Er SHOW de la Bienve de bricAbrac Teatro en la Sala El Cachorro el próximo Viernes 27 de Enero, a las 21h

Bienvenida Gómez es la autentica dominguera. Ha convertido este hecho tan cotidiano en todo un arte, no hay camping que se le resista y es que Bienve es mucha Bienve, con un sentido de humor desbordante es capaz de transformar las conversaciones más cotidianas en situaciones delirantes. Un día de camping entre risas ca…ntos. Su filosofía de vida es “Con humor todo va mejor”. Este espectáculo lucha contra el estrés, los agobios económicos y las situaciones diarias. Ven a nuestra playa ríe, relájate y disfruta junto a Bienvenida Gómez, La autentica dominguera.

http://www.redescena.net/actualidad/ficha.php?id=4693

A través del debate de gestores y programadores en torno a cuatro temas específicos, el tercer número de esta publicación reflexiona sobre las prácticas y las herramientas de la gestión de públicos

La presencia de las artes escénicas en la sociedad y la necesidad de aplicar nuevas medidas para su fortalecimiento es uno de los principales aspectos abordados en el tercer número de ‘Abierto al Público’. Esta publicación, editada por la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública, supone un espacio para la reflexión de gestores y programadores en torno a las estrategias empleadas por los espacios escénicos públicos de todo el país en la gestión de sus públicos.

A partir de la formación de cuatro mesas de debate, ‘Abierto al Público’ analiza en su tercer número aspectos como ‘La programación como elemento básico de la gestión de públicos’, ‘Comunicación online, ticketing y marketing relacional’, ‘Formación de público infantil y juvenil’ y ‘El espacio escénico en su entorno social: participación ciudadana’. El debate suscitado entre los gestores culturales, además de analizar cada uno de los temas citados, ofrece algunas conclusiones generales. Entre ellas se encuentra la reivindicación del valor social que atesora el espacio escénico, lugar en el que se propicia un derecho básico como es el acceso a la cultura. En relación con esta misma cuestión se pone de manifiesto la importancia de que las artes escénicas aparezcan incluidas en los programas educativos, al igual que ya sucede en otros países del entorno.

A propósito de la actividad que realizan los gestores y los programadores, los profesionales que han participado en el último número de ‘Abierto al Público’ destacan la necesidad de conjugar el compromiso con la creación artística y las demandas mayoritarias del público, no siempre coincidentes. A su vez, ponen de manifiesto la necesidad de perfeccionar las herramientas de gestión cultural, como el marketing relacional, la gestión de las redes sociales y los protocolos de coordinación entre departamentos.

El primero de los temas abordados en el tercer número de ‘Abierto al Público’ es La programación como elemento básico de la gestión de públicos. En torno a este aspecto, los gestores destacan la importancia de la programación como un elemento decisivo a la hora de conceder una identidad al espacio cultural. Al diseñar su programación, el gestor cultural tiene una triple responsabilidad ante el espectador, el artista y la administración. En este sentido, es necesario para el programador valorar el entorno social en el que desarrolla su trabajo y mantener a la vez una inquietud ante el panorama escénico. Otra premisa que debe seguir es la de realizar un análisis crítico de su trabajo, lo que le permitirá detectar los aciertos y los errores de su programación.

El segundo capítulo de la publicación está dedicado a la Comunicación online, ticketing y marketing relacional. Sobre estos aspectos, los profesionales destacan la relevancia de la comunicación on line, un canal que abre numerosas posibilidades de relación con los públicos. Más allá de facilitar la venta de entradas a través de diversas fórmulas, las nuevas tecnologías permiten un contacto más personalizado con el espectador y abren valiosas opciones de comunicación. Su aprovechamiento, en todo caso, necesitará de la redistribución de los recursos y de los esfuerzos por parte de los gestores culturales.

Otro de los temas tratados en ‘Abierto al Público’ es la Formación del público infantil y juvenil. Los profesionales que abordan esta cuestión coinciden en diferenciar el panorama de las artes escénicas infantiles y juveniles. En el primer caso, aunque se detectan algunas carencias, existe una oferta especializada, amplia y de calidad. Un objetivo a lograr en torno al público infantil es que las campañas escolares no sean actividades aisladas para el menor, sino el primer paso que propicie la creación de públicos familiares que asimilen el espacio escénico como lugar de ocio y encuentro. El público juvenil, por su parte, es una de las asignaturas pendientes en el ámbito escénico actual, por lo que sería necesario un esfuerzo específico destinado a él.

La última cuestión debatida en la publicación de la Red es la de El espacio escénico en su entorno social: participación ciudadana. Sobre este tema se pone de manifiesto la necesidad de que el espacio escénico forme parte de la vida cotidiana de la ciudadanía. En tanto que las artes escénicas cumplen una labor social y educativa, el espacio escénico debe ser un lugar de cohesión y encuentro para la comunidad. Que los ciudadanos le consideren como algo propio es un paso indispensable para crear un flujo de espectadores fieles. Una fórmula para afianzar esta relación es la de concebir el espacio escénico como escenario en el que los ciudadanos puedan desarrollar sus propias necesidades creativas.

El primer número de Abierto Público recogió las experiencias impulsadas por una docena de teatros y auditorios de todo el país para atraer espectadores a sus salas. El pasado año la publicación puso su acento en la fidelización de espectadores.

Les Corbeaux, de Josef Nadj et Akosh Szelevényi

http://liveweb.arte.tv/fr/video/Les_Corbeaux__de_Joseph_Nadj_et_Akosh_Szelevenyi/

Description

Poursuivant la création de 2008 au Théâtre des Bouffes du Nord dans le cadre du festival Jazz Nomades – La voix est libre, Les Corbeaux est une conversation entre différents modes d’expression. Le saxophone d’Akosh Szelevényi, la danse de Josef Nadj et la peinture noire que le chorégraphe laisse libre.

Pour le chorégraphe Serbe Magyarophone et le musicien Hongrois, l’idée du corbeau est une allégoriquee de leurs origines, de leurs paysages. Le corbeau est l’emblème de Matthias 1er « Corvinus » de Hongrie. L’un des plus grand Rois du royaume, qui s’est éteint sans descendance à la fin du XVe siècle. Grand guerrier mais aussi despote éclairé. Il a notamment œuvré en tant que mécène auprès d’artistes italiens alors que s’opérait la révolution du quattrocento.

Née de l’observation des oiseaux, c’est l’instant précis où le corbeau se pose au sol, la mutation du majestueux maître des airs en terrien, qui a plus particulièrement inspiré la création.

“J’éprouve un plaisir fou à décomposer ces normes qui nous régissent”

Fabienne Darge / Le Monde / 13-01-12

A 68 ans, le Polonais Krystian Lupa fait partie du cercle étroit des maîtres du théâtre européen. Ce grand lecteur de Jung, disciple de Tadeusz Kantor et d’Andreï Tarkovski, ne cesse de développer sa conception du théâtre comme instrument d’exploration et de transgression des frontières de l’individualité. Après des adaptations – qui ont fait date – de grands romans européens comme Les Somnambules, d’Hermann Broch, ou Les Frères Karamazov, de Dostoïevski, il semble entré depuis Factory 2 et Persona.Marilyn dans une nouvelle période.

Pourquoi avez-vous choisi le texte de Lars Noren ?

Depuis quelque temps je cherche des textes qui traitent du groupe, du langage spécifique qui s’y développe. Le phénomène du groupe est, me semble-t-il, une énigme intéressante pour nous en ce moment. Chaque groupe est une forme hermétique, qui crée sa propre réalité. Alors, quand, avec René Gonzalès, le directeur du Théâtre Vidy-Lausanne, qui est à l’origine du projet, nous avons commencé à discuter du spectacle, dont le point de départ était de travailler avec de très jeunes acteurs, il m’a parlé du texte de Lars Noren, que je ne connaissais pas. Je savais juste qu’en Suède il y avait cet auteur-là, qui s’occupe de sujets assez bouleversants, qui va dans des zones où personne ne va : la prison, la marge, qui lui permettent justement de dresser le tableau d’enclaves de vie fermées, de groupes rituels où se créent d’autres sortes de communication humaine.

C’est ce qui vous a intéressé ?

