, cuando para mí es algo básico para la formación de las personas, la convivencia y la democracia.

—¿Y no será porque un pueblo inculto es más manipulable y eso interesa más a los políticos que un pueblo más informado y crítico?

—Desgraciamente es así. Un elector menos crítico les va mejor. Me da envidia sana el respeto a la cultura en los gramdes países centro europeos.

Así se desprende de la encuesta de hábitos y prácticas culturales en España 2010-2011, elaborada por el Ministerio de Cultura

M. DE LA FUENTE / ABC Madrid / 30.09.2011

Parece que el hábito de la crisis no hace al monje de la cultura. Así se desprende de la Encuesta sobre Prácticas Culturales 2010-2011 que ha elaborado el Ministerio de Cultura. Con anterioridad se redactó en el periodo 2006-2007. No es que hayamos dejado de irnos de cañas para jugarnos la vida por los libros y la pintura, pero estamos manteniendo el tipo a pesar de tener los bolsillos vacíos y las cuentas no ya corrientes, sino tirando a vulgares.

A pesar de las penurias, se observa, por ejemplo, un crecimiento en cuanto a asistencia a exposiciones, archivos, yacimientos y monumentos. El ballet y la danza también prosperan entre nuestros gustos, mientras que el teatro, la ópera, la zarzuela y los conciertos descienden ligeramente. Según Cultura, de ello se desprendería que “la crisis económica no ha repercutido en los hábitos de consumo de cultura de los españoles”.

En cuanto al propio procedimiento de la encuesta también hay algunas novedades. Así, en el sector de la lectura, por vez primera se ha investigado el formato que usa el lector español. En concreto, el 58,3 por ciento de nuestros compatriotas utilizó libros en soporte papel y el 6,5 libros en soporte digital. Incluso, hay un 4,1 por ciento de valientes que asegura que lee directamente en Internet. Y ya que pasamos por la red, conviene subrayar que más de un 20 por ciento de las entradas se adquieren por esa vía, cuyo uso para oír la radio, ver la televisión o vídeos se sitúa aún en cifras bajas: el 8,4, el 5,9 y el 6,8 por ciento respectivamente. Y si nos ponemos lúdicos, un 13,7 por ciento de nuestros paisanos se divierten con videojuegos, cifra que, evidentemente, aumenta en el segmento de población más joven.

Si vamos directamente a las cifras, el 84,4 por ciento escucha música; el 58,7 lee, y el 49,1 va al cine. A continuación se sitúan las visitas a monumentos (39,5 por ciento); la asistencia a museos (30,6) o exposiciones (25,7) y a conciertos de música popular (25,9). Asisten a bibliotecas (el 20,5 por ciento de españolitos); al teatro (el 19,0); a yacimientos arqueológicos (el 13,9); a galerías de arte, (13,6); a conciertos de música clásica (el 7,7); a la danza (el 6,1); a la ópera (el 2,6); a la zarzuela, (el 1,6).

Igualmente, la encuesta ofrece datos elocuentes sobre las actividades artísticas que practican los españoles, de manera que podemos saber que se dedican habitualmente a la fotografía un 29,1 por ciento de los ciudadanos, en tanto que a la pintura o el dibujo lo hace un 13,2. Vocación de escritor la tiene el 7,1 por ciento de los españoles que asegura que escribe con regularidad, en tanto que en lo que refiere a artes musicales un 8 por ciento toca algún instrumento y el 2,4 canta en un coro. Mutis por el foro lo hacen el 2,1 por ciento de los españoles que se dedican al teatro. El 3,9 hace lo propio con el ballet o la danza.

Evidentemente, las nuevas tecnologías han irrumpido con fuerza en este el mundo cultural. Un 22,8 por ciento de los españoles escucha música por ordenador, un 55,2 tiene móvil con reproductor de música, y un 25,2 utiliza el ordenador o aparatos conectados al ordenador para ver vídeos. En lo que se refiere a la compra de productos sujetos a propiedad intelectual los datos también son relevantes. La mayoría de quienes compran libros (34,9 cada trimestre) lo hace en establecimientos, y la descarga gratuita por Internet o las fotocopias, solo son practicadas por el 0,6 por ciento de la población. Igualmente, el 11,7 por ciento de los encuestados ha realizado compras de música grabada en el último trimestre, la mayor parte en una tienda del ramo. En ese mismo periodo de un trimestre, el 17,7 por ciento de los españoles se descarga música gratuita en Internet.