Ce qui m’a fasciné, c’est le langage, la manière dont Noren nous montre des gens qui, sous l’effet de l’ivresse, de la drogue ou de la destruction psychique, sortent du devoir habituel de la communication rationnelle. Ce qui rend le texte si extraordinaire, c’est que Noren n’a absolument pas adopté une perspective de chercheur, d’observateur d’un phénomène social dangereux : parler de ces marginaux concerne sa propre vie, sa propre expérience.

Il n’y a donc chez lui aucun jugement…

Exactement : il n’est pas dans la perspective de la morale bourgeoise habituelle, de la “normalité”, qui consiste à se tenir soigneusement à l’écart de ces gens, de s’en protéger par un cordon sanitaire. Et son texte est extraordinairement suggestif : il vous contamine, en quelque sorte, il vous harcèle, il vous viole, il vous force à une identification. Cette langue sans aucune censure, cruelle, brutale, vulgaire même, devient belle parce que Noren nous communique à travers elle l’état d’âme de ces personnes, et nous amène ainsi à entendre ce qu’elles ont à dire, et qui peut être important pour nous, peut nous amener à une nouvelle perception de la réalité. Avec Catégorie 3.1, Noren propose une conception totalement différente du théâtre classique : il ne s’agit pas de raconter une histoire, mais d’être dans un espace humain dans lequel il peut arriver comme ne pas arriver quelque chose, mais dans lequel il faut passer du temps, éprouver ce processus durant lequel certains chutent, et d’autres vont vers une forme de salut.

On peut voir beaucoup de liens entre ce spectacle et vos deux précédents, “Factory 2″ et “Persona.Marilyn”, autour des figures d’Andy Warhol et de Marilyn Monroe : figures mythiques, motif de l’autodestruction…

Oui, c’est l’exploration d’une certaine perversion, celle de l’attirance humaine pour la chute. Ce motif de la chute est bizarrement lié au motif de la liberté, en un lien terriblement secret et dangereux. On ne peut pas l’analyser par un processus rationnel. Alors peut-être que notre art théâtral, qui travaille avec et sur la fonte du recto et du verso – “blanc” et “noir” – de notre âme, des articulations, des circulations entre les deux, peut apporter quelque chose, avec l’acteur au centre de ce processus.

Comment ces très jeunes acteurs ont-ils abordé ces zones de marge et de destruction ?

Les jeunes gens d’aujourd’hui sont évidemment très fascinés par ces marges humaines. Chacun d’entre eux, je pense, se sent proche d’une expérience de cette sorte, même s’il ne l’a pas effectivement vécue dans la réalité. Ces jeunes sont beaucoup moins dans le refoulement du versant destructeur de notre psychisme que les adultes, qui souvent font comme si celui-ci n’existait pas, ce qui est une erreur que l’on peut payer très cher. Et, surtout, il y a dans la pièce, et il y a eu dans le processus de travail, un paradoxe assez phénoménal, qui tient à l’énergie cathartique que contient le motif tragique. Comme l’avait éprouvé Lars Noren, nous avons eu le sentiment que la réalité de ces gens dégradés contenait une force spirituelle, sortant des schémas de la moralité. Ce n’est pas, je pense, chez Noren, une proposition de renversement des valeurs. Mais, en tout cas, il ne s’agit pas d’une réalité qui nous démoralise : plutôt une possibilité de révision de tous ces schémas dont on se sert tout le temps.

Quels schémas ?

Toutes ces normes qui régissent l’humanité, qui sont issues du XIXe siècle, qui décident de ce qui est beau et bon, et dont on voit bien qu’elles ne conviennent plus. En tant qu’artiste, j’éprouve un plaisir fou à décomposer tout cela, voire à l’exploser.

C’est ce qui explique le titre du spectacle, “Salle d’attente” ?

Oui. Dans le monde d’aujourd’hui, beaucoup de gens se rassemblent, dans l’attente de quelque chose, mais on ne sait pas quoi.

Web : www.krystianlupa.com

Grand fracas issu de rien au Théâtre du Peuple à Bussang

http://liveweb.arte.tv/fr/video/Grand_fracas_issu_de_rien_au_Theatre_du_Peuple_a_Bussang/

Soirée hypnotique emportée par des artistes insensés capables du merveilleux comme du rire ! Théâtre, chant, acrobatie s’amourachent et s’enlacent pour mieux nous faire vaciller. Ici un jongleur des mots, là une hystérique soprano, là-bas un athlète assez costaud. Tous s’en donnent à cœur joie, exhibent leur faconde, leur talent, leurs biscotos. Ils visent le vertige, cherchent les frissons, quêtent l’ébahissement, l’étourdissement. Seuls les comas ne sont pas garantis !

Avec des textes de Valère Novarina, des airs de Purcell, Gounod, Berstein… sur des anneaux, barre fixe et cheval d’arçon, ces artistes virtuoses vous promettent un cabaret fou et périlleux, un moment suspendu dans l’atmosphère enchanteresse du Théâtre du Peuple

Comunicado tras la celebración en Madrid esta semana de las jornadas ‘Cómo se aborda la crisis desde la gestión pública de la cultura’

La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública ha analizado esta semana en Madrid en el transcurso de unas jornadas bajo el título Como se aborda la crisis desde la gestión pública de la cultura, los modelos de gestión de los espacios escénicos públicos y sus retos de futuro. Con la participación de un centenar de programadores asociados a la Red, durante estas jornadas celebradas en el Ministerio de Cultura se ha presentado un informe análisis pormenorizado de los problemas que afrontan los espacios públicos españoles.

Tras la celebración del encuentro, la Red Española de Teatros ha hecho un comunicado donde expresa su más profunda preocupación por los problemas presupuestarios y económicos que afectan al sistema público de exhibición escénica y que, substancialmente, condicionan la sostenibilidad de las compañías de danza y teatro de nuestro país. Los continuos recortes en materia de cultura y las manifestaciones que, durante los últimos meses, se han sucedido en medios de comunicación nos invitan a reflexionar sobre un escenario que demanda políticas activas responsables y la unión solidaria de cuantos actores intervienen en el sector productivo de las artes escénicas.

1. Somos conscientes de que la crisis económica, las dificultades presupuestarias y la ―a veces― inadecuada definición de nuestro régimen jurídico y económico pone en cuestión la viabilidad del actual modelo de exhibición y convierte a los teatros públicos en estructuras particularmente vulnerables. Especialmente graves, por su impacto en el tejido empresarial y productivo, son las dificultades que afrontan algunas administraciones locales para hacer frente a la deuda contraída con empresas proveedoras de servicios. Este hecho no es ajeno al ámbito de los servicios culturales, como tampoco lo es respecto a las representaciones de artes escénicas y musicales contratadas por los entes locales con compañías, artistas y distribuidores.

2. La Red ha advertido con anterioridad de la escasa autonomía de gestión con la que operan los teatros y auditorios públicos. Su dependencia de voluntades políticas y de modelos administrativos poco flexibles impide a nuestras estructuras acometer reformas y estrategias que garanticen mayores niveles de eficacia y eficiencia en su funcionamiento. Ante esta situación, La Red ha promovido foros de debate y análisis para identificar las fórmulas jurídicas que permitan a los teatros públicos implantar procedimientos económicos y administrativos más ágiles. Los deseables procesos de transformación jurídica que deben acometer algunos teatros solo serán posibles con voluntad política y bajo el principio de que los poderes públicos deben tutelar y garantizar el acceso universal a la cultura.

3. Los teatros públicos, bajo un ejercicio de responsabilidad, actúan con la convicción de que las artes escénicas son un bien de interés general cuya accesibilidad en igualdad de condiciones debe garantizarse para el conjunto de la ciudadanía. En base a esto, los indicadores económicos deben servirnos como instrumento y apoyo en el desarrollo de estrategias innovadoras, competitivas y productivas. La gran mayoría de los teatros públicos está implementando, a gran velocidad, respuestas que intentan paliar sus problemas financieros y presupuestarios, asociados también a los que viven sus entidades locales. Al mismo tiempo, se están diseñando proyectos de futuro que no encorseten la actividad de exhibición escénica únicamente a las aportaciones de fondos públicos. En cualquier caso, la presencia de lo público en las artes escénicas es imprescindible para garantizar su diversidad y calidad.

4. Algunas voces han querido asociar los problemas de morosidad a los de un modelo de exhibición. Un gran número de los espacios asociados a La Red se hallan al corriente de sus pagos y los realizan en plazos que no exceden los 60 días tras las representaciones contratadas. El cierre de los teatros o la privatización de su gestión son dos escenarios que no deben afrontarse con falsas recetas fáciles. Debemos agotar otras posibilidades que maximicen la flexibilidad, rentabilidad y eficiencia de la gestión de los teatros sin extraer la misma del ámbito público o abordando, cuando se den las condiciones más favorables, fórmulas mixtas de colaboración con el sector privado.

5. Más del 75% de los espacios escénicos asociados a La Red son de titularidad municipal y operan bajo la gestión directa de una Administración Pública Territorial o de Entidades Públicas Dependientes de las mismas (Organismos Autónomos y Consorcios Públicos). Por tanto, comparten los actuales problemas financieros de la administración local y se hallan sujetos a un determinado régimen de supervisión financiera. En este sentido, el Procedimiento de Ejecución de los Gastos Públicos (ADOP) y la normativa sobre contratos (Ley de Contratos del Servicio Público) conllevan procedimientos burocráticos poco ágiles y siempre ligados a la intervención general. Por otra parte, la rigidez de la normativa presupuestaria y contable de las administraciones locales condiciona la gestión de un significativo número de teatros públicos. Su modelo de gestión de tesorería, que debe servir al principio de unidad de caja, ha demostrado ser insuficiente para hacer frente a una crisis que ha restado actividad a los teatros y volumen de trabajo a las compañías.

Determinadas experiencias, desarrolladas con el acuerdo de programadores, responsables políticos e interventores municipales, han demostrado que existen fórmulas para acortar la formalización de pagos si los teatros se gestionan mediante otro tipo de figuras jurídicas.

6. El actual sistema de exhibición teatral público ha garantizado la vertebración territorial en materia de cultura. Asimismo, ha conformado una red que ha dado cobertura a la producción escénica y musical de un significativo número de compañías periféricas, radicadas en comunidades autónomas y provincias alejadas de los tradicionales centros políticos y económicos del país. De los recintos escénicos y musicales de nuestro país, más de un 80% lo son de titularidad pública. Su labor ha articulado a un modelo de exhibición teatral que ha contribuido decisivamente a la democratización cultural del país, facilitando el acceso a la cultura a millones de ciudadanos.

La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública es una asociación sin ánimo de lucro constituida en el año 2000 e integrada por 141 socios, de los cuales 14 son circuitos y redes de artes escénicas, que en su conjunto suman alrededor de 700 espacios escénicos. También participan el Ministerio de Cultura y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM). La Red es la principal entidad asociativa de las salas de titularidad pública del país y tiene entre sus objetivos principales la creación y formación de espectadores en el ámbito de las artes escénicas y garantizar la calidad y estabilidad en la programación de los teatros y auditorios públicos.

Aunque Rajoy otorga a la cultura un valor político estratégico, no habrá un ministerio exento, sino unido a otros. ¿Educación y Cultura o viceversa?

JESÚS GARCÍA CALERO / ABC MADRID / 17.12.2011

Es la quiniela de moda esta semana: ¿habrá Ministerio de Cultura? ¿Puede la cultura sobrevivir sin un ministerio? Porque lo primero es diferenciar la política cultural y el hecho de que exista un órgano con rango ministerial al frente. Un político bromeaba ayer con el hecho de que Rajoy no dé pistas de sus intenciones: «Es malo para los periodistas (tan dados a especular) y para los candidatos a ministro». Y no aportan poca emoción las declaraciones de Pedro Almodóvar, que anteanoche prometió —con afán de congraciarse con el nuevo poder— «un beso en la boca» a quien sea designado ministro. Interesante panorama.

Pero la cultura está entre las grandes prioridades del PP. Porque su gestión y el potencial económico de las industrias culturales representan uno de los sectores en los que, si las cosas se hacen bien, puede haber un crecimiento importante. La estrategia anunciada durante la campaña electoral por José María Lassalle, responsable de cultura de los populares, tiene como objetivo sacar «pleno partido y rendimiento a la economía creativa en español. Si hoy representa un 4% del PIB, nuestra aspiración es conseguir que la cultura aporte como en EE.UU. el 12 % del PIB». Lassalle añadió en su conversación del pasado noviembre con ABC que «España tiene la gran suerte de compartir con el mundo iberoamericano la cultura en una lengua que utilizan 500 millones de personas hispanohablantes. Las posibilidades económicas que se abren para nuestro país requieren un trabajo muy ambicioso de impulso de las industrias creativas».
La clave, un gesto austero

Así que lo importante es cómo desarrollar esa estrategia. Todo apunta a que Rajoy tendrá un Gobierno de pocos ministerios, diez carteras a lo sumo. No tanto porque suponga un inmenso ahorro como por lo que tiene de mensaje de austeridad. Y se especula por ello con macrodepartamentos: muchos se inclinan a pensar en un gran ministerio económico sectorial (industria, comercio, innovación, energía…) y otro macroministerio del ramo cultural. De momento es pura especulación, pero…

Hasta hace poco había una opinión bien extendida y fundada sobre las bondades de llevar una subsecretaría de Cultura a la Moncloa, dependiendo directamente del presidente para subrayar el valor estratégico que el nuevo Gobierno le concede al sector. Hoy esa opción está casi descartada, por las complicaciones políticas que tendría. Pero a nadie se le escapa que Educación y Cultura no son, unidos, un macroministerio, ya que Educación tiene muchas competencias transferidas y Cultura no tiene un presupuesto de primer orden. Aun así, subsumir Cultura en otro departamento puede provocar el déficit político de visibilidad que ya produjo cuando de 1996 a 2004 el PP unió ambas carteras. ¿Merecerá la pena?
Acción exterior unificada

Sin embargo, Cultura sí se convertiría en un megaministerio si se le permite intervenir en toda la política cultural exterior. Desde el programa del PP se dice que la diplomacia cultural debe ser unificada, máxime en tiempos de recortes. Y Lassalle, en la citada entrevista, apostaba por el Cervantes: «Ha alcanzado la madurez que le permite interpretarse ambiciosamente. Tiene masa crítica como para ambicionar un papel mayor del que en estos momentos le corresponde. Ello requiere un trabajo transversal del Gobierno que implicará una apertura mayor a Iberoamérica».

Transversal, o es la reunión mensual de responsables ministeriales, poco operativa, o significa pasar la acción exterior a Cultura unificando en el Cervantes la Fundación Carolina y la sociedad estatal AC/E, como poco. Es probable que la misma persona sea designada para dirigir el organismo resultante, que sería un Cervantes más ambicioso, encargado de defender la marca España y las industrias creativas en el mundo.

Todo el mundo espera fricciones en ese cambio, si es que se produce, puesto que Exteriores mantiene su poder de decisión y gestión sobre muchas instituciones, como la Academia de España en Roma y las bienales de arte, además de nombrar a los consejeros culturales. ¿Regalará eso a Cultura? El éxito del modelo dependerá de cómo se realice el traspaso, de un modo que permita a Exteriores no sentirse amputado en sus competencias, involucrando o profesionalizando a los diplomáticos. En todo caso, la cultura seguirá siendo más grande y más libre que su ministerio.

Dos humoristas que se crecen

Alfonso Crespo / El Diario de Sevilla / 16.12.2011

Así como El Almendro, por Navidad, es ya tradición, también llegan los Síndrome Clown. Ellos a la Sala Cero, para hacer reír (bastante) a la poca audiencia que se atrevió ayer a asistir a su particular conferencia anti-crisis y anti-amargura. Mejor… es posible se ríe de casi todo y le saca punta hasta a la falta de público, un hecho que, indudablemente, la pareja de cómicos querrá revertir, aunque su práctica teatral obtenga parte de su éxito de una determinada intimidad (y una evidente interacción) con el respetable. Y no es que Síndrome Clown no puedan o deban actuar en el Estadio de la Cartuja o en Fibes, sino que lo que engrandece sus payasadas es que se ven nacer, elevarse, desde el frío y el silencio de la sala medio vacía, un espacio siempre difícil de calentar pero en el que las carcajadas se escuchan en su singularidad, como ayer, y se puede experimentar algo no muy fácil de ver en directo, cómo unos humoristas se agigantan.

Compaginando los resortes paródicos con el infalible humor directo, este híbrido de conferencia y sesión de coaching cumple el objetivo de hacer pasar un buen rato al espectador, dejándole, por el mismo precio, un no menos tradicional mensaje de fondo que desde la butaca se nota sincero: la risa puede ser una gran medicina.