Por último, parece que el futuro no es tan negro como se pinta en cuanto a nuestros hábitos culturales, ya que, siempre según la encuesta de Cultura, “los jóvenes presentan las tasas de participación cultural más altas prácticamente en todos los ámbitos: visitan más museos, monumentos, etc.; asisten más a espectáculos escénicos o musicales, leen más, van más a bibliotecas, compran más; realizan más prácticas culturales activas”. Que cunda el ejemplo.

Ismael G. Cabral / El Correo de Andalucia / 01.10.2011

Puede que Cirklas, el Museo del Circo, que por tercera temporada -cierra en verano- ha abierto sus puertas en Umbrete sea un lugar modesto. Es posible incluso que hasta la palabra museo, tan solemne ella, le quede un poco grande. Louvres, Prados y Bellas Artes aparte, este es un espacio en el que la expectación se mezcla con la alegría y la risa. Y no creemos que nadie se lo haya pasado bomba admirando Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya. Por eso y por otro buen puñado de razones -como lo pintoresco del lugar- Cirklas bien merece una visita.

“Llevamos 18 años trabajando para los niños”, asegura su máxima responsable, Lola Barrera, presentando las principales credenciales de una vida -la suya y la de su familia- ligada a los más pequeños a través de la pionera compañía Imagínate y, ahora también de este contenedor que resume, actualiza y vivifica las constantes vitales del mundo del circo.
Hace unos años tomarle la tensión al género daba para poco alborozo. Parecía un enfermo en franca recaída, “la gente ya no se identifica con un espectáculo que parecía tener algo de caduco”. Menos mal que, rápidamente, el Circo del Sol y otras tantas compañías más modestas comenzaron a limpiarle el polvo y a presentar esto como lo que es, “otra forma de cultura”.

“En el siglo XXI el circo ha vuelto a sus orígenes, a ser un lugar interactivo donde cualquier cosa es posible y en el que los niños y los que no lo son tanto vienen con una expectación altísima de probar cosas nuevas”, dice Lola Barrera al respecto del objeto de sus desvelos.

Porque en Cirklas hay no demasiado que mirar y mucho donde participar. “Lo que más espera un niño cuando viene es pasárselo bien y demostrarse a sí mismo que es capaz de hacer cosas que ni imaginaba”, explica. Y aquí, en el escenario, a todo el mundo -pequeños, papás, maestros- se le da la oportunidad de probar su pericia con los malabares o hacer sus primeros pinitos en el alambre.

“Somos una sala de actividades, de espectáculos, antes que un lugar estático, el circo no podría entenderse si no hay acción”, dice. Y vaya si la hay. Basta contemplar el aforo cualquier día de función para verificar que aquí el que no se lo pasa pipa es porque no quiere. Ojo, no hay fieras, ni falta que hace, porque en Cirklas como en tantas y tantas otras compañías actuales están convencidos de que los animales tienen su sitio en la selva, no en una jaula o cruzando un aro en llamas. “Poco a poco la gente va cambiando la mentalidad y demandando otro tipo de show”. Porque el circo también evoluciona, “aunque la esencia permanece”.

Rondan por estos 260 metros cuadrados trapecistas, payasos y buena parte de la prole que ha hecho de estos recintos un lugar parcialmente tocado por la magia. Una vez abierto el telón, todo puede suceder. “Pero lo mejor es comprobarlo”. Y como los buenos tesoros, este está un poquito escondido, siga la pista de la A-49.

DE UTILIDAD

Qué: Cirklas, el Museo del Circo.
Dónde: Se encuentra en Umbrete, en la calle Dolores Ibárruri, 7.
Cuándo: El centro está orientado a la visita de grupos escolares. Pero si es particular también puede concertar una cita para acudir a través del e-mail cirklas@cirklas.com.
Para quienes: Fundamentalmente para niños entre 3 y 12 años (las funciones y presentaciones se adaptan según el rango de edad de los visitantes). Pero también hay padres y profesores que se lo pasan igualmente bien cuando acompañan a los peques.
Más información: En Cirklas podrá conocer la historia de un espectáculo que se remonta al legado cultural dejado por algunas de las civilizaciones más antiguas de la Humanidad, desde el Lejano Oriente (China, Mongolia, India) hasta Occidente (Grecia, Roma, Egipto). La parte didáctica se combina con la magia que siempre rodea al circo. Diversión, risas y conocimiento son los tres ingredientes -que aseguran estár presentes los responsables de Cirklas- y que hacen del lugar un sitio multimedia donde se combinan distintas disciplinas para hacer más amena la inmersión total en un universo donde todo es posible.

Síndrome Clown llegan hoy al Lope con ‘Cineclown’, una obra en la que Anabella Hernández debuta con la compañía y en la que rinden un homenaje a la emoción del teatro, “que nunca será superada por la tecnología”l ‘Cineclown 3D’. Síndrome Clown. Desde hoy hasta el domingo (todas las funciones a las 20:30, excepto la del domingo, a las 19:30), en el Lope de Vega. Entradas de 3 a 18 euros.