Javier Paisano / El Diario de Sevilla / 16.12.2011

Compañía Manuel Monteagudo. Inspirado en la película ¿Qué fue de Baby Jane?. Guión y dramaturgia: José Troncoso, Mari Paz Sayago y Manuel Monteagudo. Dirección: José Troncoso. Intérpretes: Manuel Monteagudo, Mari Paz Sayago e Ignacio Ysasi. Iluminación: Guillermo Jiménez. Escenografía: José María Sánchez Rey. Vestuario: Carmen de Giles. Música: Santi Martínez. Peluquería y maquillaje: Manolo Cortés. Producción ejecutiva: Marina Rodríguez. Lugar: Sala La Fundición. Fecha: Jueves, 15 de diciembre de 2011. Aforo: Medio.

Cuentan que la película ¿Qué fue de Baby Jane? interpretada por Bette Davis y Joan Crawford se planteó como una producción de bajo presupuesto que, sin embargo, y gracias a su director, Robert Aldrich, y al trabajo de sus dos actrices, las dos rondaban los sesenta años, se convirtió en un éxito que relanzó la carrera de las dos divas.

Estamos, ahora, ante una situación paralela (salvo en lo que se refiere a las edades) en la que Manuel Monteagudo, uno de los actores imprescindibles para poder explicar el teatro andaluz contemporáneo ha unido sus fuerzas con Mari Paz Sayago, una actriz que lleva inoculadas en sus genes las claves de la comedia, para versionar el clásico cinematográfico. La esencia del filme está. El maquillaje exagerado, el histrionismo, el vestuario sin época, el escenario en dos niveles. Han cambiado la luz casi expresionista de la cinta por otra más almodovariana pero todo permanece al servicio de una historia de envidias, celos, locura y mentiras.

Troncoso dirige a estos dos fenómenos dejándoles hacer pero marcando la distancia entre el terror psicológico y la parodia cómica. La trama es conocida pero lo importante, ahora, es disfrutar del trabajo de estos intérpretes, incluido Ignacio Ysasi, en este divertido homenaje.

El director madrileño recupera al elenco de ‘La función por hacer’ en esta pieza que retrata el malestar social ante “un sistema podrido” · El montaje coloca al público a cuatro bandas, alrededor de la escena

Charo Ramos / El Diario de Sevilla / 17.12.2011

Maxim Gorki, el autor de La madre (1908) y Los bajos fondos (1902), imprimió a su obra una capacidad inusual para penetrar en el alma de los desheredados. De origen humilde, este escritor que soñaba con una revolución que mejorase la existencia del pueblo ruso también supo fijarse en las clases ociosas y desnudar las miserias de los más privilegiados. A ellas dedicó Veraneantes (1904), la pieza que ahora ha reescrito el director y dramaturgo del momento, Miguel del Arco, el hombre que consiguió el pequeño gran milagro de La función por hacer (descubierta en las sesiones golfas del Teatro Lara y ganadora de siete premios Max)y a quien una espléndida Nuria Espert confió la puesta en escena de La violación de Lucrecia, aclamada en su reciente visita al Lope de Vega.

El Teatro Central de Sevilla, fiel a su compromiso “de presentar a los principales nombres que están regenerando la escena española contando historias que interesan”, según su programador, Manuel Llanes, estrena hoy a las 21:00 (mañana domingo, a las 20:00) esta obra agitadora en su formato original.

El público estará situado a cuatro bandas, como en el debut en el Teatro de la Abadía, que coproduce Veraneantes con Kamikaze, la empresa fundada por Miguel del Arco y Aitor Tejada. “Aunque la hemos representado a la italiana, y también funciona, resulta muy atractivo montarla como fue concebida, con los espectadores alrededor de la escena, porque se barre la línea que los separa de la acción dramática. Aquí tratamos al público como si fueran unos veraneantes más que miran la vida de los otros”, explicó Del Arco ayer en Sevilla.

La propuesta, “que da la vuelta a un texto clásico y lo convierte en un lúcido diagnóstico de la España de hoy, algo sólo al alcance de los grandes dramaturgos”, valoró Manuel Llanes, cuenta con 11 intérpretes, de los cuales seis proceden del elenco de La función por hacer. “Aquél fue un grupo de trabajo excepcional y cuando eso ocurre hay que cogerlo al vuelo. Les propuse hacer Veraneantes, un reto enorme porque precisa un elenco amplísimo, algo imposible de asumir en solitario por Kamikaze Producciones. Pero llegó la oferta de La Abadía y se hizo posible”, agradeció Del Arco, que fue alumno de Rafael Álvarez El Brujo y le atribuye su “fuerte” relación con los dramaturgos rusos.

“Gorki estrenó Veraneantes en una crisis bestial, con una población en puertas de una Revolución inminente. Mi relectura no se centra, por supuesto, en la lucha contra los zares, sino en reflejar un clima de malestar social y mostrar cómo nos planteamos cambiar un sistema podrido, que no funciona”, desmenuzó el autor, que considera “una desgracia” el constatar que, un siglo después, el texto de Gorki “sigue de plena vigencia con estas situaciones de injusticia y desequilibrio, esta cosa del dinero que todo lo mueve y lo prueba, y que tanta indignación genera”.

Su versión radiografía lo corrosivo que puede llegar a ser el tedio y coloca en un lugar indeterminado de la costa mediterránea a una galería de sujetos que incluye a constructores, empresarios prejubilados, ninfómanas, músicos sensibles, chachas… Y así hasta llegar a 11, todos vinculados por lazos familiares o de amistad con los personajes de Israel Elejalde -que encarna a un político arribista- y Bárbara Lennie, su esposa, una musa infantilizada cuya evolución final suscitará el recuerdo de la mítica Nora de Casa de muñecas.

“Este grupo está ocioso pero sometido al imperativo social que dicta que el verano es tiempo para pasárselo bien. Sin embargo, con tanto tiempo de convivencia, acaban saltando chispas entre ellos y peleas de todo tipo”, avanza sobre su adaptación. “Yo escribo como actor y creo que mis textos son fáciles de poner en su boca. Pero cuando los intérpretes comienzan a cotejar el texto conmigo y veo que algo no suena bien soy flexible, me gusta incorporar sus matizaciones”, aclara Del Arco, que ha escrito y dirigido para otra de sus musas, Carmen Machi, el magistral monólogo Juicio de una zorra, que llegará en 2012 al Central.

“Cuando se recorta en sanidad y educación, la cultura pasa a un plano de figuración sin frase. Pero es alucinante: en estos tiempos de crisis las salas de teatro están llenas hasta las trancas”, defiende este responsable, en gran medida, de un fenómeno que ha devuelto al público a las salas “partiendo de buenos actores, directores y dramaturgias, sin grandes alharacas ni costosas escenografías”, glosó Manuel Llanes. Una proeza que, sin duda, se abordará en el encuentro que la compañía mantendrá hoy con el público tras el estreno.

El mundo de la escena lanza una protesta conjunta por los impagos de los ayuntamientos y los recientes recortes de las subvenciones por parte de las instituciones

PAULA CORROTO / El público / 15.12.2011

El mundo del teatro no aguanta más. Ha llegado el momento de salir a la calle y ejercer, al menos, el derecho al pataleo. Con tribunales de por medio si es preciso. Hoy, un grupo de afectados interpondrá una demanda al Festival de Mérida por impagos en la pasada edición. Son personas que llevan meses sin cobrar. Son actores, directores, músicos, figurinistas y demás personal teatral. Empezaron su trabajo en mayo y, a día de hoy, no han visto ni un euro.

No son los únicos que sufren por la falta de liquidez de los ayuntamientos y los recortes de las subvenciones acometidos en los últimos meses, que han terminado incluso con algunos festivales. Ayer, el colectivo de las artes escénicas de la Comunidad de Madrid se reunió con Amado Giménez Precioso, director general de Promoción Cultural, para exigirle el pago de las ayudas, aplazadas desde hace más de un año y cuya cantidad asciende a los 4,2 millones de euros. La Red Española de Teatros Públicos, que engloba a 141 socios y 700 espacios escénicos y que hasta ahora no se había pronunciado, también alertó el martes mediante un comunicado sobre la sostenibilidad de las compañías si no se acomete una “reflexión”. Ante tal descalabro, el teatro por fin ha dicho basta.

“Estamos ahogados, asfixiados, pidiendo créditos que no podemos devolver. Con una situación así, es mejor no trabajar, así que lo tenemos todo en manos de abogados”, señala la directora Laila Ripoll a Público. Ella, que también tiene su propia compañía, Producciones Micomicón, es una de las afectadas del Festival de Mérida junto al resto de compañeros que trabajaron en la obra La asamblea de mujeres. “Hemos trabajado mucho, a veces en condiciones no muy buenas, y todavía no tenemos nada”, añade.

Su compañero de profesión, Pepe Viyuela, tampoco ha recibido parte de sus honorarios por trabajar en la obra Antígona de Mérida. El actor, que forma parte del colectivo de afectados, reconoce sentirse agradecido por trabajar en televisión: “Así lo sobrellevas mejor, pero hay otros compañeros que lo están pasando mal. Es una situación difícil”, afirma. “Ya no nos podemos apretar más las cuerdas. El teatro ya está apretado de por sí. Pero ahora se están cometiendo muchas irregularidades, como no darnos de alta [en la Seguridad Social]. Alguien debe responder a esto ya”, añade la directora y empre-saria Amelia Ochandiano, quien, “de chiripa”, pudo cobrar su cheque en Mérida por el monólogo Asteroide 1583: “Me lo dieron el mismo día del estreno y me hice una foto con él, por lo inusual. Aunque a mí me pagó la Junta [de Extremadura]“, relata con humor.

El Festival de Mérida obtuvo un déficit el año pasado de 773.223 euros, una cantidad que se suma a la fuerte deuda que atesora este festival (las cifras no oficiales están en torno a los dos y cuatro millones de euros). Su mala situación económica provocó inclu-so que sus directoras, Blanca Portillo y Chusa Martín, dimitieran al final de esta edición. Y, con vistas al año que viene, la realización del Festival se encuentra en la cuerda floja. “Hasta ahora no se ha hablado nada de programación y ya es muy tarde. A estas alturas, ya sabíamos algo para empezar a hacer presupuestos”, afirma el productor José Recio, quien también recuerda que la mala situación económica de los ayuntamientos en Extremadura ha provocado la disolución de compañías como la suya, Samarkanda, que llevaba 16 años en activo: “Nos hemos separado por no cobrar, no porque no tuviéramos trabajo”, apostilla.

La cuestión, en estos momentos, va más allá de la nefasta financiación de los ayuntamientos. Miguel del Arco, director y autor, quien reconoce que sí cobró su trabajo en Mérida (el monólogo que hizo para Carmen Machi, Juicio a una zorra), denuncia a aquellos consistorios que, a pesar de ser morosos, aún siguen contratando a compañías de teatro. “A nosotros nos llamaron de León, donde no pagan desde hace tres años. En la cláusula del contrato habíamos estipulado que si la función era el miércoles, teníamos que cobrar el lunes. Y como no lo hicieron, decidimos no actuar. Por dignidad profesional. Pero es increíble que aún se puedan permitir el lujo de seguir contratando”, explica indignado.

A las fricciones con los ayuntamientos se suman las que las compañías tienen con los espacios escénicos (adeudados por los consistorios en una especie de pescadilla que se muerde la cola). Como recuerda Gerardo Ayo, director hasta ayer de la Red Española de Teatros Públicos, “la ley dice que el pago ha de ser a 50 días, pero es cierto, hay muchos espacios escénicos que no lo hacen, ni con las compañías ni con el material de oficina”. Santiago Sánchez, de la compañía L’Omprebís, reconoce la problemática con Teatres de la Generalitat de Valencia: “Es una situación muy grave porque puede conllevar que se desmantele la red de teatros que nos ha costado construir”. En un intento de cerrar filas con los grupos teatrales, desde la Red se asume que el mayor problema está en la gestión “nefasta” del teatro y del político que lo supervisa y es ahí “donde hay que meter mano”, porque “los teatros están buscando fórmulas imaginativas para abaratar costes”.

Pero ¿cómo puede sobrevivir el teatro ante unas circunstancias en las que los ayuntamientos no pagan y los espacios escénicos también tienen dificultades? Ante esta pregunta, se destapa otra problemática: las subvenciones. Las compañías reciben un porcentaje, en muchos casos, como dice Santiago Sánchez, ínfimo, ya que sólo llega al 20-25% de lo que generan en total. Aún así, en los últimos meses, ha sufrido un fuerte tijeretazo. “Las ayudas de la Comunidad de Madrid se han rebajado en un 70% para nuestra compañía, Teatro de la Danza. Eso significa que he tenido que cancelar la producción que ya tenía en marcha”, se queja Ochandiano.
Tijeretazo en Madrid

Precisamente, el colectivo de las artes escénicas de Madrid salas, compañías y asociaciones lleva meses luchando con la Consejería de Cultura, en manos del vicepresidente madrileño, Ignacio González, para que les adjudiquen las ayudas de 2011. “Nos llevan toreando con los plazos y, a día de hoy, hay mucha incertidumbre. Nos han dicho ahora que se aplazan a febrero”, comenta a este periódico Alberto García, de la Coordinadora de Salas Alternativas de Madrid. En total, la cifra asciende a 3.600.000 euros para las empresas teatrales y 700.000 para las asociaciones culturales. En total, 4,2 millones de euros. “Y es un dinero que ya viene muy recortado. Esto nos va a poner en la tesitura de tener que cerrar la mitad de las salas que hay en Madrid porque ya se han pagado los alquileres y las nóminas de 2011. Es una situación kafkiana”, añade García.

En una crisis económica como la que atraviesa el país, el tema de las subvenciones goza hoy de una enorme impopularidad entre la población. Sin embargo, el mundo del teatro no pretende plantearlas como si se tratara de “vivir de la caridad”, según apunta Laila Ripoll. “Además, ¿no recibe ayudas el campo, los bancos, los empresarios? El teatro es un bien cultural y una sociedad sin cultura no merece la pena”, añade esta directora, para quien, tal y como están las cosas ahora, “están condenando el teatro a los monólogos, porque no te vas a poder meter en obras de 14 personas”. Amelia Ochandiano se pone de su parte: “No es que la cultura esté subvencionada, sino que hay producciones artesanas que valen mucho dinero. Y, además, no se puede programar algo sólo para que el teatro se llene”.

En este punto se abre el debate del modelo de cobro de las compañías: ¿deben cobrar por el caché o por la taquilla? Para los trabajadores del teatro, esta fórmula supondría hoy una condena. “Siempre que he ido a taquilla he perdido dinero. Se llenan los teatros, pero pierdes, porque al precio que están ahora las entradas en muchos sitios, se está vendiendo el producto a la mitad de lo que cuesta. Con esta fórmula, sólo van a sobrevivir los grandes eventos y el teatro comercial que todos conocemos y que es lo que interesa a la política de derechas”, concluye Ochandiano.

Aterriza en Málaga bricAbrac Teatro y lo hace a lo grande, con su espectáculo C`est la vie, el principio…muy duro, que programa Espaciu, el jueves 8 de diciembre a las 20 horas.

Más de un centenar de funciones avalan la propuesta, que fue estrenada en 2005, como primera produc- ción de la compañía. Desde entonces, C´est la vie ha cosechado prácticamente una veintena de premios, ha poblado las carteleras de festivales de todo el país y ha salido, temporada tras temporada, en gira nacional para atesorar el aplauso de público y crítica. La propuesta mide cuánta ternura, diver- sión, fantasía, poesía caben en una hora, que es lo que dura el espectáculo: una niña en la preadolescencia llega a esa encrucijada en la que ha de decidir por sí misma, ese fundamental paso hacia la madurez. Situaciones delirantes que devolverá al espectador unos años atrás, cuando aún preservaba la ingenuidad en la mirada y el mundo brillaba con colores más vivos. Diriga por Alberto Roldan, Elena Bolaños, única intérprete del reparto y autora de los textos, ha recibido por C´est la vie innumerables pre- mios a la mejor actriz. Sola en escena, demuestra que el teatro pertenece a los únicos que puede pertenecer: a los actores y al público. A los actores y actrices que se fajan en el oficio como una artesanía y profesan sobre las tablas una fe sincera, y del público que se rinde a tanta verdad y, en su caso además, a tanta carcajada llena de luz. BricAbrac comenzó con C´est la vie, el principio… muy duro una afortunada tra- yectoria que, en muy pocos años, la ha situado como referen- cia en el panorama teatral andaluz. Aquí no hay trampas ni cartón: nada de padrinos ni varitas mágicas. El tesón y el amor al trabajo bien hecho, la entrega sin condiciones y el ardor necesario para no sucumbir a esta extraña época que hace sentir a sus artistas como hijos bastardos. Y como no sólo de C´est la vie vive bricAbrac, en 2008, la compañía estrenó Mundo Poubelle, que también recaudó algún galardón, y Las Queen de la playa, un espectáculo que, a día de hoy, cuenta con dos versiones: para sala y calle. Por último, en 2010 estrenaron Insomnio, Ne me quitte pas el Sueño, que le ha valido el Premio del Público y Premio a la Mejor Actriz en el XXIX Festival Nacional de Teatro de Vegas Bajas. Elena Bolaños y Matthieu Berthelot son los padres de la criatura. Ambos forman bricAbrac Teatro, una dupla que armoniza gestión y creación con una sensatez y un brillo francamente envidiables.