Francisco Camero / El Diario de Sevilla / 29.09.2011

En Cineclown 3D las gafas que los espectadores recogen a la entrada son antifaces de cotillón y el asombroso relieve, el increíble dinamismo, lo ponen tres actores subidos en un escenario. Así de sencillo. Esta noche, después de 12 años curtiéndose en las salas independientes, la compañía local Síndrome Clown da “un salto importante” con su octava producción, que podrá verse hasta el domingo en el Teatro Lope de Vega.

Se trata de “un doble homenaje: al cine y al teatro”, explica Fernando Fabiani, director del montaje, interpretado por Práxedes Nieto y Víctor Carretero, los dos cómicos que han integrado siempre la sociedad, a los que se suma en esta ocasión, y con visos de continuidad, la actriz argentina afincada en Sevilla Anabella Hernández. “Nos ha aportado muchas cosas nuevas e interesantes. Y además para nosotros es un orgullo haber creado, tal como están las cosas, un puesto de trabajo en España. ¡Y además payasa!”, bromea Carretero.

El encargado de un cine antiguo y por descontadovenido a menos (Nieto), el empleado del ambigú (Carretero) y una limpiadora de la sala que aún sueña con llegar a ser actriz (Hernández) son los personajes enamorados de las películas, las pantallas grandes y los espacios a oscuras sobre los que pivota la obra. Desde El resplandor a Rocky, pasando por La tentación vive arriba, los tres recordarán y recrearán “escenas que todo el mundo ha podido ver”, y de todos los géneros, incluyendo el terror y la ciencia ficción, “pero dándoles siempre la vuelta y llevándolas a nuestro terreno”, explica Nieto.

Los gags se sucederán durante alrededor de hora y cuarto y la veterana compañía, que cierra con esta propuesta su llamada trilogía de las artes -después de Este circo no es normal y La prematura muerte de un viajante-, llega al histórico teatro con ganas de arrasar. “Si conseguimos que todo el Lope de Vega se ponga las gafitas [las falsas gafas 3D que repartirán a la entrada, en el vestíbulo, donde de hecho arrancará la función en medio de una exposición sobre imágenes y objetos emblemáticos relacionados con títulos célebres], yo creo que directamente paramos y nos vamos todos de fiesta”, bromea Carretero.

“Defendemos el cine y el teatro”, dice Fabiani, que vuelve sobre el apasionado discurso implícito (o no tanto) del espectáculo. “Los defendemos de la abrumadora tecnología que nos invade en los últimos tiempos. Pero el teatro va a estar siempre ahí, no va a morir nunca, de eso estoy seguro, porque la tecnología no va a poder superar nunca al teatro”, dice. “De hecho, un espectador de teatro es un auténtico privilegiado. Nosotros lo pensamos de verdad: ¿o es que no es un privilegiado alguien que ve algo único, irrepetible? Porque seguro que la noche siguiente al estreno no sale igual, seguro que Práxedes se equivoca en algún momento de la función”, apunta por su parte Carretero, arrancando de sus compañeros unas carcajadas, las mejores razones, estas últimas, por las que todos ellos, dicen, se dedican a esto.

La librería acoge mañana este acto, durante el cual leerán sus poemas varios de los autores

Tamara García / El Diario de Sevilla / 29.09.2011

No hay gaditano que no conozca su nombre. Desafortunadamente, no todos conocen el alcance de su vida y de su obra. Juan Alarcón y José Luis Gutiérrez Molina lo saben. Y no abandonan. No dejan su trabajo, que nace del profundo amor por ese alargado en el tiempo, enjuto y generoso perfil, y, una vez más, se ponen manos a la obra para difundir la figura de Fermín Salvochea. El político, el hombre, el poeta. Versos, esta vez le toca a los versos del más recordado alcalde de Cádiz. Los suyos y los de más de medio centenar de poetas que colaboran en el nuevo libro coordinado por estos dos guardianes de su nombre y su legado. 65 salvocheas, una obra que se presenta mañana a las 21:00 en la librería La Fuga de Sevilla, en el número 4 de la calle Conde de Torrejón.

“La idea surge cuando José Luis y yo nos ponemos a darle vueltas al aniversario de la muerte de Salvochea. Pero, esta vez, celebramos la vida, así hemos contado con 65 autores como un guiño a los 65 años que Fermín Salvochea vivió”, explica Juan Alarcón con la pasión que siempre jalona cada proyecto que enfrenta abanderado por el nombre del presidente del Cantón de Cádiz, de cuya muerte se cumplieron este martes 104 años. Una labor que comenzó en 2007 con la edición en castellano de Un anarquista entre la leyenda y la historia y que continuó en 2009 con 102 razones para recordar a Salvochea.