Representan esa forma nueva de compañía teatral: joven, humilde, talentosa y con una claridad de ideas fundamental. Gente así y apuestas como estas garantizan la renovación del tejido teatral andaluz, así como un aliciente para que el público, cada vez más reacio, vuelva a demandar sus butacas en las salas y teatros.

La Cenital diciembre 2011 – www.lacenital.blogspot.com

Jesús Cimarro, vicepresidente de Faeteda y director de la Pentación, explica cómo pueden las compañías de teatro presionar para que les paguen

Liz PERALES / El Mundo – El Cultural / 24.11.2011

El próximo 1 de diciembre las 400 empresas asociadas a la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza (Faeteda) decidirán si se publicitan los nombres de los Ayuntamientos morosos que no pagan a las compañías de artes escénicas. La organización dará a conocer a sus socios un exhaustivo informe sobre la deuda contraída de los municipios españoles por contratación de espectáculos y, en base a su contenido, propondrá a sus socios las medidas a adoptar.

Según informó Jesús Cimarro, vicepresidente de Faeteda y director de la productora Pentación, su empresa ha iniciado 50 procedimientos monitorios contra un número similar de ayuntamientos. “Es la manera que hay para que éstos reconozcan la deuda, el procedimiento se resuelve en tres meses, y si no se avienen a pagar entonces la opción es demandarles judicialmente”, explicó el productor. Esta última medida, sin embargo, no es del gusto del productor, ya que suele acabar en embargos judiciales de propiedades de los municipios: “Y ya me contará para qué me sirve a mí tener ordenadores o mobiliario o yo que sé”.

La medida no le ha ido mal, comenta, pues de los 50 procedimientos monitorios, la mitad de los municipios han pagado “aunque lo más probable es que no vuelva allí a actuar”, comenta. En total, los municipios le adeudan más de un millón de euros. Su empresa es sólida y puede aguantar el tirón de la falta de financiación, pero hay muchas otras, de menor entidad, compañías y pequeñas productoras, que se han quedado por el camino.

Algunas compañías, como Kamikace, dirigida por Miguel del Arco, dio a conocer ayer que ha cancelado funciones en León al comprobar que el ayuntamiento no le había pagado por adelantado, como establecía el contrato. El de León es un municipio famoso entre los teatreros, incluso ha sido demandado judicialmente por Focus, la mayor emprsa de espectáculos del país.

Sobre este asunto, Cimarro explica que él ha decidido no actuar en aquellas ciudades donde el pleno del ayuntamiento no haya aprobado el presupuesto para la función. “Si se ha consignado el gasto, entonces sí”. Y recomienda a las empresas que cuando vayan a taquilla “pidan a los ayuntamientos que el CIF de las entradas vaya a nombre de la compañía. Es la manera de poder llevarse el porcentaje de la taquilla que te corresponde sin esperar a que el Ayuntamiento decida liquidarte”.

Miguel del Arco suspende funciones en León y Angel Gutiérrez pide ayuda para no cerrar su sala

Liz PERALES / El Mundo – El Cultural / 23.11.2011

La deriva económica del país se cobra sus primeras piezas en el ámbito del teatro. La sala que dirige Ángel Gutiérrez en Madrid, Teatro de Cámara Chejov, ha enviado un “sos” a los medios de comunicación anunciando su inminente cierre. Por otro lado, Miguel del Arco, uno de los directores revelación de las últimas temporadas, ha cancelado la función que iba a dar en León con su compañía Kamikace Producciones porque el Ayuntamiento de la ciudad, con muchas deudas, no le ha ingresado por adelantado el dinero, tal y como establecía el contrato que había firmado.

“El Ayuntamiento de León, a través de su programador, nos llama insistentemente para asegurarnos que si vamos, nos pagará (tremendo que esto esté en tela de juicio, pero en fin…). Mi socio (Aitor), que ya lleva encima unas cuantas de éstas, le propone que si quiere que vayamos tiene que poner en el contrato una cláusula comprometiéndose a que el pago por la actuación sea ingresado en nuestra cuenta dos días antes de la fecha del bolo”, explica Miguel del Arco en su facebook. Y añade:” ¡¡¡¡NO HA SERVIDO DE NADA!!!!

Ayer martes, día marcado para que se produjera el ingreso, no hubo manera de localizar a los responsables. Hoy, Aitor ha hablado con todos ante nuestra negativa a desplazarnos a León debido a su incumplimiento de contrato. Nos juran por su honor que recibiremos el dinero. ¿Quién se puede fiar de su palabra cuando no han cumplido el contrato que habían firmado con nosotros?”

Por ello, La función por hacer, obra que iban a representar en León, ha sido cancelada y explica Del Arco que lo siente por los aficionados, pero que “cuando una compañía sale de bolo se producen infinidad de gastos: desplazamiento de los trabajadores, seguridad social, dietas, sueldos etc. La administración nos pide el IVA de esa factura aunque no la hayamos cobrado. Si esto lo vas sumando al número de ayuntamientos que se retrasa o que, directamente no paga, no es muy difícil llegar a la conclusión de que es una actividad insostenible”.

Por otro lado, la pequeña sala de teatro que Ángel Gutiérrez abrió en Madrid hace 32 años anuncia su “cierre inrremediable” si no mejoran las subvenciones del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, que han reducido éstas a la mitad durante 2011. Y eso que hace precisamente un año, la Comunidad de Madrid le otorgaba el Premio a la Tolerancia “por su contribución a la difusión de la cultura teatral en Madrid durante 30 años”. Según dice el comunicado, “nos niegan lo mínimo que permita la supervivencia” y recuerda que “somos una organización cultural dedicada a la divulgación del teatro, si dejamos que la crisis se lleve por delante todo el trabajo hecho durante años, habremos destruido el hábito teatral en el público de jóvenes, mayores o niños que buscaban otras alternativas al teatro comercial”.

Gutiérrez es director de escena y, sobre todo, pedagogo. Con él se han formado reconocidos actores. Niño de la guerra, vivió la URSS de Stalin, donde se formó en la tradición del teatro ruso, con discípulos del maestro del Teatro del Arte. Retornó a España durante la transición, donde dio a conocer entre la profesión teatral madrileña, o más precisamente a corregir, la idea distorsionada que se tenía de las teorías de Stanislavski.

Las compañías se hunden porque las Administraciones públicas les “estafan, adeudan y sobornan”

Rosana Torres / El Pais / 19.11.2011

Emilio del Valle (Madrid, 1961) es actor, director, y fundador de la compañía Inconstantes Teatro, en 1994, considerada entre las mejores del mundo de la escena en España. Un grupo en parte alternativo, aunque con vocación de trascender, cosa que logra cualitativamente, con sus montajes de dramaturgos españoles vivos, clásicos contemporáneos y autores del Siglo de Oro. Él y su grupo ejemplifican perfectamente la situación paradójica, enfermiza y disparatada por la que está atravesando el mundo de la escena. Por primera vez desde que el teatro naciera en la democracia griega, siglos antes de la era cristiana, son los cómicos, faranduleros, titiriteros, actores y todo un largo etcétera, los que están manteniendo con sus dineros a las administraciones públicas (sobre todo municipales y autonómicas) y no al revés.

Del Valle habla de “el virus incurable de la morosidad” para referirse a la situación crítica por la que están pasando la práctica totalidad de las compañías de teatro, como la suya, sin olvidar a los productores quienes arriesgan en una actividad que de poco les sirve que esté pasando por un claro éxito, como es el teatro.

La realidad de una compañía como Inconstantes Teatro pasa por llevar los números al día. De lo contrario se hunde el proyecto artístico. “Y la cuenta de resultados se equilibra mediante la aportación de capital propio, el apoyo institucional, la distribución y el sentido común; donde no llegue el dinero ha de aflorar la imaginación, nunca el gasto por encima de nuestras posibilidades. Sobre estas bases se han consolidado un buen número de proyectos artísticos reconocibles en los últimos 25 años”. El director menciona compañías como Micomicón, Meridional, Cuarta Pared, Factoría, El Zurdo, El Cruce, La Tartana, Animalario, Morboria, Kamicaze, Ur, Inconstantes y muchas otras. Todas justifican el dinero público que reciben, cumplen escrupulosamente con las administraciones públicas y sus complejas estructuras, atienden sus responsabilidades en materia impositiva y pagan la seguridad social de sus trabajadores. Pero el dinero ingresado en taquilla habitualmente no les llega o si cobran es como enormes retrasos hasta de años.

“Con la crisis económica como telón de fondo, la clase política, entiéndase el término en sentido marxista, incumple su responsabilidad contractual con las compañías de la manera más vergonzosa e inmisericorde. No hay un solo miembro de la clase política que haya dejado de cobrar su sueldo, mientras decidía no pagar nuestros contratos. Algún ayuntamiento, por ejemplo el de Illescas (Toledo), ha negociado con entidades financieras la concesión de créditos blandos a las compañías, pagando estas los intereses. Me pregunto por qué el Ayuntamiento no pide el crédito, nos paga la deuda, y paga los intereses del crédito. A Inconstantes se le adeudan contratos desde 2009 (Ayuntamiento de Pinto, en Madrid), y la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, unos 30.000 eurejos, limosna… Y así, ¡hasta 60.000 euros!”, señala desbordado Del Valle. El afamado grupo Animalario gana dinero, pero como no cobra pide créditos para pagar a actores y dietas y las ganancias son los intereses que se queda el banco.

Entre tanto, la Administración Central pide a las compañías que liquiden el IVA de facturas impagadas por la propia Administración pública: “Verán el truco: el IVA de 60.000 euros asciende a 9.000, es decir, que debo pagar a Hacienda 9.000 euros que no he cobrado, de manera que la Administración no paga mis facturas pero recauda el IVA de las mismas. Hay que redefinir el IVA: además del soportado y el repercutido, el adeudado/estafado/sobornado/impagado…. Podemos convivir con los recortes, y con el trato humillante que la clase política dedica a la cultura. Lo que es más dudoso es que podamos mantener nuestros proyectos con deudas que superan con creces el 50% de nuestros ingresos. Si algo no lo remedia la nuestra será una de las próximas compañías en desaparecer”. Entretanto, Del Valle propone una relectura de nuestra Constitución (preámbulo y artículos 9, 10, y 48) y acudir los días 1, 2 y 3 a la madrileña Sala Pradillo, donde Inconstantes Teatro representará uno de sus últimos e interesantes trabajos: Unos cuantos piquetitos, de Laila Ripoll.

ANÁLISIS: LA ALARMANTE SITUACIÓN DE LA ESCENA

MARCOS ORDÓÑEZ / El Pais / 24.11.2011

Querido amigo: Mal que bien, seguimos con la gira, cada vez más anémica. La verdad es que nos están dando por todos lados. El bolo en el sur se ha ido a hacer puñetas. Por lo menos el tío del Ayuntamiento tuvo el detalle de decirnos (o se le escapó, no sé) que allí no iba a cobrar ni el Tato.

-Es que no tenemos dinero. ¿Qué se os ocurre?

-Pues lo que se nos ocurre es no ir.

“No, tíos, no podéis hacernos eso, que nos dejáis sin programación… Mira, os haremos un contrato, pero para cobrar dentro de un año y medio”. “Vale, muy bien, aceptamos el contrato pero si nos llevamos una parte de la taquilla para cubrir gastos”. Y va y nos dice: “Huy, hijo mío, qué más quisiera yo, con la de agujeros que tengo que tapar”. O sea, que no fuimos. Parece que los cómicos, que hemos sido pobres de solemnidad toda la vida, ahora tenemos que levantar el país.

Sabrás que en las últimas temporadas se han producido en España unos 1.200 estrenos al año en más de 1.500 espacios. La mayoría son teatros públicos de provincia, lo que quiere decir que buena parte de la actividad de las compañías se produce en gira, no en las temporadas de las grandes ciudades. Desde que comenzó la famosa crisis, un elevado tanto por ciento de los teatros municipales no pagan lo que compran. Algunos, los más sensatos, no compran porque no tienen dinero. Y otros, como en el pueblo del sur, utilizan el dinero de la taquilla para pagar los contratos de la luz o los sueldos de los empleados del Ayuntamiento. Taquilla que, por cierto, tampoco es ninguna bicoca, porque las entradas se venden “a precios políticos”, o sea, muy por debajo de su precio real.

Durante una época, cuando de las arcas públicas manaba leche y miel, la baratura de las entradas no nos afectaba porque la mayoría cobrábamos unos cachés más que potables y unos pocos los cobraban potabilísimos, pero ahora ni cobramos cachés; ni la taquilla, cuando la cobramos, nos permite salir de apuros. Y ya veremos qué pasa con el público, porque se han acostumbrado a esos precios y no pueden subírselos de repente. Bueno, poder pueden, pero la gente se va a quedar en casa.

Así las cosas, muchas compañías no tienen funciones y han de echar el cierre, o no les pagan y han de echar el cierre también.

Tú calcula que un empresario de compañía o un promotor privado ha de costear todos los gastos del bolo (que van desde los viajes y el transporte de la escenografía hasta, a menudo, los programas de mano) así como los sueldos, Seguridad Social y dietas de actores y técnicos. Y lo más chocante de todo, el IVA, a menudo sin haber cobrado la actuación. No puede haber mayor paradoja: por un lado, la Administración no te paga y por otro te exige el IVA de un dinero que no has recibido. Hay empresarios que han ido a los Ayuntamientos con un notario para que levantara acta del impago, pero son los menos, porque eso supone perder más tiempo y más dinero.

Hace poco, una concejala de Cultura de un Ayuntamiento de Levante encontró la piedra filosofal para recortar presupuestos: “A partir de ahora”, dijo, “la programación la haremos con las compañías de aficionados de cada localidad”. Pensamos que era una salida de pie de banco, pero encontró eco. A los cuatro días, otro consejero de Cultura dijo que a partir de ahora los bolos se pagarían a 1.500 euros, que o lo tomaban o lo dejaban. Yo no tengo nada en contra del teatro amateur, pero la jugada está muy clara: miseria absoluta. No les importa que el teatro sea bueno o malo, amateur o profesional. Lo único que les importa es pagar a precios de derribo. ¿Qué puedes montar con esa cantidad? Claro, tendrán que ir ilegales todos, sin Seguridad Social, sin nada, con cuatro focos porque no puedes ni pagar al técnico de luces. Eso es volver a los días de El viaje a ninguna parte.

Dicen que la industria privada va a “entrar”, todavía no se sabe muy bien cómo, en muchos de esos teatros municipales. Puede que sea una buena idea, aunque pienso que si no nos han llamado nunca no veo por qué van a hacerlo ahora, ni sé si me va a convenir. A unos compañeros les contrataron la primavera pasada para actuar tres semanas en un teatro de empresa privada. Les dijeron que tenían que estar muy contentos porque aquello no pasaba todos los días. Y lo estaban, porque cada noche veían la sala bastante llena. La felicidad se acabó cuando comenzaron a llegar las liquidaciones: el promedio indicaba que entre ofertas, descuentos, promociones y jubilados (que no es que sea el mejor público) estaban vendiendo las entradas a nueve euros. O sea, que llenar llenaron, pero acabaron perdiendo dinero.