La pasada primavera los artífices del proyecto comenzaron a dar forma a 65 salvocheas con la colaboración de distintos autores escogidos “bien porque conocíamos su obra, su afinidad con los ideales de Salvochea y teniendo en cuenta también la distribución geográfica”, enumeran los coordinadores de un libro en el que participan escritores de toda España excepto del País Vasco. “No es una exclusión intencionada. Es porque no conocíamos a nadie de por allí y cuando ya nos pusimos en contacto con alguno era muy tarde”, argumentan.

Un conjunto de escritores en el que pesa más la procedencia gaditana (cerca de una treintena) y que van desde la primera línea (Gerard Brey, Antonio Hernández, Manuel Pérez-Casaux, Jesús Fernández Palacios, Rafael de Cózar, Juan José Téllez…) pasando por la actual generación que empuja fuerte (Luis García Gil, Alejandro Luque, Miguel Ángel García Argüez, David Franco Montiel…) a escritores más desconocidos.

Los poemas de estos autores, “cada uno con su estilo, muy diferente unos de otros”, aseveran, y que se centran en diferentes aspectos de la vida y la obra de Salvochea (también a través de poemas gráficos y prosa poética), componen “la parte central de un libro editado por Quorum que se puede dividir en tres partes”, cuentan.

En la primera, Gutiérrez Molina inserta una introducción al papel de la poesía como instrumento didáctico. “La poesía -explica- fue en aquel tiempo un elemento central de la vida popular andaluza y aún hoy lo es aunque no en un grado tan fuerte como en ese final del XIX y principios del XX”. Es el uso de la poesía que utilizaba Fermín Salvochea “pegada al terrero y a la transmisión popular”, dice. De hecho, la tercera parte de 65 salvocheas está formada por una buena muestra de los poemas del anarquista nacido en la plaza de las Viudas.

“INSOMNIO, Ne me Quitte pas el Sueño” de bricAbrac Teatro será el próximo Viernes 4 de Noviembre de 2011 en el XVI Festival de Teatro de Humor “El Perol”, en el Teatro Cerezo de Carmona, a las 21h30.

Más info aqui

M.J. Casal / El Correo de Andalucia / 26.09.2011

El PP advierte que el teatro Riberas del Guadaíra, que ha supuesto hasta la fecha un gasto de 479.000 euros, se clausura por falta de presupuesto.

Siete meses después de su inauguración, el nuevo auditorio Riberas del Guadaíra cierra sus puertas para no volverlas a abrir. Así lo aseguró ayer en un comunicado la portavoz del PP María del Carmen Rodríguez. La edil popular indicó también que previsiblemente estará cerrado en lo que resta de temporada, “ya que a día de hoy no existe programación”, según contestó el equipo socialista a la pregunta del Partido Popular al respecto.

En este sentido los populares reconocen que “no es de extrañar que con la crítica situación económica que padece el consistorio, se retrase su apertura lo máximo posible por el lastre que supone para las arcas públicas cada una de las actuaciones. Pero además indican que “hay que tener dinero no sólo para la construcción, sino también para el mantenimiento y su actividad”. “Como las cuentas no salen”, el Partido Popular ha propuesto al gobierno socialista la gestión del auditorio por parte de una empresa privada a través de un concurso público, ya que hasta la fecha, y sólo con cuatro meses de actividad, el edificio ha supuesto un gasto a los alcalareños de 479.000 euros.

Evidentemente el auditorio es un edificio de carácter social y como tal el Partido Popular, en palabras de su portavoz, María del Carmen R. Hornillo, no pretende obtener una rentabilidad económica, es por ello que el único objetivo que se pretende al ceder la gestión del mismo a una entidad especializada, es el de evitar costes innecesarios a la ciudad.

El teatro auditorio Riberas del Guadaíra fue inaugurado el pasado día 11 de febrero con el Ballet Nacional, desde entonces el recinto ha albergado importantes espectáculos como el musical como Mamma Mía, pasando por óperas como Tosca a actuaciones musicales de artistas como David Bustamante y Pastora Soler, entre otros muchos. El edificio, obra de los arquitectos César Portela, Julia Molino y Antonio Barrionuevo, cuenta con una extensión de 6.700 metros cuadrados distribuidos entre la sala principal y el edificio anexo para albergar conferencias, exposiciones, ruedas de prensa, salas de ensayo, cursos de formación, El aforo total es de 920 localidades.