Lo peor es que se te queda cara de tonto cuando te dicen que el teatro español vive uno de los momentos más brillantes de su historia. Es cierto que sigue habiendo mucha creatividad y mucho empeño, pero con esa excusa están recortando a tajo. Yo digo que más que crisis hay caudales muy mal repartidos, porque con los presupuestos públicos se siguen haciendo espectáculos carísimos. Los teatros nacionales no han cambiado su estructura paquidérmica, con montajes grandes (que no es lo mismo que grandes montajes), casi siempre para lucimiento de sus responsables, escenografías inamovibles y, por tanto, escasa o nula posibilidad de gira: se ven uno o dos meses allá donde se hicieron y se acaba la historia.

Y luego se te pone todavía más cara de tonto cuando te dicen: “No te quejes, que con eso de las subvenciones vivís de la sopa boba”. Es como lo de los maestros, que no llegan a fin de mes pero tienen tres meses de vacaciones.

Hablando de subvenciones: ahora, en noviembre, están a punto de hacerse públicas las que pedimos, porque son anuales. Lo cual quiere decir que para poder cobrar has de estrenar antes del 31 de diciembre: por tanto, tienes un mes y pico para montar y presentar un espectáculo. Y antes no has podido prepararlo, obviamente, porque no tenías la pasta, y ya no te arriesgas a pedir otro crédito. Y tampoco puedes decirles a tus actores: “No cojáis esa serie o esas sesiones de doblaje, que un verdadero actor ha estar haciendo teatro aunque se muera de hambre: ya cobraréis una décima parte cuando llegue la limosna del ministerio o de la comunidad”. Porque eso es lo que es, llámale limosna o llámale pedrea. Y fíjate que, pese a todo, a muchas compañías les sale más a cuenta pedir una subvención y hacer un nuevo espectáculo que seguir con el del año pasado, porque no tienen dónde colocarlo: por eso también se hacen tantas funciones innecesarias y tienen una vida tan corta. Yo siempre he recelado de la cultura subvencionada, pero todavía desconfío más de la famosa ley del mercado. El mercado es una apisonadora que lo iguala todo. Lo primero que un programador te va a pedir son nombres: actores “populares”, mayormente de televisión. Es muy, pero que muy difícil, estrenar una obra con actores desconocidos. Y tanto si eres director como autor te van a pedir comedia, comedia por encima de todo, que la gente lo que quiere es divertirse y olvidarse de la que está cayendo, y si es con tres personajes mejor que con cuatro, y si es un monólogo con ese chico o esa chica que presenta un concurso, pues mejor que mejor. Y luego, a esperar, porque no hay bastantes salas. Un proyecto puede tardar dos años en estrenarse, y pilla tú a los actores pasado ese tiempo. Y los programadores quieren ver la obra en Madrid o en Barcelona antes de llevarla de gira, cuando antes era al revés: primero ibas de gira y luego “entrabas” en la capital.

Nosotros no es que hagamos un teatro raro ni difícil, pero en tiempo de crisis todo lo que no sea instantáneamente rentable pasa a ser raro y difícil.

Yo no sé cuál es la solución, porque no soy político ni empresario, pero sé que bajo el imperio de la rentabilidad inmediata nunca se hubiera estrenado Esperando a Godot ni muchas otras. Ni, ya puestos, se hubiera escrito el Ulises ni se hubiera rodado jamás Los Soprano.

Quizás todo lo que está pasando sirva para aguzar nuestro ingenio y encontrar nuevas formas de supervivencia. Quizás muchos nos quedemos en el camino y tengamos que dedicarnos a otra cosa. Corto y cambio, porque los temas son muchos y ya está bien de quejas. Mi padre, que es cómico viejo, dice que peores crisis vivió él, y que el teatro es como un corcho en mitad del mar: parece frágil y minúsculo pero no hay ola que se lo lleve al fondo. Ya se irá viendo. Recibe un fuerte abrazo.

“C´EST LA VIE” de bricAbrac Teatro estará el Jueves 8 de diciembre en la SALA ESPACIU (Bulevar Louis Pasteur, s/n – junto a la Facultad de Psicología) de Málaga, a las 20h00. Entradas 5 €

El Encuentro se desarrollará en Mairena del Alcor (Sevilla) del 5 al 9 de noviembre, acogiendo el trabajo artístico de creadores llegados desde Guatemala, Argentina, Serbia, Francia y España.

El evento está organizado por la compañía mairenera Cerrado Por Obra, Dos Lunas Teatro y ASAT (Asociación Andaluza Taraceas). Las colaboraciones de Teatro Habitado y de la Delegación de Igualdad y Servicios Sociales del Ayuntamiento de Mairena del Alcor también han sido fundamentales para la puesta en marcha de este proyecto.

Mairena del Alcor se convertirá durante 5 días en un punto de encuentro para el mundo de las artes escénicas, con una programación que le situará a la vanguardia con propuestas donde confluyen calidad teatral y un fuerte compromiso social.

La presencia de Las Poderosas Teatro de Guatemala se convertirá en el eje central del Encuentro. Este grupo de mujeres guatemaltecas sobrevivientes de violencia, que acaban de recibir la Estatuilla Glo en el XV Encuentro de Mujeres de las Artes Escénicas dentro del FIT de Cádiz, compartirán sus vivencias y experiencias con diferentes colectivos ciudadanos, no sólo de Mairena del Alcor, sino también con el grupo de Teatro Comunitario de Alcalá de Guadaíra y el grupo de teatro Porque Queremos de la Asociación de Mujeres “Nosotras” de Parque Alcosa.

Este Encuentro permitirá disfrutar de espectáculos de teatro, teatro de calle, talleres, exposiciones y charlas desde el sábado 5 hasta el miércoles 9 de noviembre.

Para más INFORMACIÓN, RESERVA de entradas o INSCRIPCIÓN en los talleres pueden escribir a ajtcerradoporobra@hotmail.com o llamar al 626 57 03 01.

“INSOMNIO, Ne me Quitte pas el Sueño” de bricAbrac Teatro estará el Viernes 4 Noviembre de 2011 en el XVI Festival de Teatro de Humor “El Perol” en el Teatro Cereza de Carmona

Se trata de una comedia que aborda, desde la amistad y la tragedia de dos personajes, una reflexión sobre la lucidez

ABC Sevilla / 27.10.2011

El director y actor Andrés Lima estrena en el teatro Lope de Vega de Sevilla su último montaje, “Elling”, que hoy ha definido como una comedia que aborda, desde la amistad y la tragedia de dos personajes, una “reflexión sobre la lucidez y la locura” y que protagonizan Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez.

Lima, que dirigió “Urtain”, entre otras obras, ha explicado en rueda de prensa que puso como condición para dirigir ésta que los actores participaran en un taller con enfermos psíquicos, una experiencia que, han señalado, les ha supuesto una “interesante” mezcla de “alegría y auténtica tristeza”.

“Elling”, que comenzará en Sevilla una gira que concluirá en enero en Madrid, está basada en la novela del autor noruego Ingvar Ambjornsen y ha sido adaptada para la versión teatral por David Serrano, que presentó hace dos años el guión a Gómez, ha informado el productor Coté Soler.

El reparto

Carmelo Gómez interpreta a Elling y Javier Gutiérrez a Kjell Bjarne, dos cuarentones que viven recluidos en un hospital psiquiátrico de Noruega aunque sin un diagnóstico claro, por lo que su gobierno decide trasladarlos a un piso de “adaptación”, donde puedan prepararse para la vida “normal”.

Gómez, que ha subrayado la “sencilla pero brillante” puesta en escena de la obra, ha dicho que el reto que se marca con la obra es que “la carcajada se corte en seco” porque abordan cuestiones cómicas y a la vez tristes por la dificultad de adaptación de los personajes al mundo “normal”.

Javier Gutiérrez, por su parte, ha indicado que su personaje es un hombre con instintos primarios “importantes” y que está obsesionado con el sexo porque tiene 40 años y aún no ha tenido relaciones sexuales.

Completan el reparto Rebeca Montero y Chema Adeva para una obra que incluye la música en directo del pianista Mikhail Stuydenov con piezas del romanticismo alemán y en cuyo cartel se afirma que los protagonistas están “preparados para la gran aventura… salir de casa”.

El director de la obra ha expresado su deseo de que la adaptación de esta obra sea el comienzo de la puesta en escena en España de teatro nórdico.

El productor ha resaltado que en esta obra han tenido en cuenta la Responsabilidad Social de la Empresa, una iniciativa voluntaria que incluye acciones para que las actividades de las empresas tengan repercusiones positivas sobre la sociedad y sus trabajadores